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Análisis de Fargo. Temporada 5. Episodio 3

Continuamos analizando la quinta temporada de la inmensa serie que es Fargo y en este caso le toca el turno al tercer episodio, cuyo título es La Paradoja de las Transacciones Intermedias. Creada por Noah Hawley a partir de la película homónima de los hermanos Coen, la serie es emitida por FX y para España por Movistar+.

Hola otra vez, fargueros. De nuevo aquí para analizar un nuevo episodio de esta quinta temporada de Fargo. El tercero, que hoy nos ocupa, revela detalles sorprendentes y que se rozan con lo fantástico en cuanto a la identidad de Ole Munch, además de tener más puntos de contacto con el género del terror que todo el resto de la serie.

Pasemos pues al análisis, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Rostros en el Techo

Mientras suena Sixteen Tons en la versión de 1955 a cargo de Tennessee Ernie Ford, el sheriff Roy Tillman llega a la escena del crimen de la gasolinería llamado por su hijo Gator, totalmente fuera de sí por lo ocurrido y con su compañero yaciendo sin vida. Con toda frialdad y tras preguntar quién es el tal Ole Munch o de dónde salió, da orden de meter el cuerpo en la camioneta y simular un accidente: los Lyon no son los únicos con muertos en el ropero y tampoco él quiere a los federales encima.

Ya en su casa, le vemos junto a sus hijas gemelas y a su actual esposa Karen (Rebecca Liddiard), cuya invitación a una copa ignora por completo lo mismo que, después en la habitación, su intento por echar mano de fetiches y juegos de rol que parecieran hacer seguido. Él está en su mundo, fija la mirada en el techo mientras fuma y ve dibujarse escenas y rostros en el cielorraso, particularmente el de Dot, que para él es Nadine. “Te estoy viendo”, musita para sí mismo y suena convencido…

Comprando Armas

Como dijimos al principio, ya tenemos nieve, la cual regresa a Fargo tras temporada completa y dos episodios. Todos andan con disfraces y haciendo compras para Halloween, pero la lista de Dot no luce muy acorde y la vemos en cambio chequear escopetas, carabinas y pistolas en una tienda de armas. El empleado (Brendan Fletcher), que justifica su parche por un accidente de caza, se sorprende de su aparente conocimiento del tema, pero no tanto como Wayne, que nunca termina de conocer del todo a su pareja y además abre enormes los ojos al oír los precios; no obstante y al igual que su padre, siempre termina haciendo lo que su esposa dice.

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El Devorador de Pecados

En Bismarck, Dakota del Norte, una anciana regresa a su casa tras hacer las compras (básicamente cerveza) y, en una escena casi de terror gótico, oye crujir las tablas del ático y encuentra allí a alguien que se hamaca en una mecedora. Es Ole, quien dice que ahora ese es su lugar. Y ella, claro, es su madre…

En el flashback más flashback que se haya visto en la serie, nos vamos a Gales quinientos años atrás para encontrarnos con quien parece ser algún antepasado de Ole (o tal vez él mismo) devorando hambriento un alimento que le ha sido dejado sobre el pecho de un muerto: se trata de un antiguo ritual británico por el cual los indigentes limpiaban las almas de los difuntos más acomodados comiéndose sus pecados. Quienes sigan Outlander (aquí los análisis de un servidor), habrán visto algo de eso en la sexta temporada…

A la Caza de Datos

La agente Olmstead sigue dándole vueltas a la historia sin sentido del secuestro y posterior negación por parte de la víctima. Acompañada por el capitán de policía local, se traslada a la mansión de los Lyon a fines de indagar conexiones, pero Lorraine no se muestra muy colaborativa y, por el contrario, le da un discurso recordándole que su función como policía es hacer de “portera”. Las clases pudientes son las que mueven a la sociedad y como policía debe, por lo tanto, protegerlas de la chusma: no le compete interferir con lo que ocurre puertas adentro.

Witt, recién salido del hospital, también anda haciendo averiguaciones y se dirige a los archivos policiales en busca de datos sobre el D.O.A. (dead on arrive: muerto en el camino) que, identificado como Donny Ireland, participara del secuestro y acabara con la nunca contra un váter. Pero se encuentra en el lugar con Gator y se produce un tenso cruce: una vez que el hijo del sheriff se marcha, Witt descubre que se ha llevado datos…

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Dan Miedo…

Estamos sobre la noche de Halloween , en la que, según Roy, el mundo de los dioses se revela ante los vivos: oportunidad justa para irrumpir en el domicilio de Dot. Antes, la llama por teléfono desde una iglesia y le canturrea ominosamente una canción con la imagen de Cristo crucificado enfrente y una bandera estadounidense detrás. Da miedo…

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Envía matones disfrazados para la ocasión, entre ellos Gator, con el objetivo de aprovechar la confusión de Halloween y entrar a casa de Dot valiéndose del “dulce o truco”, pero no logran dar con su dirección porque, pacientemente, ella ha cambiado los nombres en los letreros que identifican las calles: estrategia muy semejante a la que en 1940 desplegaran los británicos en prevención de un eventual desembarco nazi que finalmente no se produjo.

Sin embargo, Dot y su familia están en la calle porque Scotty está haciendo su gira de recogida de dulces y ello hace que tanto ella como los suyos sean vistos por los enmascarados matones desde una camioneta. Dan miedo…

Ole, en tanto y en algún lugar, está practicando extraños rituales: se embadurna con sangre y entrañas de cabra mientras pronuncia versículos en latín y se practica cortes en los brazos. También da miedo…

Balance del Episodio

Otra gran entrega. De ritmo más pausado que las dos primeras, pero repleta de signos y detalles estéticos que hacen erizar la piel y temer lo que viene. Quizás pueda parecer una novedad el elemento fantástico en relación con la historia pasada de Ole. ¿Está vivo desde hace quinientos años debido a los pecados que de otros ha ingerido? ¿Es una reencarnación? ¿Un descendiente? ¿El pecado mismo? ¿Está todo en su cabeza? ¿O simplemente no importa?

Pero los elementos fantásticos o sobrenaturales, a no olvidarlo, no son extraños en las películas de los Coen ni nuevos en esta serie. Son muchas las oportunidades en que los personajes han transitado una fina línea en la cual cuesta distinguir lo real de lo que no lo es y no olvidemos aquella tan comentada aparición de un ovni en la segunda temporada…

Tampoco son nuevos los personajes de discurso místico, esos que a nadie gustaría cruzarse por la calle, pero que pueden camuflarse con el resto sin que sepamos de su existencia. El peor espanto puede pasar al lado nuestro sin que le veamos, incluso bajo el disfraz de la religión o del patriotismo. Es interesante, en tal sentido, el uso de símbolos como el Cristo crucificado, la bandera estadounidense o la confederada, con la que se cubre Gator en su habitación: todos elementos que, al menos en principio, no deberían generar pavor de manera individual, pero que juntos crean un cuadro terrorífico.

Y ya que hablamos de terror, nunca la serie se tocó tanto con el género. Hay algo estremecedoramente siniestro detrás de todo lo que ocurre y se avizora un escenario espeluznante. La banda sonora de El Resplandor (Stanley Kubrick, 1980) se deja oír mientras Ole yace sobre su cama, en tanto que Dot dice que con Scotty van a “cazar zombies” (aunque los chalecos antibalas parecieran dar una pátina de pragmático realismo).  Los matones de Roy, por su parte lucen sacados de película slasher o home invasion y la máscara de Gator rinde homenaje a Jack Skellington, personaje de Pesadilla antes de Navidad (Henry Selick, 1993).

Las tramas tienden a unirse más por imperio de las circunstancias que por una lógica que las conecte: los objetivos de Roy no son los de Lorraine ni los de Ole. Cada uno actúa guiado por algo distinto, aunque en dos de ellos pareciera tener importancia clave el concepto de deuda: Roy entiende que Dot tiene una con él y lo mismo piensa Ole de Roy. Y si bien es cierto que este último no le ha pagado por su trabajo, la sensación es que hay algo más allá de lo moneario.

Hay un par de frases tan perturbadoras pero geniales. Ya he hecho referencia al discurso que le da Lorraine a Olmstead, pero vale la pena citarlo palabra por palabra: “¿Cuál es tu función? Eres una herramienta para separar a los que tienen dinero, clase e intelecto de los que no. Una portera que está para que la chusma no entre, pero que muros adentro no tiene ninguna función”. Casi una lección de sociología funcionalista, pero a un extremo terriblemente perverso…

La otra gran frase se la dice Roy a su hijo cuando le advierte que si vienen a buscarlo, será cuando menos espera y de manera traicionera: “¿Has visto High Noon? Eso solo ocurre en las películas. Mi consejo es que duermas con el arma amartillada”… La referencia hace alusión, claro, al clásico inmortal del western conocido en España como Solo ante el Peligro y en Latinoamérica como A la Hora Señalada, en el cual el sheriff Kane sabía perfectamente a qué hora vendrían a buscarlo los delincuentes que se la tenían jurada por haberlos mandado a la cárcel.

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Y habrá que ver cómo sigue la historia de quienes parecen ser los únicos policías honestos en el lío, que son Indira y Witt. No tienen más remedio que trabajar en soledad debido a la poca colaboración de Dot, pero quizás podrían, por ello mismo, acabar uniéndose.

En cuanto a los personajes nuevos, han sido básicamente tres.  Una es la madre de Ole, cuyo futuro no parece pintar bien a partir del regreso de su hijo y por otra parte: en caso de que él estuviera vivo desde el siglo XVI, ¿también ella?.  Otro es el tendero de armas: personajazo, pero lamentablemente dudo que volvamos a verlo.  La tercera (en más de un sentido) es Karen, la esposa de Roy, que hasta aquí no da impresión de pintar mucho pero quizás no le agrade el lugar al que él la relega tras haber reencontrado la pista de Dot.

