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Percy Jackson and the Olympians, la serie de Disney+, confirma a los actores de Zeus y Poseidón

Muchos fans lo estaban esperando y seguro que muchos se han visto decepcionados. Rick Riordan ha confirmado a dos actores para dos de los más importantes personajes de Percy Jackson and the Olympians, la próxima serie de Disney+. Y lo sentimos pero ninguno es Logan Lerman.

Lance Reddick como Zeus

El actor de Fringe, el jefe de Titus Welliver en Bosch y el Caronte de las películas de John Wick (de Caronte a Zeus, hay que ver) ha sido confirmado como el jefazo del Olimpo, el mismísimo Zeus que se deja robar el rayo. Al respecto, Riordan ha dicho que

«En todos sus roles, Lance proyecta un aura de autoridad y poder que lo hace perfecto para el rey del Olimpo. Como le dije cuando nos conocimos, tiene tanta seriedad que podría desalinear los planetas, y cuando le hace saber su disgusto a Percy Jackson. . . wow, espera hasta que veas esa escena. Si fueras Zeus, rey de los dioses, y pudieras ser quien quisieras, definitivamente elegirías ser Lance Reddick. Nadie se atrevería a meterse contigo, excepto tal vez. .

Percy Jackson

Toby Stephens como Poseidón

Y ese tal vez hace referencia a Toby Stephens, el actor confirmado para encarnar a Poseidón. Si, ya oigo los llantos. ¿Pero que esperábais? El propio Logan Lerman, por el que muchos suspiraban para encarnar al personaje, ya ha declarado que es demasiado joven para ese papel, que ha recaído en el interprete de Perdidos en el espacio, Black Sails y el villano de Muere otro día. El parecer de Rick Riordan es que:

«Cuando finalmente conocemos a Poseidón hacia el final de la primera temporada (tal como lo hacemos en el libro), Toby es increíble en la pantalla. Cuando pronunció algunas de las líneas icónicas de Poseidón, sentí escalofríos. Y viéndolo a él y a Walker juntos, puedes creer absolutamente que son padre e hijo. No muchos actores tienen el poder absoluto de enfrentarse cara a cara y convencerte de que son las manifestaciones del cielo y el mar, que se desgarran mutuamente.»

Toby Stephens

Pero tenemos más noticias. Riordan ha comentado que ya tienen casi todos los episodios rodados pero que queda por pulir algunas cosas, destacando que los fans de los libros estarán encantados con la serie (recordemos que a él las películas no le entusiasmaron demasiado). También ha dicho que ha rodado una entrevista entre bastidores con los actores principales y que con el anuncio de los actores que encarnan a Zeus y Poseidón terminan los anuncios del casting.

Recordemos que el cast lo completan Walker Scobell como Percy Jackson, Leah Sava Jeffries y Aryan Simhadri como Annabeth y Grover respectivamente y Jay Duplass como Hades, Timothy Omundson como Efesto, entre otros. La serie llegará a finales de este año o principios del siguiente a Disney+. Un saludo, sed felices.

Percy Jackson cast

El Nuevo Tráiler de ¡Shazam!: La Furia de los Dioses viene con más Épica y Acción

A poco menos de dos meses de su estreno, tenemos nuevo adelanto de ¡Shazam!: La Furia de los Dioses, secuela de la de 2019 que vuelve a ser protagonizada por Zachary Levi y dirigida por Daniel F. Sandberg.

En medio de un mar de incertidumbres acerca del futuro del universo DC desde que James “lo sé todo” Gunn ha tomado las riendas, se viene en marzo el estreno de ¡Shazam!: La Furia de los Dioses (Shazam! Fury of the Gods) y el nuevo tráiler, con mucha más épica y acción, parece anunciar una película bastante más movida aun manteniendo los característicos toques de humor e ironía.

shazam furia de los dioses.04

Es este el segundo filme dedicado al personaje después del de 2019 (aquí nuestra crítica), pero recordemos que en el medio estuvo el spin-off Black Adam (aquí crítica) y esa es una de las cuestiones que más dudas genera, pues sin ser un megaéxito, a la primera de Shazam no le fue mal en taquilla, pero la de Dwayne Johnson tuvo, en cambio, un desempeño bastante más flaco del esperado. En otras palabras, la gran duda de los fans es si esta película no acabará tristemente siendo la despedida del personaje.

En el tráiler le vemos, junto a sus hermanos adoptivos, enfrentarse a las Hijas de Atlas, que han venido a recuperar para su padre el poder de los dioses. Las mismas están interpretadas nada menos que por Helen Mirren (Hespera), Lucy Liu (Calypso) y Rachel Zegler (Anthea) .

Destroying It All Rachel Zegler GIF - Destroying It All Rachel Zegler Shazam Fury Of The Gods - Discover & Share GIFs

Así como el primer tráiler estaba plagado de guiños con homenajes cinéfilos o bien a personajes de DC, aquí podemos ver al héroe alzar un auto como Superman en aquella primera e histórica portada o emulando al de Christopher Reeve en aquella icónica escena en que descendía suavemente a tierra con Lois en brazos. También hay para seriéfilos, pues en un momento llama » Khaleesi » a su oponente.

Veremos cómo calza en el público esta nueva propuesta, pues las incertidumbres son muchas: por los nuevos cambios en Warner y DC, por la poca repercusión de Black Adam en taquilla y por el gran interrogante que supone en general el futuro del cine de superhéroes, cuya medida estará dada un mes antes cuando Marvel estrene Ant-Man y la Avispa: Quantumania.

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Por lo pronto, ¡Shazam! La Furia de los Dioses que, desde ya, vuelve a tener a Zachary Levi en su rol principal, llega a los cines el 17 de marzo. Hasta pronto y sean felices…

Crítica de Babylon (2023): el narcisista canto de amor al cine de Damien Chazelle.

Mientras comienzo a escribir esta crítica, con mis manos titubeando sobre el teclado del ordenador, una película del oeste de fondo y mi perra dejando un rastro de pelos blancos allá donde va, solo puedo pensar: qué malo es que todo el mundo te diga lo bueno que eres. Y si no, pensad en Damien Chazelle, director de Babylon, película destinada a participar en la carrera por los Oscar de 2023 y que se ha caído ante la polémica que ha generado.

Babylon es un retrato de un período fundamental de la historia del cine, concretamente del cine norteamericano, que para eso es el más importante a nivel mundial. Se centra en los felices años 20 del mudo, con personas que rodaban películas en un éxtasis continuo de fiesta, desenfreno, drogas, sexo y alcohol que la llegada del sonoro se cargó (aquí tenéis mi artículo hablando de esta época) .

Babylon enfoca su cámara en tres personajes: Jack Conrad, la mayor estrella del cine mudo; Nellie LaRoy, una joven que aspira a convertirse en estrella; y Manny Torres, un joven mejicano que trabaja de camarero en las fiestas de los actores pero que aspira a trabajar en el cine.

Es imposible no hablar de Babylon sin pensar en su director, Damien Chazelle. Con 31 años, fascinó a medio mundo con su brutal Whiplash, un ejercicio de suspense en el que ya tenía un papel muy importante la música. De hecho, la película que convirtió a Chazelle en estrella fue el exitazo La la land, una de esas escasas películas que gustó a absolutamente todo el mundo, tanto crítica como público. Una obra que es a la vez bendición y castigo.

Al igual que El caballero oscuro de Nolan o la Prisioneros de Denis Villeneuve, las obras que han continuado su carrera se han caracterizado por la polémica. Al fin y al cabo, uno se enfrenta a la nueva película de Damien Chazelle esperando otro éxito como el del musical con Ryan Gosling y Emma Stone. Algo imposible de replicar.

Damien Chazelle: su carrera de Whiplash a La La Land

Crítica de La La Land

Crítica de First Man: la película de Damien Chazelle tras La La Land

Esto explica la polémica que ha generado Babylon, con tantas críticas positivas como negativas, provenientes de gente que se emocionan ante cada escena que les remueva una pizca de lo que consiguió La La Land y de los que reniegan totalmente de las virtudes de la película porque no les emociona tanto como aquella.

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Dicho esto, Babylon es larga. Muy larga. Como otros cineastas con vocación de genios y obras maestras a sus espaldas, Chazelle no se corta en mostrar su talento y escribe y dirige una película sin ningún tipo de filtro… con altas probabilidades de estrellarse. Y se ha estrellado, al menos en taquilla.

Vamos por partes. Babylon no es una mala película, pero tampoco un peliculón, y las razones de ello son más o menos claras.

Esencialmente, es un relato de auge y caída a lo Scorsese de Uno de los nuestros, Casino o El lobo de Wall Street. Solo que, en vez de centrarse en mafiosos o brokers, enfoca su cámara en la industria del cine mudo, sobre todo en sus actores.

La primera hora y media es todo un torbellino de imágenes destinadas a meternos el éxtasis en el cuerpo. Básicamente, son dos secuencias: una fiesta y un rodaje. Y las dos están excepcionalmente rodadas en un tono que recuerda al Baz Luhrmann de Moulin Rouge o Elvis. Este desenfreno que acelera nuestro corazón de espectadores tiene su momento cumbre en, sin spoilers, la consumación de la magia: la transmutación de la realización de una escena en un instante que emociona corazones a través de una simple cámara.

Hasta aquí, Babylon es sobresaliente.

Pero llega el sonoro.

La teoría de Chazelle es clara. El sonoro se cargó el cine. Se cargó la improvisación de sus actores y trajo la rectitud y, con ello, la hipocresía a la industria de Hollywood.

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Y esta última hora y media en la que la comedia prácticamente desaparece y todo se convierte en tragedia se hace larga.  Chazelle castiga demasiado a sus personajes e incluso les hace tomar decisiones tan drásticas que se tornan incomprensibles.

Los tres personajes principales tienen su correspondiente evolución. Nada que objetar al de Diego Calva y, sobre todo, al de Brad Pitt. Cada uno de sus movimientos aporta clase a la película por definición pero lo importante es que su trama es la más compensada de Babylon. En cuanto a Margot Robbie, su presencia es arrebatadora desde el principio pero su chispa se consume ante tanto exceso excesivo. Y valga, sí, la redundancia, que Babylon es muy de redundar.