Veremos si el próximo episodio nos trae alguna novedad en cuanto a todas estas cuestiones. Por lo pronto, estamos viendo otra vez una gran temporada y les espero para el nuevo análisis. Hasta entonces y sean felices…

 

Special Ops: Lioness (2023) en SkyShowtime

Special Ops: Lioness llega a su fin con el estreno de su octavo episodio el lunes 11 de diciembre de 2023. Ha sido un duro recorrido para sus dos protagonistas, con muchos altibajos en la trama, pero parece que la misión que empezaron hace unos meses, por fin va a acabar.

Zoe Saldana (Avatar, Guardianes de la Galaxia, El proyecto Adam, Amsterdam…) se mete en la piel de Joe, una agente de la CIA. Una mujer muy segura de sí misma que lidera un grupo de élite que opera en secreto en misiones contra objetivos que puedan suponer un peligro para los habitantes de Estados Unidos.

Esta vez necesitarán una infiltrada para que acceda de forma natural al objetivo y la elegida será la inexperta soldado Cruz (Laysla De Oliveira, la mala de Locke & Key). La joven tiene la misión de hacerse amiga de Aaliyah (Stephanie Nur), la hija de uno de los peores criminales de Oriente Medio. De esa manera, Cruz tendrá la oportunidad de acercarse a él para acabar con su vida.

Detrás de esta historia tenemos a Taylor Sheridan, creador de series como: Yellowstone y 1883, o películas como Aquellos que desean mi muerte y Sin remordimientos. Un historial que, a priori, avala el éxito de Special Ops: Lioness; y eso queda claro en el 7.7 de puntuación que tiene la serie en IMDb.

Special Ops: Lioness

Y si hablamos de grandes nombres, no podemos dejar de nombrar a Nicole Kidman (El hombre del Norte, Nine Perfect Strangers, Aquaman, Ser los Ricardo, The Undoing  Big Little Lies…) que dará vida a la fría jefa de Joe, Kaitlyn Meade. Una mujer acostumbrada a lidiar con grandes secretos y problemas enormes que siempre ha salido ilesa de cualquier situación difícil; y a Morgan Freeman, que aunque solo aparece en dos episodios, es todo un lujo poder contar con él.

Special Ops: Lioness. Entretenida y previsible.

Lo primero que voy a decir sobre Special Ops: Lioness es que ha habido momentos en que ha sido difícil creerme lo que veía. Lo primero es sobre la soldado Cruz. La forma en que entra en el ejército y se convierte en una de las mejores de su promoción me parece que desmerece el esfuerzo que en realidad supone pertenecer a las fuerzas armadas. Aprende todo lo necesario para formar parte de un equipo de élite en unos meses, y por supuesto, es elegida para una misión super peligrosa así como si nada…

Lo segundo que se me hacía más difícil de ver era la parte dramática de la serie. Ahí volvía a tener problemas para creerme que un soldado de élite, alguien enfrentado a la muerte casi a diario, pueda plantearse tener hijos. Pero bueno, Joe tiene dos hijas, y como es normal no las ve todo lo que le gustaría.

Otra cosa que ve en Special Ops: Lioness es que el espectador se puede anticipar a lo que va a suceder con demasiada facilidad. Aquí no hay sorpresas: todo se ve venir y no hay giros inesperados ni nada que pueda hacerte saltar del sofá.

Special Ops: Lioness

Como comentaba con mi compañero Carlos, todo lo relacionado con la parte dramática y familiar de Joe lo saltaba. Me parece que rompe el ritmo de la serie y que, en realidad, no es necesario que nos remarquen que Joe es humana y mujer; es algo que vemos en cada secuencia de Special Ops: Lioness.

Si dejo de lado esas pequeñas cosas, la serie me ha parecido entretenida. Me ha gustado la parte de acción y espionaje, aunque tengo que decir que un poquito más de ritmo y velocidad no le hubiera venido mal. Pero bueno, se le puede perdonar eso, ya que nos dan un fiel reflejo de lo delicado que es infiltrarse y del tiempo que se necesita para que confíen en ti.

También me ha gustado el equipo de élite. Esos soldados entrenados y curtidos con los años (no como Cruz), me parecía que formaban un gran equipo. Se notaba que conectaban y que había feeling entre ellos y también con su jefa Joe. Algo que también sucede entre Kaitlyn y la propia Joe; vemos que entre ambas hay una relación casi de amistad que ha ido fraguando con los años.

Tráiler de Special Ops: Lioness.

Denis Villeneuve afirma que ya tiene escrito el guión de Dune: parte 3.

Tras varios retrasos por la huelga de actores y guionistas, el estreno de Dune: parte 2 es una realidad y prueba de ello es que ha comenzado la campaña de marketing en torno a la película.

Crítica de Dune en Las cosas que nos hacen felices

La primera noticia destacable atañe a Denis Villeneuve, director y alma máter del proyecto que, en una rueda de prensa en Corea del Sur, no solo afirma que la secuela será superior a la original. También que tiene casi terminado el guión de una tercera película sobre Dune.

Según aclara, la tercera parte adaptará El mesías de Dune, la segunda entrega de la saga literaria escrita por Frank Herbert, publicada en 1965. Aquí tenéis sus declaraciones textuales:

«[El mesías de Dune] se está escribiendo ahora mismo», afirmó Villeneuve. «El guion está casi terminado, pero no está acabado. Llevará un poco de tiempo».

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En cuanto a cuándo verá la luz esta hipotética tercera entrega, Villeneuve también afirma que se tomará un descanso. Ya veremos si serán unas vacaciones o un proyecto ajeno a Dune entre medias. Será distinto al paso de la primera y segunda película de Dune, en el que no hubo descanso entre posproducción y rodaje.

Dune: Guía de inicio sin spoilers en la saga de Frank Herbert

Eso dando por hecho que esta Dune: parte 2 sea lo suficientemente exitosa como para que se apruebe una tercera entrega.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Dejar el mundo atrás (2023) Película de Netflix.

Netflix estrenó el día 8 de diciembre de 2023 la película Dejar el mundo atrás. Se trata de uno de los estrenos más esperados para este mes ya que cuenta con Julia Roberts, Ethan Hawke y Mahershala Ali, como protagonistas.

Dejar el mundo atrás está basada en la novela de Rumaan Alam nominada al National Book Award. Está dirigida y producida por Sam Esmail (El resort y Homecoming) y cuenta con la producción ejecutiva de Higher Ground Productions, la compañía creada por Barack y Michelle Obama en 2018. Como dato curioso, el expresidente tenía esta novela en su lista de libros favoritos del año 2021.

Se trata de un thriller apocalíptico que nos lleva a conocer a la familia Sandford mientras disfrutan de un fin de semana de vacaciones en una preciosa casa cerca de la playa. En medio de la noche, recibirá la visita inesperada de los dueños de la casa después de que hayan abandonado Manhattan debido a un apagón.

Amanda (Julia Roberts) y Clay (Ethan Hawke) dejarán que G.H. Scott (Mahershala Ali) y su hija Ruth (Myha’la) pasen la noche allí. Por supuesto no se fían de ellos ya que el motivo que les han dado para justificar haber dejado la ciudad atrás no es muy convincente.

Al día siguiente, descubren que ese apagón es mucho más de lo que jamás hubieran imaginado. No hay internet, no hay noticias, y el mundo parece haber sufrido un ataque cibernético que ha dejado a todos sin entender qué está sucediendo. En ese momento, ambas familias deben acostumbrarse a convivir y a luchar juntos por sobrevivir en este nuevo mundo donde tu vecino podría ser tu enemigo.

Dejar el mundo atrás

O te gusta mucho, o te parece una tontería.

Posibles spoilers

Algo que debes de tener en cuenta antes de lanzarte a ver Dejar el mundo atrás, es que no es un thriller convencional. La manera de retratar este desastre humano no es el hemos visto en otras historias apocalípticas. Esmail ha querido retratar el drama de los personajes enfrentándolos a un cambio radical, y aquí nos traerá esos pensamientos sin tapujos.

Por eso su decisión de cambiar los personajes de la novela. Ruth es la mujer de G.H. en la obra de Alam, pero para el director era mucho mejor convertirla en su hija. De ese modo tendrían un punto de vista millennial para ver cómo contrastaría con los adultos y los niños.

Dejar el mundo atrás dura poco más de dos horas, y tengo que decir que no se me hizo pesada, aunque reconozco que su final te deja con la sensación de algo sin acabar, como cortado. Muchos son los espectadores que piensan que Dejar el mundo atrás debe de tener una segunda parte para explicar cómo continúa la historia de estas dos familias, pero lo cierto es que esto no entra dentro de los planes ni de su director ni de Netflix.

Lo que ves en Dejar el mundo atrás es lo que Esmail quería contar: una visión de cómo se enfrentarían a un desastre un grupo de personas bastante diferente. Tenemos la visión de una mujer huraña y poco confiada, la de un hombre perdido, la de un joven que prefiere pensar en cosas más agradables, la de una niña que en su soledad solo le preocupa poder ver su serie, la de una joven que aplaca su rabia a su modo, y la de un hombre que comprende lo que está sucediendo y lo que esto implica mejor que nadie.

Dejar el mundo atrás

El colapso de Sam Esmail.

Esmail estaba interesado en hacer una película de desastres desde hacía un tiempo, y específicamente quería hacer una sobre un ataque cibernético. El director pensaba que mucha gente no tendría una idea concreta sobre lo que tendría que hacer, ni tampoco serían capaces de darse cuenta de lo perjudicial que sería.

«El impacto de la tecnología en la sociedad es algo que siempre me ha fascinado porque realmente creo que cambió drásticamente la forma en que interactuamos y evolucionamos como personas. ¿Qué pasaría si la tecnología fuera el motor detrás de este colapso? ¿Y si esto de lo que dependemos tanto como pueblo y como sociedad, se vuelve ciegamente en nuestra contra?» Manifestó en su entrevista a Netflix.

Por eso, cuando leyó por primera vez la novela Dejar el mundo atrás, supo que esa era la historia que necesitaba plasmar en imágenes. Y por supuesto, para realizar esa adaptación contó con la ayuda de su autor Rumaam Alam.

La diseñadora de producción Anastasia White se reunió con Sam Esmail, para crear un hogar sólido para el fin del mundo. A lo largo de la película, su trabajo pone de relieve una de las palabras clave que Esmail utilizó para describir la idea que tenía que transmitir la película al espectador: «colapso«.

Dejar el mundo atrás

«La primera visualización del colapso que se ve al comienzo de la película es la grieta en la pared del apartamento de Amanda y Clay«, señala White en su entrevista para Netflix. Posteriormente veremos de nuevo esa idea de colapso de un modo mucho más sutil: mediante los cuadros de la casa.

La gran pintura en blanco y negro en la sala de estar cambia a lo largo de la película. Se vuelve gradualmente más caótico a medida que avanza la película. El papel pintado del océano en el dormitorio principal también cambia. A medida que avanza la película, la línea del horizonte se vuelve cada vez más alta, dando la ilusión de que los personajes están cada vez más bajo el agua.

Dejar el mundo atrás: paranoia apocalíptica.

Una de las palabras que más he leído cuando miraba las opiniones de los espectadores que han la película, es rara. Dejar el mundo atrás es rara. Y, en gran parte, es gracias del director de fotografía Tod Campbell, quien ya trabajó con Esmail en Mr. robot (te dejo los análisis de todos los episodios de Mr. robot).

Campbell utilizó una variedad de enfoques que aumentaron la sensación de paranoia en la historia al mantener los movimientos de la cámara estáticos y restringidos hasta que realmente se necesitaba sentir el movimiento. La simetría en ciertas tomas, como aquella en la que los Sandford y los Scotts se encuentran por primera vez, se utilizó para crear sutilmente una sensación de división entre los personajes.

Dejar el mundo atrás

Esas tomas se yuxtapusieron a secuencias vertiginosas como la huida de G.H. de un avión que se estrelló con un tipo de montura de cámara llamada «The Swizzle«, que se ideó para la película. «No se suele ver una cámara que gire el lado izquierdo o derecho del encuadre hacia el cielo. Se siente muy fuera de lugar, lo que obviamente era perfecto para esta película«, señala Campbell en una entrevista para Netflix.

«Todo tenía un propósito. La yuxtaposición de los planos estáticos y simétricos con los vertiginosos fue una forma de adelantar la experiencia que están teniendo los personajes. Girar la cámara sobre su extremo era una forma de manipular el horizonte como una sensación de inestabilidad y ayudar a lo largo de la paranoia«.

Final de los posibles spoilers

Qué dice Netflix de Dejar el mundo atrás.

Resumen

Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir cuál es su papel en un mundo que se desmorona.

Sinopsis

En este thriller apocalíptico del galardonado guionista y director Sam Esmail (Mr. Robot), Amanda (Julia Roberts, ganadora del Óscar) y su marido Clay (Ethan Hawke, nominado al Óscar), alquilan una vivienda de lujo para pasar el fin de semana con sus hijos, Archie (Charlie Evans) y Rose (Farrah Mackenzie).

Pero sus vacaciones no tardan en torcerse cuando dos desconocidos —G. H. (Mahershala Ali, ganador del Óscar) y su hija Ruth (Myha’la)— se presentan en plena noche con noticias de un misterioso ciberataque y buscando refugio en la que afirman que es su casa. Las dos familias afrontan un desastre inminente que se vuelve cada vez más aterrador y los obliga a todos a asumir su lugar en un mundo que se desmorona.

Tráiler de Dejar el mundo atrás.

Retro-Análisis | The Boxer (1997): Amor y odio en tiempos del IRA

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Bienvenidos amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección semanal que os trae joyas (o no) del siglo XX (o XXI en este caso) que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.

¡Amo ‘The Boxer’ desde que la vi en cine! La cinta de Jim Sheridan a día de hoy puede parecer una obra de ficción para los más jóvenes que no han vivido la época del IRA en Reino Unido o ETA en España, pero fueron años difíciles para ese país.

‘The Boxer’ es la última parte de la trilogía de este cineasta sobre el Ejército Republicano Irlandés que tan buenas cintas ha dejado para la historia del cine. Un filme que se hace enorme en la simplicidad de su trama y en las brillantes interpretaciones de Daniel Day-Lewis y Emily Watson.

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Sheridan no ha sido un cineasta que se haya quedado en la superficie de este conflicto armado, como pudo suceder con ‘La sombra del diablo’ de Alan J. Pakula.  ‘The Boxer’ nos muestra la complejidad y el drama de la situación de Irlanda del Norte a través de la historia de amor y redención de un ex miembro del IRA que se dedica al boxeo.

La película no es solo una grandísima aportación al cine social y político que no se limita a denunciar la violencia y la injusticia, sino que también explora las emociones y los conflictos de los personajes con respecto a todo lo que significa pertenecer al IRA.

La película está protagonizada por Daniel Day-Lewis, quien interpreta a Danny Flynn, un hombre que sale de la cárcel tras cumplir catorce años por un atentado que no cometió. Danny decide reabrir un viejo gimnasio en su barrio para entrenar a jóvenes boxeadores, sin distinción de credo o ideología.

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Al mismo tiempo, trata de mantener las distancias con Maggie, su antiguo amor, interpretada de manera sobresaliente por Emily Watson. Maggie es la esposa de un preso del IRA, y el continuo acercamiento de Danny supone una amenaza para el código de honor de la organización que obliga a respetar a las mujeres de los presos.

Day-Lewis y Watson realizan unas actuaciones magistrales, llenas de intensidad y sensibilidad, que les valieron sendas nominaciones a los Globos de Oro. La química entre ellos es palpable y sus escenas juntos transmiten una ternura y pasión que contrastan con el ambiente hostil y opresivo que les rodea. El resto del reparto también está a la altura, destacando Brian Cox como Joe Hamill, el líder del IRA que intenta negociar la paz con el gobierno británico, y Ken Stott como Ike Weir, el entrenador y promotor de Danny que lucha contra su adicción al alcohol.

La película cuenta con una excelente fotografía de Chris Menges, que capta la atmósfera gris y sombría de Belfast y una banda sonora de Gavin Friday y Maurice Seezer, que acompaña con acierto las escenas de acción y de drama. Curiosamente, la música no hará mucho acto de presencia en el filme y el peso del dramatismo recaerá sobre las actuaciones de los actores y actrices, sin artificios.

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La dirección de Sheridan es sobria y precisa, sin caer en el sensacionalismo o el drama barato para emocionar al espectador. El cineasta sabía que la situación del país no era fácil y no trata de aleccionarnos ni dar soluciones fantasiosas al conflicto. ‘The Boxer’ es una película equilibrada y profunda situada en espacios reducidos que por momentos ayudan a transmitir la claustrofobia de la situación de Irlanda.

Conclusión

‘The Boxer’ es una película que merece la pena ver, no solo por su calidad artística, sino también por su valor humano y social.  Nunca hay que olvidar el pasado para no volver a revivirlo cuando es tan sangriento.

Es una cinta que nos habla de la esperanza, el perdón, el coraje y el amor, en medio de un conflicto que parecía no tener fin.  Ahora, 25 años después de su estreno en España, la he vuelto a ver y no ha perdido ni un ápice de su fuerza.

Daniel Day-Lewis, Emily Watson y Jim Sheridam construyeron un relato que, pese a lo dramático de la situación, nos hacía reflexionar sobre la paz, libertad y el amor.

Actualmente ‘The Boxer’ se puede ver en SkyShowtime y recomiendo a quienes no la hayan visto que lo hagan: no se van a arrepentir. Quienes vivimos en España y tenemos edad para recordar a ETA, sabemos qué es despertarse con noticias de bombas y asesinatos. No olvidemos eso para que no se repita.

Aquí os dejo el tráiler de ‘The Boxer’ y la canción que mejor puede describir lo el sentimiento de la época: ‘Zombie’ de The Cranberries

Un saludo y sed felices.

El cómic de la semana: La mazmorra integral 5

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos La mazmorra integral 5. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

La mazmorra integral 5, el crepúsculo de la mazmorra

La mazmorra llega a su final con este integral 5, aunque paradójicamente aún falta por publicarse un tomo 6, que si las cuentas no fallan lo hará a principios de 2024. ¿Y por qué digo que con este tomo todo llega a su final? Veamos.

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La intención de los autores, creadores y guionistas Joann Sfar y Lewis Trondheim fue la de crear una macrosaga de 300 álbumes europeos. Realmente una epopeya que me parece una locura. Para ello dividieron la saga en Amanecer, Zenit y Crepúsculo con la alternancia de Monstruos, otro tipo de saga con personajes de la misma y también de enorme calidad. Hasta aquí más o menos claro.

Después de llevar esta saga a buen puerto y dotarles de una popularidad enorme, pero quedándose muy lejos de esa quimera de los 300 números, los autores decidieron hacer unos tomos recopilatorios, como este de la Mazmorra Integral 5, dónde meterían sus historias por orden de lectura. Porque la verdad es que puedes leer los álbumes como te de la gana, pero para los no iniciados, meterse de lleno es este mundillo puede ser complicado.

Por tanto este orden de lectura es el más correcto. En el integral 1 conoceremos la Mazmorra en su máximo esplendor, para pasar al tomo 2 y conocer el comienzo de la saga así como capítulos derivados. Los tomos 3 y 4 tendremos atisbos del crepúsculo así como el nucleo centro de la saga Monstruos. ¿Y que pasa en este album de la mazmorra integral 5? Simplemente que llegaremos al final, al ocaso de la mazmorra.