En definitiva, Babylon es una notable película sobre el ocaso del cine mudo y el auge de una nefasta industria de Hollywood. Un monumental retrato de distintos actores que adolece de su irregularidad y de su larga duración, sobre todo en la segunda mitad. Y, por encima de todo, un narcisista canto de amor a las películas, con todo lo que ello conlleva.

Que no importa qué o quién haya caído con la llegada del sonoro, el cine digital, el 3D o las plataformas del cine. Lo importante es que la historia llegue al público. Sea blanco, negro, asiático, adolescente, anciano, vaya a ver la película por afición, por amistad o para comerse a besos en la última fila de la sala. Al final, a todos nos hace felices.

Un saludo y sed felices!

Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Los gritos del silencio: una crónica del trágico final del cine mudo a finales de los años 20.

El 20 de enero se estrenó Babylon, la esperada nueva película de Damien Chazelle, más conocido por el apelativo de “el que dirigió La La Land”. Un retrato del auge y caída de muchas estrellas del cine mudo y una manera de entender este arte hasta la llegada del sonoro.

Damien Chazelle: su carrera de Whiplash a La La Land

Crítica de La La Land

Crítica de First Man: la película de Damien Chazelle tras La La Land

Crítica de Babylon (2023): El narcisista canto de amor al cine de Damien Chazelle

Y este es el tema principal de este artículo. El abordar un periodo hasta cierto punto inocente, emotivo y trágico de la breve historia del cine. El cómo muchas estrellas tuvieron que reconvertirse para seguir sobreviviendo, aunque algunos de ellos se quedaron en el camino.

Antes que nada, un poco de contexto.

Desde la aparición del cinematógrafo de los hermanos Lumiere hasta finales de los años 20, el cine se había desarrollado hasta el punto de que la mayoría de las corrientes actuales (clasicismo, realismo, expresionismo o surrealismo, entre otros) derivan de la forma de abordar las historias por parte de aquellos directores.

Por ese entonces, el cine floreció en distintas partes del mundo. Y, como todo arte que da dinero, vino la industria. En Suecia, en Alemania o en Francia. Y, por supuesto, en Estados Unidos.

Con el auge de las primeras productoras estadounidenses, como la Metro Goldwyn Mayer, Fox o Warner Bros, el cine norteamericano era el más conocido del mundo y sus actores auténticas estrellas catapultadas a la fama y riqueza de la noche a la mañana.

Incluso algunas de ellas, las más grandes, fundaron su propio estudio de cine para no depender de intereses meramente comerciales. Fue el caso de Charles Chaplin (el rey de la comedia), Mary Pickford (la primera “novia de América”), Douglas Fairbanks (el primer héroe de aventuras) y D. W. Griffith (el director más importante del periodo mudo americano). Juntos fundaron la United Artists.

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Charles Chaplin, D. W. Griffith, Douglas Fairbanks y Mary Pickford fundaron la macroproductora United Artist

En tan solo diez años, de 1910 a 1920, Hollywood pasó de ser poco más un barrio de los Ángeles con una oficina de correos a ser la quinta industria más importante de todo Estados Unidos y la cinematografía más conocida del mundo. Esto se tradujo en un engranaje que, por aquel entonces, no tenía encima el control del gobierno, lo que implicó una desatada vorágine de placer en el que la mayoría de las estrellas vivían continuos excesos delante y detrás de las cámaras.

Anécdotas escabrosas hay muchas y no entraré en ellas, que para eso está Internet. Fiestas, bacanales, alcohol, drogas, violaciones, pederastia… Algunas estrellas, como la actriz Gloria Swanson, llegaron a ganar un millón de dólares anuales en 1929, una auténtica barbaridad para la época.

Durante aquellos años, las estrellas de la época vivían en un bucle perpetuo de éxito. Delante de las cámaras, tenían una imagen (casi siempre la misma) que les hacía ser adorados por todo el mundo hasta extremos enfermizos. Por ejemplo, el fallecimiento repentino de un joven Rodolfo Valentino, el seductor del cine mudo por excelencia, condujo al suicidio a muchas mujeres.

Detrás de las cámaras, el ser conscientes del éxito que despertaba su imagen y el poder materializar cualquier sueño en la gran pantalla les llevaba a un estado de frenesí continuo que parecía no tener final.

Pero el caso es que lo tuvo.

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En 1927 se estrenó El cantor de jazz, la primera película sonora de la historia del cine y el mayor cambio que ha existido para la industria hasta la fecha.

Hasta aquel entonces, el cine se componía únicamente de imágenes y era función del director el que el espectador extrajera conclusiones de las relaciones y el mundo interno de los personajes solo con estas.

La llegada del sonoro supuso un retroceso y, a la vez, un cambio.

El retroceso vino porque las cámaras del sonoro eran mucho más pesadas y, por lo tanto, su movilidad se vio limitada. Por ello, la innovación artística que había alcanzado el cine mudo, con travellings o movimientos de cámara subjetivos, se vio reemplazada por la cámara estática. El cine pasó a ser teatro filmado, en el que una escena se retrataba de forma estática, con los actores recitando sus diálogos.