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¿Y el integral 6? Los autores se permitieron la licencia de crear unas aventuras de Herbert y Marvin que se llaman Mazmorra Festival y que se sitúan entre los tomos 1 y 2. Entiendo, y me parece bien, que estas aventuras te las coloquen al final de la lectura general de la saga, puesto que meterlas en medio del meollo podría ocasionar grandes socavones de continuidad.

Y así llegamos con el final de la Mazmorra, con 5 capítulos en el tomo actual, siendo junto con el tomo 3 el más corto de la saga. Aquí veremos eventos futuros de la saga y veremos como todo lo que empieza, al final, tiene su telón que se baja. Una pena, y una tristeza ver como todo lo construido durante tanto tiempo tiene un cierre que nos hace reflexionar a todos nosotros. Nuestras vidas, nuestras vivencias son efímeras, y realmente de eso trata este integral de la mazmorra.

El dibujo recae en Keracoët, Obion, Alfred y Mazan y todos ellos comparten ese estilo de dibujo tan peculiar que han hecho de la Mazmorra una serie tan reconocible, diferente y cautivadora. Si estás buscando un dibujo realista o de héroes musculados, huye, insensato, de esta serie. Aquí los dibujos son feos, son monigotes pintados como si estuvieran realizados por niños pequeños en apariencia, pero con un registro de movimientos, de profundidad que hará las delicias de todos los amantes del cómic.

La Mazmorra Integral 5, acaba el ciclo creado por Joann Sfar y Lewis Trondheim décadas atrás, y lo hace de la mejor manera posible, cerrando bien y de forma elegante todas las tramas.

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EL INTEGRAL QUE RELATA EL FIN DE LA MAZMORRA

En 1998 Joann Sfar y Lewis Trondheim dieron vida a La Mazmorra, una saga que, bajo la apariencia de una parodia, esconde un universo rico y complejo a la altura de los grandes clásicos de la fantasía heroica. Norma Editorial reúne en una edición definitiva la serie que marcó un hito en la historia del cómic francobelga. Una colección integral, supervisada por los propios autores, que invita a recrearse en uno de los clásicos más actuales de la historieta europea. Este tomo agrupa cinco álbumes del ciclo La Mazmorra: Crepúsculo, que relatan el derrumbe final de la Mazmorra. En esta ocasión, Sfar y Trondheim vienen acompañados por los dibujantes Kerascoët, Obion, Alfred y Mazan para brindarnos un espectáculo crepuscular.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

La mazmorra integral

Un saludo y sed felices.

Análisis de 30 monedas. Capítulo 7 temporada 2. Los dos núcleos

Bienvenidos todos y todas al análisis del séptimo capítulo de la segunda temporada de 30 monedas, titulado Los dos núcleos. Ya sólo queda un episodio para el final y por eso los guionistas se afanan en colocar todas las piezas en el tablero de cara al enfrentamiento entre el bien y el mal. Con Barbrow ya lo tenemos todo más o menos, claro, desde sus intenciones a cómo espera desencadenar el fin del mundo. Así que es hora de centrarnos en los «buenos».

Aquí puedes ver los análisis de los episodios anteriores

Pero antes, hay tiempo para ver como Paco está en poder de Merche y Barbrow y aunque la mujer le diga que están destinados a estar juntos y que lo suyo es verdadero amor, nuestro héroe se muestra firme y decidido, él no será un títere de se ex por más que ella lo quiera y tenga el poder para obligarle.

Por otro lado, tenemos el grupo de los fugados del asilo. No saben qué hacer así que la única opción parece ser que Max, el matemático danés pueda descifrar la información del ordenador que robó Salcedo. Pero Laguna está cansado y quiere irse con su mujer, aunque al final decide quedarse con sus compañeros ya que en otro caso todos sus sacrificios habrán sido en vano. Como en muchas ocasiones la solución la acaba ofreciendo la mente dispersa de Antonio que les dice que tienen que buscar “la iglesia llena de cables”. Y como en el ordenador encuentran billetes de avión a Barcelona, pues allí que marchan Laguna, Salcedo Haruka, Antonio, Max y Sole. El resto queda a cargo del ex de Salcedo.

Cuando llegan a Barcelona Antonio localiza enseguida la famosa “iglesia con cables” que acaba siendo el Centro de Supercomputación de la ciudad. Entran con una visita guiada y Salcedo ve al sr. Johnson, el segundo al mando de Barbrow al que robó el ordenador. Le intentan seguir, pero no pueden ya que no tienen acreditaciones de seguridad. Acaban en las alcantarillas del centro, atrapados en un enorme conducto de ventilación.

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Laguna y Salcedo en el Centro de Supercomputación

Vergara y Santoro viajan a Italia en una secuencia muy divertida donde apestan el avión en el que están, después de todo, están muertos y podridos. En el aeropuerto se encuentran con Elena (vaya por dios, que casualidad) y ella se extraña de la presencia de Santoro, pero acepta la palabra de su amigo de que ahora no les queda otra opción que ser aliados. Y les dice que Barbrow está en Nazca, así que es allí donde tendrían que ir ahora.

Pero antes tocará pelear ya que los hombres de Barbrow llegan en busca del libro. Entonces Vergara demuestra lo útil que puede ser un zombie en unas grandes secuencias de acción donde se pone a disparar a diestro y siniestro mientras recibe múltiples balazos que no le hacen efecto ya que está muerto. Mientras, Santoro descubre en el libro una importante secuencia numérica (ya sabemos del poder de los números en esta aventura) y que van a necesitar una herramienta especial para hacer frente a Barbrow: El Ojo de Sangre, una joya enorme que corona el báculo del Santo Padre y que contiene la sangre derramada de Cristo por la lanza de Longinus.

Gracias a los contactos de Vergara en El Vaticano, logran reunirse con el Papa, que está recluido en una habitación del pánico muerto de miedo. Le cuentan que necesitan El Ojo de Sangre ya que es lo único que impedir la Mirada de Dios ya que la intención de su enemigo no es conquistar el mundo, sino destruirlo. Pero el Papa se niega a dárselo. Así que Santoro se lo arrebata a la fuerza y tiene que huir a toda pastilla para por fin ir a Perú. En el viaje Vergara le cuenta a Elena que Dios y el Diablo son lo mismo, unas veces se presenta como bueno y otras como malvado según le convenga a sus intereses.

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Vergara y Santoro disimulando

Cuando llegan a Perú descubrimos que el sr. Johnson también acaba de llegar y cuenta con el apoyo de las autoridades. Pero gracias a un soborno, nuestros protagonistas logran subirse en un autobús que los tiene que llevar a Nazca. Allí Vergara confiesa a Elena que está enamorada de ella y que el amor es algo que no se puede controlar, que está fuera del plan de Dios. Y por eso Vergara en cierto modo admira a Barbrow, porque ha descubierto como salirse del guion y no tiene miedo a hacerlo.

Valoración del capítulo

Nos acercamos al final de temporada y eso se nota. Los responsables han logrado situar a todos los protagonistas en sus puestos de cara al enfrentamiento final, aunque también es cierto que este episodio tiene una alarmante falta de tensión que le quita emoción. No hay esa sensación de urgencia tan necesaria a estas alturas de la historia. Si, hay escenas emocionantes y diálogos con mucha enjundia, pero le falta un poco de energía.

La sensación de apresuramiento que comentábamos la semana pasada vuelve a hacer acto de presencia. Vergara y Santoro van a Italia y justo en el aeropuerto se encuentran a Elena. El grupo de Laguna y Salceda va a Barcelona y enseguida se infiltran en un centro que se supone debería ser mucho más seguro. Son pequeños detalles, pero que podría haberse cuidado un poco más y dejar respirar mejor la trama.

Lo mejor como de costumbre está en las escenas de Vergara y Santoro. El viaje a Italia es muy divertido (aunque en el que luego hacen a Perú no pase lo mismo) y sirve para respirar un poco para todo lo que viene después. Porque los diálogos de Vergara con Elena son uno de los paltos fuertes, no ya del episodio, sino de toda la temporada. El sacerdote ha dejado atrás su fe en Dios y su amor por Elena le ha trasformado completamente. Incluso admira en cierta manera a Barbrow, algo que puede dar mucho juego de cara al enfrentamiento final.

En resumen, ya sólo queda un episodio para ver como acaba esta temporada y que será lo que pase cuando Barbrow lleve a cabo su plan, con Vergara, Santoro y Elena en Perú para enfrentarle mientras que el grupo de Salcedo y Laguna tendrá un papel importante en el centro de supercomputación, donde la presencia de Max se antoja fundamental debido a la importancia de los números en toda la trama.

Asesinato en el fin del mundo (2023), de Disney+

Disney+ estrenó a mediados de noviembre del 2023, los dos primeros episodios de Asesinato en el fin del mundo. Una serie a la que no se le ha dado publicidad y que ha conseguido destacar en este difícil mundo del streaming por méritos propios. Cuando escribí este artículo faltaban por estrenarse los dos últimos episodios de la serie, y ocupa el puesto número 8 en la lista de las series más populares de IMDb con una puntuación de un 7.5

Asesinato en el fin del mundo consta de 7 episodios y se presentó como una miniserie con final cerrado y sin oportunidad de una segunda temporada, pero lo cierto es que no me sorprendería volver a ver en acción a la joven Darby Hart (Emma Corrin), ya que ha creado un personaje bastante carismático y con una fuerte personalidad. Y la verdad es que me gustaría volver a verla en otra ‘aventura’ parecida.

Junto a Emma Corrin, tendremos a Harris Dickinson como Bill, Clive Owen como el excéntrico millonario y revolucionario Andy; Brit Marling, que también es una de las creadoras de la serie, será Lee, la esposa del millonario. Alice Braga es Sian, Joan Chen es Lu Mei, Raúl Esparza es David, Jermaine Fowler es Martin, Pegah Ferydoni es Ziva, Ryan J. Haddad es Oliver, y Javed Khan es Rohan.

Todos ellos se verán atrapados en un lugar inhóspito, alejado de toda civilización, y con temperaturas bajo cero, nieve, tormentas… y un despiadado asesino que los va matando sin dejar pistas; una especie de Diez negritos pero en versión moderna.

Asesinato en el fin del mundo: para los amantes de los whodunits.

Empezaremos Asesinato en el fin del mundo, conociendo a la joven Darby en la presentación de su libro del género true crimen, donde explica como fue capaz de encontrar a un peligroso asesino en serie junto a la ayuda de su compañero Bill. En ese momento, nos damos cuenta de la mente tan especial que tiene la joven.

Criada en solitario por su padre, un forense que nunca detuvo los instintos de su hija, cosa que fortaleció su curiosidad por descubrir asesinos y fomentó el nacimiento de una forma de pensar privilegiada que es capaz de analizar cada situación viendo más allá de lo que el ojo puede ver.

Asesinato en el fin del mundo

Esa peculiar forma de ser de la joven, es a la vez su carga, ya que no es fácil relacionarse con alguien tan introvertido como ella; una joven a la que le cuesta exteriorizar sus sentimientos y que tiene fijación obsesiva cuando algo se le mete en la cabeza. Por eso Darby, recibe con sorpresa, la invitación del emprendedor y visionario Andy, un mecenas de la tecnología aplicada a la vida.

Dicha invitación es todo un misterio. La joven ha sido invitada a participar en un exclusivo encuentro con otros genios de diferentes materias. Un retiro a un exclusivo y secreto lugar donde les esperará Andy junto a su mujer Lee, una icónica hacker retirada, y el hijo pequeño de ambos.

Lo que promete ser una experiencia única y prometedora, pronto se convierte en una ratonera donde sus huéspedes corren peligro, ya que entre ellos se oculta un asesino despiadado que no duda en asesinar si se siente amenazado.

Darby se verá atrapada en una espiral donde sus sentimientos se unirán a esa forma tan particular de observación de su aventajada mente, que la llevarán a recorrer caminos sombríos que pensaba haber dejado atrás hace mucho tiempo. Todo ello volverá a salir a la luz mientras el presente se mezcla con el pasado, y ambos encuentran un punto de unión al que la joven se aferrará para no perder la cordura.

Asesinato en el fin del mundo

Una Poirot de la generación Z.

Como puedes ver, Asesinato en el fin del mundo es un whodunit de manual. La miniserie sigue uno a uno todos los puntos que debe de tener un buen argumento de investigación criminal, incluyendo ese halo de misterio que hace dudar al espectador de las intenciones de todos los personajes que aparecen en la serie.

Por supuesto, para lograr ese clímax de misterio se necesita un personaje que tenga suficiente carisma como para hacer que un argumento sencillo se convierta en algo atrapante. Un protagonista que esté a la altura de las circunstancias, y que conduzca al espectador por ese ir y venir de pistas reales e imaginarias; y esa será la joven Darby.

Sin duda, Corrin ha demostrado ser una actriz muy versátil. Lo mismo interpreta a Lady Di en The Crown, como a una mujer liberal que rompe las normas en El amante de Lady Chatterley, o sus otros personajes en The Policeman o Pennyworth. Un cambio de registro que la joven actriz inglesa afronta como nuevas oportunidades para descubrirnos su talento.

En esta ocasión, en Asesinato en el fin del mundo, su papel como una joven de la generación Z, no nos deja indiferentes. Esa fragilidad visual nos descubre un fuerte espíritu, donde la joven muestra su determinación sin miedo, y nos deja a todos fríos con su sinceridad abrumadora: no duda en decir en cada momento lo que pasa por su mente sin pensar en las consecuencias.

Asesinato en el fin del mundo

Esa forma directa de actuar choca con su manera de ocultar sus sentimientos. Y por ese motivo, al verla, no puedes evitar sentir una especie de sentimiento agridulce que hace que empatices con ella en algunos momentos, y en otros no la entiendas en absoluto y te parezca que su forma de actuar es casi infantil e irracional; dos caras de la misma moneda que se van mostrando según la necesidad.

Pero no es la única que colabora a crear esa atmósfera misteriosa. Cada uno de los personajes que aparecen en Asesinato en el fin del mundo, tienen su papel clave para aumentar esa sensación en el espectador de que nadie es de fiar. Todos ellos actúan según lo esperado y alguno nos traerá sorpresas que harán que nuestras hipótesis cambien radicalmente.

Además, hay que mencionar los escenarios donde se desarrolla la acción de Asesinato en el fin del mundo, convertidos en un protagonista más de la serie. Un hotel de lujo, con todas las comodidades y la tecnología más actual, en medio de un páramo desierto, rodeados de nieve. Un oasis perdido que pasa de ser un paraíso a una prisión en tan solo unos minutos.

Tráiler de Asesinato en el fin del mundo, serie de Disney+

Kim Basinger cumple setenta años y repasamos sus diez mejores películas

Cuesta creerlo, pero la sex-symbol por antonomasia de los ochenta está hoy cumpliendo setenta. Rendimos pues homenaje con las que son (obviamente para mí) las diez mejores películas de Kim Basinger.

Para tener cien mil habitantes, la ciudad de Athens, en el estado de Georgia, ha dado varios nombres resonantes al mundo de la cultura y el espectáculo. De allí salieron dos innovadoras y exitosas bandas de los ochenta y noventa como The B-52´s y R.E.M., pero también una actriz que, ícono sexual en esas mismas dos décadas y ganadora de un Oscar y un Globo de Oro, es quien en este artículo nos ocupa. Nos referimos, claro, a Kim Basinger que, justamente hoy, está cumpliendo setenta años.

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Al igual que quien suscribe, Kimila Ann Basinger (tal su nombre completo) nació un 8 de diciembre, pero de 1953 y en la ciudad antes mencionada. Su particular ascendencia, que mezcla orígenes alemanes, suecos y cherokees, la dotó desde joven de una belleza particular y exótica que le llevó a ser Miss Georgia a los dieciséis años y comenzar a modelar para grandes marcas ya desde los diecisiete.

De allí dio el salto a la tv (actuando incluso en un episodio de la clásica serie Los Ángeles de Charlie) y luego al cine, trabajando desde sus inicios a las órdenes de grandes realizadores como Blake Edwards, Robert Benton o Barry Levinson. Quizás no muchos la recuerden como tal, pero fue incluso chica Bond junto a Sean Connery en una película fuera de franquicia: Nunca digas nunca jamás (Irvin Kershner, 1983).

Por esos tiempos, además, recibió una nominación al Globo de Oro como actriz de reparto por su papel en El Mejor (Barry Levinson, 1984), película de esas que suelen solo gustar a amantes del béisbol y en la que compartía cartel con nada menos que Robert Redford y una aún poco conocida Glenn Close.

Pero el estrellato y la elevación a sex-symbol le llegarían con Nueve Semanas y Media (Adrian Lyne, 1986), película erótica que la convirtió para muchos en objeto de tantas fantasías que se hace difícil hoy imaginarla con setenta años (no olvidemos que ya para ese entonces pasaba los treinta).

Por lo general, le han calzado como anillo al dedo los papeles de víctima mucho más que los de victimaria. Es más fácil imaginarla raptada por el Joker o esclavizada por un jefe mafioso que como superheroína de cómic (impensable) o muñeca asesina de estilo Luc Besson. Por cierto, le hubiera calzado de maravillas un papel de dama antigua en algún filme de horror gótico si alguien hubiera acertado en dárselo.

Sea como sea, el cumpleaños de Kim Basinger es buena excusa para un listado de las que son (a mi juicio, claro) sus diez mejores películas…

#10 – Atrapados sin Salida (No Mercy), de Richard Pearce, 1986

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Comenzamos con una infravalorada. Conocida en Latinoamérica como Sin Piedad (traducción literal del título original), es una película neo-noir con obvias influencias de Walter Hill y Michael Mann. Cuenta la historia de Eddie (Richard Gere), rudo policía de Chicago a quien el asesinato de un compañero de fuerza obliga a viajar de manera encubierta a los pantanos de Luisiana, adonde parecieran conducir las pistas.

Allí se encuentra con un jefe del hampa local (magníficamente interpretado por Jeroen Krabbé), lo suficientemente frío y desalmado como para destripar a sus víctimas con un cuchillo de caza o tener prácticamente esclavizada a Michel (Kim Basinger), bella mujer que apenas sabe escribir su nombre y en quien Eddie despertará un anhelo de liberación que les llevará a unir causas.

La película no fue bien tratada por la crítica en su momento y no entiendo por qué. Es cierto que el guion es algo previsible, pero tiene un ritmo que jamás aburre y una violencia gráfica casi gore e inusual para el cine de acción de su tiempo sin dejar de mencionar, claro, la especial química Gere – Basinger que parece haber trascendido la ficción y generado roces entre el actor y el entonces esposo de Kim.

# 9 – Cita a Ciegas (Bind Date), de Blake Edwards, 1987

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Agradable y divertida comedia del siempre efectivo Blake Edwards, además de debut cinematográfico de Bruce Willis. Originalmente iba a ser interpretada por Sean Penn y Madonna, pero los productores prefirieron para el papel masculino a Bruce, que venía del éxito televisivo de la serie Luz de Luna. A la salida de Penn siguió, por propia voluntad, la de Madonna y su papel recayó en Basinger, ya una estrella por haber protagonizado el año anterior Nueve Semanas y Media.

Walter (Bruce Willis) es un adicto al trabajo al que su hermano prácticamente fuerza a una cita a ciegas con Nadia (Kim Basinger), prima de su esposa. Queda encantado, pero hay algo que desconoce y es que ella enloquece a límites salvajes cuando bebe alcohol. Además, anda rondando un violento ex novio que quiere llevarla al altar por la fuerza y con el que Walter tendrá un altercado de consecuencias legales.