Precisamente con los actores llegó el cambio.

Lo importante del cine mudo era la apariencia. Al fin y al cabo, no importaba lo que se hablase porque no se iba a escuchar. Eran interpretaciones basadas en el físico y en la gesticulación, más propia de los mimos.

Con la llegada del sonoro, la interpretación cinematográfica cambió para siempre. Primero y lo más obvio, no cualquiera tenía voz para interpretar una película. Es conocido (aunque algo exagerado) que John Gilbert, todo un galán del cine mudo, tenía una voz excesivamente aflautada que, a priori, no congeniaba con su imagen muda. Vamos, que las malas lenguas lo señalaban como un tío con voz de pito.

Pero, y esto es mucho más importante, los actores debían, por primera vez, compaginar el movimiento con la voz. Dos actos simultáneos para los cuales no todos estaban preparados. Fue la oportunidad de los actores provenientes del teatro, como Clark Gable, que se frotó las manos cuando pasó de ganar cientos de dólares a 11.000 por un solo trabajo.

En estas pruebas de voz, muchas estrellas pasaron del frenesí del éxito, nada previsor, a la ruina más absoluta.

Algunos de los que continuaron fueron Norma Shearer, Mary Astor o Joan Crawford. Los casos más extraordinarios fueron los de Greta Garbo y Charles Chaplin.

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Garbo, toda una estrella muda, era sueca y tenía un acento escandinavo para nada adaptado al inglés americano. Fue la actriz que más tiempo tardó en hablar desde la implantación del cine sonoro. Fue en 1930, con Anna Christie, que se lanzó con la frase publicitaria de “¡Garbo habla!”. Todo un éxito.

Y luego tenemos a Charles Chaplin, el primer autor total de la historia del cine. Receloso del sonoro, defendió el cine mudo hasta el punto de seguir rodando películas mudas durante diez años más. Su primera obra sonora fue El gran dictador, en 1940.

Otros actores, incluso teniendo buena voz, perdieron el beneplácito del público simplemente porque este no identificaba la imagen de los personajes que habían admirado con la voz de quien los interpretaba. Fue el caso de Gloria Swanson (sí, la del millón de dólares), John Gilbert, Norma Talmadge, Lou Tellegen o John Bowers. De hecho, los dos últimos acabaron suicidándose.

Muchos de los actores europeos que alcanzaron el éxito mudo volvieron a sus países de origen. E incluso el matrimonio Mary Pickford y Douglas Fairbanks, los reyes del romance y la aventura, abandonó la industria por el cambio en las reglas del juego. De hecho, pocos años después se implantaría el Código Hays, que supondría el inicio de una marcada censura y el control de las actividades fuera de las cámaras de la mayoría de las estrellas de Hollywood.

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The artist aborda el trágico final del cine mudo

Paradójicamente, esto iniciaría la conocida como Edad de Oro Hollywoodense, con la implementación del sistema de estudios.

Todo este proceso, al que asistiremos en Babylon (aquí nuestra crítica) , podemos encontrarlo en dos grandes películas. La más clásica, el maravilloso musical Cantando bajo la lluvia. Y, siendo más modernos, la exitosa (y muda) The artist. Reflejos de una época fascinante en la que muchos de sus protagonistas fueron auténticos pioneros que marcharon al lejano Oeste sin nada más que sus ganas de triunfar, que ascendieron a la más alta del cima del éxito y que se estrellaron estrepitosamente contra el avance tecnológico de esa fábrica de los sueños que es el cine.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

Crítica de En un barrio de Nueva York (In The Heights), maravillosa película, mejor musical

HBO ha estrenado En un barrio de Nueva York (In The Heights), la adaptación del aclamado musical de Broadway que llegó a los cines en 2021. Con música y canciones de Lin Manuel Miranda, la película es uno de los mejores musicales de los últimos tiempos, a la altura del West Side Story de Spielberg, aparte de una película conmovedora y cautivadora que nadie debería perderse.

Este es mi barrio

La película cuenta la historia de un grupo de personajes que habitan el barrio de Washington Heights, en Nueva York, todos ellos inmigrantes o hijos de inmigrantes (dominicanos, cubanos y puertorriqueños) que buscan una vida mejor mientras el barrio sufre las consecuencias de la gentrificación.

Usnavi (Anthony Ramos) es el dueño de una pequeña tienda que sueña con volver a la República Dominica tras la muerte de sus padres. Nina Rosario (Leslie Grace) regresa al barrio tras sufrir la decepción de la universidad, en Stanford, a donde su padre (Jimmy Smiths) la envió a estudiar aunque para ello tuviera que empeñar su negocio. Vanessa (Melissa Barrera) sueña con dejar su vida de esteticién alcanzando su meta de ser diseñadora. Todos ellos viven y sufren el sueño americano mientras cantan, bailan y sus vidas se entrecruzan en el barrio.

Lin Manuel Miranda se caracteriza por tomar partido en lo que se refiere a temas políticos y sociales pero lo hace de una forma amable, desde un punto de vista humano, sin moralina y reflexionando sobre el tema. Sus personajes son inmigrantes que intentan integrarse y que buscan en su comunidad sus raíces y el apoyo que normalmente se le niega por parte de quienes no lo son.