Sin grandes pretensiones, la película proporciona un rato agradable y marca una evolución en la carrera actoral de Basinger, que está convincente en su química con Willis.  Gran éxito de taquilla que solo en España fue vista por más de un millón de espectadores.

#8 –  Prêt-à-Porter, de Robert Altman, 1994

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Otra infravalorada. Maltratada en su momento por la crítica y denostada especialmente por los popes de la moda, a quienes no gustó el retrato que de ellos se hace. El increíble elenco coral incluye a Marcello Mastroianni, Sophia Loren, Julia Roberts, Tim Robbins, Lauren Bacall, Forest Whitaker, Danny Aiello, Linda Hunt, Stephen Rea y muchos, pero muchos más, junto a reconocidas figuras de la moda y el espectáculo que hacen de sí mismas, como Christian Lacroix, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Gianfranco Ferré, Claudia Schiffer y un largo etcétera.

Con el personal estilo de Robert Altman, la película es pionera en introducirse en el mundo de la moda e influyente sobre mucho de lo que vendría luego, como el filme El Diablo viste de Prada (David Frankel, 2006) o la exitosa serie Emily en Paris, cuyos análisis pueden leer en esta web. Incluso existe hoy un proyecto de convertirla en serie y no olvidemos que la canción Here comes the Hotstepper, a cargo de Ini Kamoze, se convirtió de allí en más en cortina casi obligada de todo desfile de modas: tan mala no sería…

Además de jugar inteligentemente con el absurdo y los contrastes (en un mundo que es puro glamour, se lo pasan pisando excremento de perro), Altman da al filme un realismo casi documental al rodar escenas durante verdaderos desfiles de moda.

Basinger interpreta a Kitty, una de las dos reporteras americanas asignadas a los eventos, en tanto que la otra, Ann, está a cargo de Julia Roberts: un cruce fuerte que el director, siempre irónico e imprevisible, resuelve haciendo que jamás se miren a los ojos y que en la única escena compartida se choquen espalda con espalda sin verse.

# 7 – Cellular, de David Ellis, 2004

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Larry Cohen, responsable del guion, ya había incursionado en el “thriller telefónico” con Última Llamada (Joel Schumacher, 2003), pero esta vez incorpora las últimas novedades de la época en telefonía móvil y, de hecho, creo que Cellular es la primera en hacerlo.

Basinger interpreta a Jessica, docente que, secuestrada de su propia casa, es recluida y aislada en una habitación con un teléfono de pared que destruyen para que no utilice. Pero no en vano es profesora de ciencia y consigue rearmarlo y configurarlo para que envíe llamadas aleatorias, una de las cuales es captada por el móvil de Ryan (un juvenil Chris Evans), muchacho veinteañero al que pide desesperadamente ayuda porque los delincuentes, que al parecer andan detrás de algo ligado a su esposo, planean ir también por su hija.

Con actuaciones convincentes, el filme es creíble en sus detalles técnicos sobre telefonía móvil y tiene los ingredientes justos de suspenso para mantener al espectador atrapado hasta el último momento en un vertiginoso juego de claustrofobia, prisa y nerviosismo en que Jessica debe convencer a Ryan de que le está diciendo la verdad y este a su vez al jefe de policía (William H. Macy).  Jason Statham, que venía del gran salto con The Transporter, da vida al jefe de la banda de secuestradores.

# 6 – Nueve Semanas y Media (9 ½ Weeks), de Adrian Lyne, 1986

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Sin duda, su película más icónica y, como dijimos antes, la que la catapultó a ícono sexual. Lo curioso es que pasó sin pena ni gloria por los cines estadounidenses para después ser un suceso arrasador en el resto del mundo, sobre todo en Europa y América Latina.

La de John (Mickey Rourke) y Elizabeth (Kim Basinger) es una historia de relación llevada al límite, sobre todo por él, que busca siempre ir un escalón más arriba en la búsqueda de placer. Tal como suele cuadrar a los filmes de Adrian Lyne, abunda la estética de videoclip al punto que la película misma en su totalidad parece uno bastante dilatado. Se destacan en la banda sonora Eurythmics, Bryan Ferry o Jean-Michel Jarré, aunque el momento cúlmine y emblemático es con Kim bailando y desvistiéndose al son de la interpretación que hace Joe Cocker de You can leave your Hat on, que musicalizó de allí en más cualquier fiesta en que alguna situación rayara mínimante en sensualidad.

Es cierto que el erotismo americano siempre estuvo por detrás del europeo a la hora de rebasar límites, pero ello solo hace más sorprendente el impacto que la película tuvo en el viejo continente. Como sea, estamos ante el clásico por excelencia del cine erótico de los ochenta.

#5 – 8 Mile, de Curtis Hanson, 2002

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Como ya había ocurrido con LA Confidential, Kim vuelve a ser dirigida por Curtis Hanson. La película tiene como protagonista al rapero Eminem y significa para este el salto del mundo de la música al de la actuación (había tenido antes algún cameo cinematográfico, pero no un rol protagónico).

Con varios puntos de contacto con Purple Rain (por nombrar otro salto auspicioso en el mismo sentido) y bastante de autobiográfica, es la historia de Jimmy, muchacho blanco de Detroit que desea insertarse en el mundo del rap, pero lo encuentra harto difícil por estar el mismo prácticamente dominado por los negros, que lo ven como un “Elvis” (un blanco que busca apropiarse de la música de ellos).

Lo irónico es que Jimmy, que empieza a ser conocido como Rabbit, vive justamente del “lado negro” de la ciudad (el título de la película hace referencia a la carretera que divide de las zonas residenciales blancas) y se siente más parte de esa cultura que de la que parecieran etiquetarle.

En un sólido trabajo, Basinger interpreta a su alcohólica madre, a la que él, al regresar a la casa rodante que alquila, encuentra en pareja con un violento joven de su edad y compañero suyo del colegio. Sin moralejas cursis, 8 Mile trata sobre la superación y dejar atrás los estereotipos, pero asumiendo las propias culpas en lugar de hacerlas solo recaer en el resto.

#4 – Análisis Final (Final Analysis), de Phil Joanou, 1992

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Conocido en algunos países latinoamericanos como Deseo y Decepción, este interesante filme de suspenso es deudor de Alfred Hitchcock a la vez que gran ejemplo del hoy casi extinto thriller erótico, de tanto éxito en los ochenta y noventa. Y vuelve a reunir a Basinger y Richard Gere después de la mencionada Atrapados sin Salida (1986) y de aquellas supuestas historias en los camerinos.

Gere interpreta a Isaac Barr, psicoanalista de San Francisco que, buscando develar los traumas infantiles en el pasado de su joven paciente Heather (Uma Thurman), decide entrar en contacto con su hermana mayor Diana (Kim Basinger). A partir de allí se dispara una historia de seducción, asesinato, secuestro, triángulos amorosos cruzados y una trama enrevesada y llena de giros hasta el final, con una impactante escena en lo alto de un faro que rinde homenaje a Hitchcock, pero también al Batman de Tim Burton y su escena del campanario con la propia Kim involucrada.

#3 – Una Mujer Infiel (The Door in the Floor), de Tod Williams, 2004

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Es difícil encontrar películas mejores que los libros en que se basan, pero este podría ser un caso: una de las mejores adaptaciones (si no la mejor) de John Irving a la pantalla. Basado en su novela Una Viuda por Año (en realidad en su primer tercio), el filme, que se ambienta en los cincuenta y en un apartado paraje de Long Island, vuelve a reunir a Kim Basinger con Jeff Bridges, quienes ya habían coprotagonizado la comedia de acción Nadine (Robert Benton, 1987) .

Conocida en algunos países como Una Mujer Difícil o Detrás de la Puerta, cuenta la historia de Ted y Marion, matrimonio que no logra sobrellevar la muerte de sus dos hijos en un accidente ni siquiera con la posterior llegada de una nueva hija. Él se refugia en la bebida y el sexo; escribe literatura infantil y mantiene relaciones con las muchachas que hacen de modelos para las ilustraciones de sus libros. Por su intermedio llega a casa un adolescente llamado Eddie (Jon Foster), pero la verdadera intención de Ted es que seduzca a Marion para tener argumentos a su favor en la eventual separación.

Apoyado en una bella fotografía y tomándose sus tiempos narrativos sin hacer a la película aburrida, Tod Williams construye una interesante adaptación que evita los clásicos sentimentalismos de las historias de Irving y consigue que la pareja principal entregue dos grandes actuaciones, estando la de Bridges, probablemente, entre las mejores de su carrera.

#2 – Batman, de Tim Burton, 1989

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Quizás sea por efecto de las películas posteriores de Nolan, pero pocos reconocen a Tim Burton el mérito de haber hecho adulto al genéro de superhéroes en el cine, hasta ese momento (y contrariamente a lo que ya venía ocurriendo con los cómics) prácticamente dirigido a público familiar e infantil. Pero no porque después hayan venido versiones mucho más oscuras del personaje vamos a dejar de lado que la suya fue oscurísima para la época en virtud de los antecedentes.

Con Michael Keaton como Bruce Wayne y Jack Nicholson como Jack Napier (el Joker), Kim interpreta a la reportera Vicki Vale, papel originalmente asignado a Sean Young, a quien una lesión obligó a salir. Se involucra sentimentalmente con Wayne sin saber que es Batman y es convertida en damisela en apuros por el Joker, siendo inolvidable, llegando al final, la escena con los tres en lo alto del campanario de la Catedral de Gotham City. Si quieren saber más, les remito al retro-análisis de mi compañero Pedro.

Por otra parte, la participación de Basinger en el filme abrió las puertas a una corta y particular relación con Prince (ella se definía como su esclava).  Él incluyó gemidos suyos en la canción The Scandalous Sex Suite, (versión estirada en maxi single de Scandalous, tema que formaba parte de la banda sonora), así como su voz en loop anunciándose como Vicki Vale en el tema principal Batdance.