También tiene un fuerte componente político y social, una llamada de atención sobre los que menos tienen, sobre los que deben abandonar su país porque no les queda otra. Como viene a decir la abuela Claudia (Olga Merediz) en el número más emotivo de la cinta: no hay Casiopea en Washington Heights pero no hay comida en La Vibora (Cuba).

Sin embargo y en contra de lo que pudiera parecer, no hay rencor en En un barrio de Nueva York, más bien al contrario. Hay gratitud hacia la tierra que les acoge pero siempre sin olvidar quienes son, de dónde vienen y lo que les ha costado llegar, con paciencia y fe, como recita una de las protagonistas. La película tiene un fuerte componente de optimismo y alegría que inevitablemente llega al espectador y lo deja con una sonrisa en la boca.

El perfecto musical

Si como película En un barrio de Nueva York es una de las mejores que nos han llegado este mes, como musical es brillante, inmenso. Lin Manuel Miranda, revolucionario del musical moderno (a ver si algún día escribimos sobre Hamilton, que es una auténtica genialidad) y la guionista Quiara Alegria Hudes, también coautora de la obra original, llenan la película de ritmos latinos, baladas, rap, hip hop y todo lo que se le antoje. El primer número musical dura 8 minutos y es una sensacional presentación del barrio, de sus habitantes y de sus sueñitos.

De ahí al resto de números, que no huyen de sus referencias clásicas (por fin gente bailando y llenando la pantalla y no sólo planos medios y montajes acelerados) en números como 96.000, con el reparto bailando en la piscina, e incluso en el magnífico y logrado número de Nina y Benny (Corey Hawkins) casi al final de la película, bailando en la pared y retrotrayéndonos a Fred Astaire bailando en el techo de la habitación en Bodas reales.

En un barrio de Nueva York esta llena de optimismo y vitalidad, no sólo en sus personajes y sus historias sino también en sus canciones. Es complicado que una cosa y otra encajen de una forma tan perfecta pero el director Jon M. Chu consigue que todas las piezas encajen. Y lo hace huyendo de la simple adaptación teatral y jugando con elementos que en un teatro no tienen cabida, como la referida escena de la piscina, el baile en la pared o la representación de los sueños de Vanessa.

En resumen, que todo lo que puedo escribir se queda corto. En un barrio de Nueva York es una película maravillosa que nadie debería perderse aunque no le gusten los musicales, una cinta que mereció mucha mejor suerte en su paso por los cines. Vale que era año de pandemia y la cosa no estaba para muchas alegrías pero aun así hubiese estado bien verla en pantalla grande (que a mi ciudad ni llegó).

Y un enorme punto a favor para HBO y sus subtítulos. A ver si aprenden los de Netflix, donde lo que uno lee no tiene nada que ver con lo que dicen los personajes. Un saludo, sed felices.

A Solo un Día de la Nominación de Argentina 1985 para el Oscar, muere uno de sus Actores

Se trata de Claudio da Passano, quien en el filme Argentina 1985 da vida a uno de los principales colaboradores del fiscal Julio Strassera en el juicio contra las juntas militares. La película, recordemos, viene de quedarse con el Globo de Oro como mejor producción de habla no inglesa y ayer fue nominada para el Oscar en la misma categoría. Su compañero de elenco Ricardo Darín dejó un sentido mensaje…

Parece una triste ironía del destino, pero en el día de la fecha nos dejó el actor Claudio da Passano, de larga trayectoria en el medio argentino e importante participación en el filme Argentina 1985, (aquí la crítica de un servidor), lo cual significa que no llegará a enterarse si el mismo se queda o no con la preciada estatuilla como mejor película internacional, categoría para la cual obtuvo ayer nominación (aquí la lista completa).

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De 65 años de edad, provenía de una familia decana en la actuación, siendo su madre María Rosa Gallo (muy prestigiosa en el medio argentino), su padre Camilo da Passano y su hermana Alejandra da Passano, ambos actores. Desde su debut teatral en 1983, tuvo una larga trayectoria jalonada de éxitos tanto en las tablas como en televisión y, por supuesto, en cine, habiendo participado de títulos como ¿Dónde estás Amor de mi Vida, que no te puedo encontrar?, Abierto Día y Noche, Papá se volvió Loco y, por supuesto, Argentina 1985.

Allí interpreta a Carlos Somigliana (veo que hoy en muchos portales y medios aparece errónamente como Simigliana), dramaturgo de la vida real que trabajara codo a codo con el fiscal Julio Strassera (interpretado en el filme por Ricardo Darín) y con su adjunto Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani) en el más importante juicio de la historia argentina, celebrado contra los altos mandos militares que habían incurrido en violaciones a los derechos humanos durante la dictadura posterior al golpe de estado de 1976.

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En la película (y tal como ocurriera en la vida real) vemos a Somigliana ayudando a Strassera a armar un equipo juvenil para reunir pruebas y testimonios, dentro del cual incluye a su propio hijo que estudia medicina forense. Quienes la hayan visto, quizás recuerden con una sonrisa la escena en que, como prueba de admisión, somete a este a una serie de preguntas y se altera porque le responde con frases y fórmulas de manual.