#1 – L. A. Confidential, de Curtis Hanson, 1997

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Creo que no había dudas sobre el primer puesto. Curtis Hanson es un director sumamente inteligente que, discípulo de Alfred Hitchcock en sus comienzos, fue desarrollando luego un estilo personal con sello distintivo. L. A. Confidential, conocida en Latinoamérica como Los Ángeles al Desnudo, es un thriller neo-noir intensamente psicológico en el que tramas aparentemente inconexas se articulan de manera brillante hacia el final.

Tiene en su centro a tres detectives de policía muy diferentes entre sí, pero con cierto código de honor compartido que les lleva a unirse después de que una misteriosa masacre en el café Nite Owl se cobra la vida de un compañero de fuerza. Poco a poco, irán descubriendo una fuerte red de corrupción dentro de la misma y, de hecho, he puesto la película entre las mejores sobre corrupción policial, listado al que pueden echar ojo aquí.

Kim interpreta a una prostituta llamada Lynn, papel que rechazó tres veces antes de aceptar (ya antes lo había rechazado también Anjelica Huston). Ironía: sería el papel que la llevaría al Oscar como actriz de reparto en un año en el que cuatro de las nominadas interpretarían a damas de la noche.

Ese trabajo le valdría también el Globo de Oro en la misma categoría y es que, en un increíble elenco que reúne a Kevin Spacey, Russell Crowe y Guy Pearce entre otros, termina siendo ella quien se destaca al construir un personaje que trabaja para un proxeneta que somete a sus chicas a cirugías para que se parezcan a estrellas de Hollywood. En su caso, el parecido es con Veronica Lake, aunque nunca fue operada y su historia encubre un secreto que, sin prisas pero de manera consistente, la trama irá revelando.

 

Y este ha sido el listado. No podemos dejar de recordar que, además de su faceta como modelo y actriz, Kim ha estado también siempre vinculada al mundo de la música, aunque más no fuera indirectamente y sin dedicarse como profesional. De hecho, cantó muy dignamente con su propia voz en Ella siempre dice sí (Jerry Rees, 1991) y en Cool World: Una Rubia entre Dos Mundos (Ralph Bakshi, 1992), de la cual pueden leer aquí el retro-análisis de un servidor y en la que incluso aparecía en doble versión animada – live action.

A ello hay que sumar las mencionadas colaboraciones con Prince, con quien incluso llegó a grabar un disco llamado Hollywood Affair que, como tantos del genio de Minneapolis, acabó por no ver la luz, aunque sí circuló en formato pirata. También es digna de mención su participación en el videoclip de la canción Mary Jane Last Dance, de Tom Petty & The Heartbreakers, en donde aparecía interpretando a… ¡una muerta!

Hoy Kim está prácticamente retirada y sale muy poco después de haber sufrido algunos problemas de agorafobia. Ha sido recientemente abuela y seguramente ello será motivo suficiente para el feliz cumpleaños que le deseamos. Espero que les haya gustado el listado y, por cierto, varias de las mencionadas merecen futuros retro-análisis que ya llegarán.  Mientras tanto, quedan abiertos los comentarios para cualquier inclusión que consideren que haya sido obviada o para el caso de que no estén de acuerdo con el orden dado.

Hasta pronto y sean felices…

La miniserie del momento: Una familia normal (2023)

Si quieres saber qué serie está triunfando en Netflix, has venido al lugar indicado, porque aquí te lo vamos a contar. A finales de noviembre se estrenó la miniserie rodada en Suecia Una familia normal. Consta de tan solo 6 episodios y está basada en la novela homónima del escritor Mattias Edvardsson.

En un primer momento, Una familia normal pasó casi desapercibida, pero el boca a boca ha hecho que este drama lleno de misterio haya alcanzado el top ten en Netflix, colándose en su número uno.

Pero no solo está destacando en la plataforma que la ha creado. En IMDb, la miniserie sigue escalando puestos, afianzándose como una de las series más vistas del momento actual.

Y, ¿qué tiene Una familia normal para haber conseguido destacar? Pues eso es lo que vamos a ver en este artículo.

Sinopsis de Una familia normal.

Los Sandell son una familia sueca normal y corriente compuesta por un párroco (Adam, Björn Bengtsson), una abogada (Ulrika, Lo Kauppi) y su hija de 19 años (Stella, Alexandra Karlsson Tyrefors). Llevan una vida aparentemente idílica en una elegante zona residencial a las afueras de Lund. Hasta que, un buen día, Stella es detenida y acusada de asesinato, y todo cambia, como es normal.

Una familia normal

Sus padres están destrozados y no saben qué hacer. ¿Qué ha pasado? Quieren ayudar a Stella como sea, pero ¿conocen a su hija? Es más, ¿se conocen el uno al otro?

Intriga en una historia contada a medias.

Una familia normal es una de esas miniseries que consigue mantener al espectador atento a la pantalla. Su forma de llevarnos por esta trama criminal hace que estés pendiente a cada detalle y te empuja a querer saber la verdad de lo que sucedió entre la joven adolescente Stella y el atractivo treintañero Chris (Christian Fandango Sundgren).

A pesar de la diferencia de edad que hay entre ambos, nacerá una relación de amor que se irá afianzando con el paso del tiempo. Pero algo hará que todo esa idílica situación se quebrante y se rompa, acabando con la joven acusada de asesinato bajo la sorprendida mirada de unos padres que empiezan a culparse de esa situación.

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Un intenso drama que nos irá llevando del presente al pasado para ir conociendo poco a poco lo acontecido meses antes. Y este ir y venir, contando la historia a medias, consigue atraparte sin dejarte mareado. Y eso es algo difícil, ya que normalmente este juego del gato y el ratón, si no se hace bien, solo consigue cansar al espectador y aburrirlo.

Una familia normal nos irá despedazando la vida de sus tres protagonistas y hará que salgan a la luz secretos que esta aparentemente feliz familia  mantenía ocultos. Unido al drama tendremos una investigación criminal muy leve que ayuda a mantener el suspense, al mismo tiempo que consigue que empaticemos más con sus protagonistas.

Así que, si estás buscando un drama de esos que te atrapan con una historia potente y misteriosa que se va descubriendo poco a poco, Una familia normal es para ti. Tengo que decir una última cosa: la miniserie no tiene giros sorprendentes ni un final no esperado, y eso quizá le quita un poco de magia a esta trama de secretos donde la vida parece repetirse en bucle.

Tráiler de Una familia normal, de Netflix.

 

Noche de Paz (2023). John Woo nos trae en su regreso a Hollywood su versión de Punisher

John Woo es (o ha sido) uno de los mejores directores del cine de acción, sobre todo por las películas realizadas en Hong Kong. Ya os cité sus mejores títulos aquí cuando os traje el tráiler de Noche de Paz.

Así, el regreso del cineasta y encima a Hollywood ha sido una de las grandes sorpresas para mí de este 2023 que se acaba. Y es curioso porque la vuelta de Woo ha coincidido con la mejor remesa del cine de acción en muchos años. Tenemos a Tom Cruise y su Misión Imposible, Tyler Rake, John Wick, The Equalizer, Sisu, Gerard Butler por supuesto, Gal Gadot con la Agente Stone (me encanta esta película, sí) y alguna más que me dejo por tirar de memoria.

Y toca hacer veredicto. ¿Está el regreso de John Woo a la altura de las expectativas generadas por el tráiler y por su propia trayectoria?

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Al que le han quitado todo solo le queda la venganza

Seamos sinceros, el cineasta ha vuelto con una historia clásica y básica de venganza. Un padre de familia que pierde a su pequeño hijo tras recibir una bala perdida en una guerra de bandas. Este padre es Joel Kinnaman que realiza una portentosa interpretación a todos los niveles, pero sobre todo física.  Interpreta a un hombre muerto en vida por la pérdida de su hijo, al que además un disparo ha dejado mudo de por vida con el trauma que conlleva.

Uno de los grandes alicientes del filme es que adolece de diálogos (esto os digo ya que es cierto) por lo que toda la narración depende de la habilidad del realizador. Y en este sentido he de decir que para mí, esta parte aprueba con nota. Había leído que la primera parte se hacía un tanto pesada al no haber acción y estar enfocada en el entrenamiento. Pero no estoy de acuerdo, la primera parte es mucho más que un hombre levantando pesas. Es un descenso a los infiernos, una caída al lado oscuro de un hombre que aunque está vivo, está muerto por dentro y ni el amor de su mujer es suficiente para resucitarlo.

Así, la primera parte del filme se centra en el entrenamiento físico de un hombre normal que se marca un objetivo a corto plazo (ocho meses): acabar con la guerra de bandas que puso fin a la vida de su hijo. Es curioso porque vemos las limitaciones reales de un justiciero anónimo. Un entrenamiento en el garaje con lo que tiene, a base de pesas, dominadas y muchos tutoriales de Youtube para los enfrentamientos cuerpo a cuerpo y a arma blanca.

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Acción marca de la casa

La segunda parte de la película es pura adrenalina y espectáculo. Una acción que ocupa unos 45 minutos aproximadamente y que no va a cansar al estar cambiando de tercio a cada momento. En este sentido, creo que John Woo no decepciona y nos entrega escenas de acción ciertamente espectaculares y con un algún momento gore.

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Cine de acción de los 90 y cine de justicieros de los 70 y 80

Pero Noche de Paz es sin duda la película de acción del 2023 más inusual que te vas a encontrar. A los fans de Tyler Rake, MI o John Wick, les puede parecer poco y hasta extraños los caminos por los que transita. John Woo, aunque se ayuda del CGI para ciertas escenas, nos trae una película muy típica de los 90 y un argumento propiamente del cine de acción de los 70 y es que se me venía a la mente El justiciero de la ciudad (imagino que a mí y a muchos de mi quinta).

En definitiva, John Woo ha vuelto y lo ha hecho fiel a su estilo, con mucha acción y muy bien rodado, huyendo de las hiperestudiadas coreografías que vemos hoy en los filmes modernos del género. John Woo convierte la acción en arte gracias a un preciso montaje y a esa capacidad creativa para narrar visualmente.

Pero todas las alabanzas anteriores al director serían inútiles sin la formidable interpretación de Kinnaman. Juntos nos han dado la última gran película de acción de un 2023 difícil de olvidar en el género.

Un saludo y sed felices.

Ryan Reynolds se harta de las filtraciones de Deadpool 3

Ryan Reynolds se harta de las filtraciones y ha dicho basta. Y ya lo comentamos en el artículo del 5 de diciembre de Carlos María Porras titulado «Nuevas fotos del rodaje de Deadpool 3, pero en este artículo no las vas a ver», y es que todo este tipo de filtraciones matan al cine.

Ryan Reynolds se harta de las filtraciones

Deadpool 3 es la única película Marvel de 2024

Y es que carentes de más películas, carentes de nueva información, parece que muchas webs rebuscan en la basura para tener más visitas o más likes. Con estos spoilers tan descarados, lo único que hacen es arruinar las películas y destripar cosas que no sabemos que van a pasar. Y estas filtraciones lo único que hacen es que mucha gente, a la hora de la verdad y de pagar su entrada para ir al cine, finalmente no lo hagan y puedan arruinar la vida de una película en la gran pantalla.

El bueno de Ryan Reynolds ha hablado en RRSS para que lo oigan todas las webs y streamers, y se abstengan de hacer o mostrar spoilers de las películas que tanto afectan negativamente al cine actual. Lo que ha dicho ha sido lo siguiente:

Las sorpresas forman parte de la magia de las películas de cine. Es importante para nosotros rodar la nueva película de Deadpool en entornos reales y naturales, utilizando efectos prácticos en contraposición a hacer películas en interiores y digitalmente. Los teleobjetivos siguen estropeando las sorpresas y creando una situación difícil para todos.

Esperemos que algunos sitios web y canales sociales se abstengan de mostrar imágenes antes de que estén listas. La película está hecha para el disfrute del público, y nuestra mayor esperanza es preservar tanta magia como sea posible para la película terminada y la gran pantalla. Parte de la razón por la que la gente publica spoilers es porque están emocionados. Me doy cuenta de que no se trata de problemas del mundo real y de que está firmemente en el cubo de los «buenos problemas». Me encanta hacer esta película

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Aunque tiene toda la razón del mundo, actualmente tener información en primicia consigue hacer crecer la web y tener mayor repercusión, y este es un mal de los tiempos actuales. Antiguamente sólo veíamos el tráiler (y antes de Internet en el cine) y éramos felices, e íbamos al cine llenos de magia e ilusión. Actualmente esa magia se ha perdido por un subidón efímero. En algunos aspectos hemos perdido.

Recuerdo que Deadpool 3, con Lobezno (Wolverine) se estrena el 26 de julio de 2024, y Las cosas que nos hacen felices estará aquí, una vez más para hacerte uno de las mejores reseñas de la red.

Un saludo y sed felices.

Novedades Planeta Cómic enero de 2024

Os traemos las novedades de Planeta Cómic enero de 2024

Os dejamos a continuación la nota de prensa y luego el PDF remitido por la editorial:

Estrenamos calendario del nuevo año con un montón de novedades variadas. El manga hecho en España producirá otra ecléctica y sabrosa entrega de Planeta Manga. ¡Y ya van 22! Del mismo universo, Paulina Palacios nos deleitará con su arte a través de la tercera parte de Mientras Yubooh duerme.

El manga japonés seguirá incombustible con títulos como One Piece, Blue Lock, My Hero Academia, Dragon Ball, Haikyuu, Inuyasha, Yuru Camp o Bárbara de Tezuka.

La novela gráfica estará representada por dos piezas únicas: Todas las princesas mueren después de medianoche de Zuttion Quentin y La mosca de Lewis Trondheim.

El comic USA no dejará indiferente gracias a historias como Huérfana y las cinco bestias, Spawn: Cataclismo, Nocterra o Parasomnia. Star Wars vendrá cargado de material en forma de 3 tomos comiqueros y una novela The High Republic. También de la factoría Marvel, estrenaremos las novelas de su universo superheroico, empezando por Objetivo Kree.

Finalmente, la tercera aventura de Mínor el Brutolote de Artur Laperla, creador de Super Patata, será la abanderada de la colección de cómic infantil de la editorial, cuyo objetivo es el fomento del hábito lector entre los más pequeños de la casa.

Os dejamos el pdf remitido por Planeta Cómic

Un saludo y sed felices.

Cómics. La lista de la compra del mes de diciembre de 2023

Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y que os podamos guiar con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de DICIEMBRE de 2023. 

La lista de la compra de cómics de meses anteriores

Juanjo Avilés

  1. The Nice House on the Lake temporada 1. ECC Ediciones. 44,50 €. ECC por fin publica el recopilatorio de la mejor serie de terror de los últimos años. James Tynion IV nos cuenta una historia llena de sorpresas en la que unas vacaciones idílicas se acaban convirtiendo en una pesadilla apocalíptica para los habitantes de una casa en el lago con un anfitrión que esconde un secreto que dejará a todos de piedra. Y todo con unos magníficos dibujos del español Álvaro Martínez Bueno, un artista a seguir que en esta obra logra plasmar de manera brillante la atmósfera oscura y opresiva que necesita un relato de este tipo.

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2. El Sexto Revolver 6. Norma Editorial. 39,95 €. Ya está aquí el cómic que más ganas he tenido de leer de todo el año que ahora se termina. El western sobrenatural de Cullen Bunn y Brian Hurtt llega a su fin con este último y sexto volumen. El enfrentamiento final entre Drake Sinclair y Becky Montcrief y la Bruja Gris está servido y el premio es ni más ni menos que el destino del mundo. Estamos ante una verdadera joya, una de las mejores colecciones que se pueden leer en la actualidad. Una compra obligada para los amantes de las viñetas.

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Mario Losada

  1. Batman: Caballero Maldito (Edición Deluxe). Ecc Cómics. 38,50 €. ¿Te gustó El Largo Halloween y Victoria Oscura? Ahora puedes completar la trilogía de Jeph Loeb y dibujada por Tim Sale con Caballero Maldito en formato Deluxe, un tomo con tres historias cortas que son la precuela de El largo Halloween y además un extra con lo acontecido después. Grandes autores, grandes historias, gran formato de lujo.

cubierta BM CaballeroMaldito Deluxe

2. Marvel Deluxe. El Inmortal Hulk 2. Panini. 36 €. Continúa la etapa de Al Ewing en Hulk con el formato de Marvel Deluxe. Además creo que en este tomo ya alcanzamos una cuota de excelencia muy alta donde el guionista ya toma el pulso definitivo al personaje y a la colección. Puedo decir que esta etapa de Hulk es un podio entre lo mejor de Marvel de la década pasada.

Captura

Carlos María Porras

  1. El abismo del olvido. Astiberri. 25,00 €. Vuelve Paco Roca. Y vuelve con memoria histórica. Un tema recurrente en su obra. Aquí recupera la historia real de Leoncio y de José, ejemplo de las decenas de miles de españoles que fueron represaliados de forma salvaje tras el final de la Guerra Civil.

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2. Authority: La saga completa. ECC Ediciones. 80 €. Si os digo la verdad no se mucho de este grupo, solo que es una joya. Así que este tomo está entre mis obligados para el mes de diciembre. De Warren Ellis, el mismo de Planetary, del cual os traje reseña.

Terroristas internacionales, invasores de otras dimensiones… El mundo afronta peligros cada vez mayores, y Jenny Sparks, una chica que afirma ser el espíritu del siglo XX, lo sabe muy bien. Así pues, se propone la fundación de Authority, un grupo de seres extraordinarios que incluye a miembros tan peculiares como Midnighter, Apolo o Jack Hawksmoor, el Dios de las Ciudades.

cubierta Authority LaSagaCompleta

DAve Solis

  1. Dick Tracy 1949-1950. Dolmen Editorial. 31,90 €. Mucho he tardado en recomendar esta magnífica serie, que es historia viva del noveno arte. Os he querido traer este tomo, pero recomiendo que os hagáis con todo Dick Tracy. Dolmen nos ha traído esta serie, no desde el principio, sino en lo mejor de la misma. Pinchad aquí para ver todas los tomos publicados de este título. Dick Tracy fue un adelantado a su tiempo, mostrándonos el método científico en la investigación policial. La gran obra de Chester Gould es historia viva del noveno arte y gracias a la editorial mallorquina, podemos disfrutar de este maravilloso título. Entrad en este mundo donde Dick Tracy intentará capturar a gangsters, asesinos, ladrones y todo tipo de hampones, con una manera muy particular de reflejarlos en el papel. Una joya de la Línea Sin Fronteras, comandada por Rafael Marín y Jesús Yugo.

cómics

2. Torpedo 1972. Tomo 3. Un hombre llamado Capullo. ECC Ediciones. 16 €. Luca Torelli es uno de los míticos y maravillosos personajes del cómic español. Por otra parte, me congratula llamar «amigo» a ese inconmensurable guionista que es Enrique Sánchez Abulí. Le agradezco inmensamente que haya decidido seguir con las aventuras de Torpedo, al que considero uno de los mejores personajes (si no el mejor) del cómic español. En esta entrega, Torpedo decide participar en un «golpe» aparentemente fácil, que consiste en asaltar a unos adinerados ancianos en plena partida de póker. Pero este golpe no ha sido ideado por Torpedo, sino por un hombre llamado Capullo.

¿Será tan fácil desplumar a un abogado, un banquero, un juez y un psiquiatra; que ya pasan los 70 años?

cómics

Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.

¡Cualquier aportación y/o sugerencia a comentarios! ¡Muchas gracias! ¡Nos leemos!¡Un abrazo!