Querido Claudio – expresó Ricardo Darín vía Twitter -, ¿cómo aguantar esta tristeza de tener que despedirte tan temprano? Ojalá la emoción de festejar nuestro trabajo te acompañe en este viaje… Estoy destruido y agradecido por haberte conocido, gran compañero. Hasta el reencuentro, mi abrazo”.

De momento, se desconocen las causas del fallecimiento. Le quedó al menos la alegría de ver su película nominada al Oscar aunque, lamentablemente, ya no podrá saber si se lo lleva. O quizás sí, no lo sabemos…

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Hasta siempre Claudio y gracias por todo…

Análisis de Vikingos: Valhalla. Temporada 2. Episodios 5 a 8

Concluimos el análisis de esta segunda temporada de Vikingos: Valhalla con los episodios que nos restaban, es decir los que van del quinto al octavo. La serie, creada por Jeb Stuart y emitida por Netflix, es spin-off de Vikingos y transcurre cien años después de la misma.

Bienvenidos sean para terminar de analizar la segunda temporada de Vikingos: Valhalla. Desbrozamos hoy por lo tanto los episodios del 5 al 8 que, debo decir, no me han dejado la misma impresión que los anteriores. Creo que esta segunda mitad de temporada condensa lo más débil en lo que llevamos de serie.

Pero no nos apresuremos y veamos qué ha ocurrido en estas cuatro entregas sin dejar de advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA. Les dejo los links de nuestros análisis anteriores por si desean echarles ojo:

. Análisis de Vikingos: Valhalla. Temporada 1. Episodios 1 a 4

. Análisis de Vikingos: Valhalla. Temporada 1. Episodios 5 a 8

. Análisis de Vikingos: Valhalla. Temporada 2. Episodios 1 a 4

Cautiverio, Escape y Lapidación

Después de los sucesos de la matanza de Jomsborg, Freydis da a luz recluida y prácticamente a solas pero, apenas nacer, el niño es apropiado por Harekr como suyo. En buena medida tiene que ver con la decepción con su propio hijo y está pensando en reemplazarlo. Su esposa consigue, de todos modos, que Jorundr le pida disculpas por su comportamiento pero, para demostrar su sinceridad, Harekr le exige matar a Freydis.

Es una petición difícil porque el supuesto arrepentimiento de Jorundr está lejos de ser sincero. En lugar de matarla, se llega hasta su lugar de reclusión con un plan para sacarla de allí. Ella no quiere irse sin el niño, así que él consigue llevárselo a escondidas para sacar a ambos en carreta y cubiertos con una lona mientras esgrime la excusa de llevar el cuerpo para darle sepultura.

Previendo la jugada, su padre le intercepta en los bosques con una guardia armada: hay rabia, decepción, recriminaciones y, tras algún breve forcejeo, Jorundr acaba capturado. Freydis aprovecha el entrevero para escabullirse de la carreta, pero al precio de dejar su bebé.

#bradley james from Here I Am

Jorundr es condenado a perder su mano y partir al exilio. Hrefna, en tanto, encuentra a Freydis en las cercanías del cementerio y entre ambas urden un plan para simular su muerte, dejando allí el vestido raído y manchado con sangre junto a huellas de lobo, que no sé cómo hicieron para plantar. Harekr anuncia a la comunidad que Freydis ha muerto y busca apropiarse de su memoria y legado presentándola como mártir..

Pero Freydis, munida de una espada que le ha hecho llegar Hrefna, se aparece a las puertas de la empalizada clamando por su nombre: se me cruza Aquiles yendo en busca de Héctor. Harekr acepta el desafío contando no solo con la espada de Freydis en su poder sino también con la ventaja de estar ella físicamente disminuida. Acaba, por ende, sacando ventaja y está a punto de ajusticiarla cuando una roca le golpea el rostro y luego otra y otra…

Los pobladores de Jomsborg, que aman y reverencian a Freydis, interpretan que él les ha mentido con que estaba muerta (en realidad así lo creía) y terminan lapidándolo al punto de ser su propia esposa quien le propina en la cabeza el golpe de gracia.

Problemas en el Río

El grupo de Harald está cada vez más cerca de Constantinopla, pero se ven obligados a hacer un alto porque se ha roto la pala del timón. Se les presenta un jinete que se hace llamar Baggi (Dan Poole), al que rápidamente identifican como varego en lugar de pechenego. Al saber el destino que llevan, dice que no pudieron elegir mejor momento porque los pechenegos han retrocedido y el camino está liberado.

La noticia, sin embargo, es que reconoce a Kurya identificándolo como el hermano perdido del kan, al que este dejó ciego además de violar y asesinar a su esposa. Cuenta además que hay precio por su cabeza, lo que, desde luego, despierta interés en el inescrupuloso Gestr que, habiendo perdido a una de las muchachas, ve una buena oportunidad de compensar la pérdida.

Mientras tanto y para conseguir una pala, planean llegar a una población tras las montañas a la cual el propio Baggi les alienta a ir porque hay allí buenos herreros: está claro que algo en este sujeto huele mal, por lo que sorprende que Harald y Leif decidan ir juntos y dejar desprotegidos al resto. Al llegar, sin embargo, no encuentran un alma y sí señales de destrucción y saqueo. Hallan, eso sí, una plancha de metal que les sirve para hacer una pala y un horno para fundirla y darle forma.

En el Dniéper, Gestr deja en evidencia su intención de entregar a Kurya; el grupo se le subleva y lo terminan maniatando y amordazando. Pero no es el único ni el menor problema: Baggi regresa con jinetes y, como era obvio, también quiere cobrar la recompensa, así que viene por Kurya. Les tienden una trampa: los atiborran de alcohol y ello no solo les resta fuerzas sino que da tiempo a que Harald y Leif regresen. Entre todos, dan cuenta de ellos y Gestr acaba muerto a cuchilladas por “sus” muchachas…

Ya tienen la pala, pero llegar a Constantinopla implica todavía sortear una catarata y, salvo Harald y Leif, nadie quiere hacerlo (¿recién ahora lo piensan?). Para convencerlos, hay que aligerar el barco a los efectos de que no sea una empresa suicida (¿no lo es de todas formas?) y ello implica para Harald desprenderse de las pieles, lo cual quita al viaje algo de sentido, pero es la única forma de que los demás acepten seguir camino.

Peor el Remedio…

En Londres y regresado de la guerra, Canuto se entera del intento de asesinato sufrido por Emma así como del consecuente interrogatorio con tortura seguida de muerte. La noticia le afecta: siente que de algún modo debe compensar a Godwin por la pérdida de su prometida y le entrega por ello la mano de la princesa Gytha (Henessi Schmidt).

Todo mal para Emma: al menos Aelfwynn era plebeya y no podía darle a Godwin un hijo con aspiraciones al trono. Pero con una princesa la cosa es distinta y aun cuando Godwin asegure a Emma que Dios le ha dado fuerzas para perdonarla, el rostro de esta exhibe profunda preocupación porque lo conoce y sabe lo ambicioso y traicionero que puede llegar a ser; ahora, además, tiene un motivo de venganza…

Don't Be A Fool — Vikings: Valhalla (2022) - S2E8 The Reckoning

Veneno y Fuego

Finalmente, el grupo de Harald se lanza en barco por la cascada y queda librada a nuestra fértil imaginación la secuencia hasta que el mismo queda encallado y la tripulación dispersa, pero todos milagrosamente vivos (bueno, casi).

Harald tiene la mala suerte de encontrarse con los temidos pechenegos: para salvar a los demás, dice que transportaba esclavos y todos se ahogaron. Capturándole y arrastrándole con caballos, le llevan ante el líder y es sometido a horrendas torturas tras osar desafiarlo.

El resto del grupo ha encontrado el barco y logran invertirlo para que navegue nuevamente: al hacerlo, descubren tristemente el cuerpo sin vida de Catlín, única muchacha a la que no encontraban y muerte particularmente sentida por el esclavo africano Raysan, que había comenzado a trabar amistad con ella. Tras darle sepultura a la usanza cristiana (ella lo era) y hallando señales de que Harald fue capturado, Kurya se ofrece a ser entregado a cambio. La idea no goza de aceptación, pero Leif ve en ella una buena forma de llegar a Harald…

Lleva entonces a Kurya al campamento pechenego como si fuera su prisionero y, sabiendo del valor económico que para ellos tiene, amenaza con rebanarle el cuello si no le entregan a Harald y dos caballos. Perdonen mi memoria, pero no recuerdo si en algún momento se había dicho que el kan lo quisiera necesariamente vivo; creo que no…

El plan no tiene éxito (¿podía?) y ahora son tres los capturados mientras los pechenegos mandan a buscar al kan para entregarle a su hermano y cobrar la recompensa. Pero cuando ambos están frente a frente, Kurya arroja al rostro del mismo un veneno que le deja ciego y lo hace convulsionar hasta la muerte: ahora sabemos cuál era su único motivo para formar parte del viaje…

El campamento es atacado por las muchachas (sí, las adolescentes) que, conducidas por Elaena (Sofía Lébedeva), hija del fallecido Lord Vitomir, arrojan flechas en llamas contra las tiendas y al rato todo está ardiendo. Si los pechenegos eran así de inútiles, no sorprende que prácticamente hayan desaparecido como pueblo…

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Tras el rescate de Leif y Harald, el grupo llega al barco para largarse de allí. Desde el río, ven cómo en la orilla torturan a Kurya y, no pudiendo soportar la escena, le disparan una flecha para ahorrarle el sufrimiento…

El Asedio de Jomsborg

Olaf llega al Rus pero, obviamente, no encuentra a Leif ni a Harald. Se entera que el grupo está separado y Freydis ha ido hacia Jomsborg, pero nadie sabe en dónde se halla ese lugar al que incluso algunos consideran mítico. Al hacerse a la mar para buscarlo, se topan con el bote en que navega a la deriva el manco y desterrado Jorundr, quien se ofrece a guiarlos como modo de vengarse de su padre: no sabe que este ya no gobierna sino Freydis, quien goza del apoyo de la comunidad tras abrir el templo para todos…

De todo ello se anoticia recién cuando llegan para conferenciar. Claramente arrepentido de haber llevado a Olaf y los suyos, pacta en secreto con su madre. Dice a los sitiadores que el punto más débil es la puerta principal, pero cuando le toca comandar una misión para matar al centinela, los están esperando y él se pasa de bando. Termina de todas formas muerto y en su último estertor pide que digan a su madre que no es ningún traidor.

Haciendo flamear una bandera, dan falso aviso a los barcos de que el centinela está muerto y, una vez que se acercan, ponen en marcha la trampa preparada. Olaf y Svein bajan al muelle, pero los locales han derramado bajo los barcos un combustible que los hace arder en cuanto Freydis arroja una antorcha: quienes vieron Juego de Tronos, quizás se hayan acordado del fuego valyrio en la Batalla del Aguasnegras. Durante bastante tiempo será difícil despojarse de la influencia de esa serie en todo lo que sea más o menos medieval…

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Olaf se termina enfrentando en duelo personal con Freydis, quien acaba dándole muerte al atravesarlo con una lanza de un lado al otro. Al joven Svein se le perdona la vida y la propia Freydis se encarga de llevarlo de regreso a Kattegat con su madre, de quien obtiene de palabra el compromiso de mantener y respetar la paz con Jomsborg…

La Entrega

El grupo de Harald, en tanto, está cerca de Constantinopla y hace parada en unas ruinas griegas. Mariam está con su salud cada vez más deteriorada y acaba muriendo: aun cuando estuviera en los cálculos, su muerte es sentida de modo especial por Leif, para quien constituye su segunda pérdida en poco tiempo. No obstante, da la impresión de que Mariam le ha transmitido su pasión por la ciencia y se me ocurre que ello tendrá su importancia en la tercera temporada…

Harald, por su parte, ha iniciado una relación con Elaena, pero cuando el emperador de Constantinopla sale a recibirlos, se encuentra con la devastadora noticia de que el objetivo del viaje era justamente entregársela en matrimonio: era ella entonces eso tan preciado que debían llevarle y no, como había llegado a suponer, el valioso medallón que la joven portaba. Queda decepcionado, pero le cambia la expresión cuando el emperador, en premio, se ofrece a darle lo que sea. Pensará el precio, dice…

Balance de Temporada

Seré honesto: estos cuatro episodios no me gustaron tanto como los anteriores y ello hace que en el balance la segunda temporada me termine pareciendo inferior a la primera. En las últimas dos entregas, particularmente, se acumularon incongruencias y situaciones resueltas de modo a veces simplista y otras inverosímil.

Que rudos pechenegos sean prácticamente diezmados por un puñado de adolescentes que parecen salidas de un colegio de señoritas es algo que seguramente encaja en los actuales canones de diversidad, pero difícilmente en la realidad del siglo XI. Y no lo digo porque sean mujeres (no se apresuren): es que tenemos de un lado a chiquillas sin experiencia en combate y del otro a rústicos seminómades crecidos con un arma en la mano.

Otro tanto ocurre con Hrefna, de quien acerté en que tendría un rol importante en la definición de la temporada, pero no me creo que los esbirros de Harekr no sean capaces de encontrar a Freydis en los bosques y sí alguien que es prácticamente una niña.

En cuanto a lo del salto por la catarata, creo que ni merece comentario de tan inverosímil, como tampoco que el emperador de Constantinopla les salga al encuentro así de expuesto y con tan poca gente en un escenario convulsionado por invasiones.

Lo que sí me pareció un giro interesante fue que terminara siendo Elaena el “preciado bien” que debían entregar y, de hecho, nos quedamos pensando cuál será el precio que Harald exigirá por haberla llevado…. ¿Ayuda contra Canuto tal vez? Es una fuerte posiblilidad al ser precisamente lo que su tío le negó en Nóvgorod.

También me gustó el gesto final de Freydis: a algunos podrá parecerles sentimentalismo barato, pero creo que la restitución de Svein es entendible en la medida en que ahora ella es madre y, como tal, comprende el dolor que Aelfgifu pudiera llegar a sentir por la pérdida de su hijo. Suena, eso sí, a locura suicida que se presente personalmente, como a primera vista improbable que la madre del muchacho actúe con tanta honorabilidad. Habrá que tomarlo, supongo, como un compromiso de madre a madre y ya veremos cómo reacciona Canuto si algún día se digna regresar a Kattegat.

La subtrama de Londres me ha parecido la más interesante de estos cuatro episodios, pero lamentablemente la menos desarrollada. Emma se presenta como un personaje atormentado por la culpa y, en menor medida, también Canuto por principio transitivo. De Godwin ya sabemos cuán ruin y vengativo puede llegar a ser, así que ni por asomo nos creemos que la haya perdonado como ha dicho. Ese es un escenario que se avizora por demás atractivo y espero que le den en la tercera temporada el desarrollo que en esta le han negado…

Los fantasmas parecen haber desaparecido para Leif, aunque no deja de ser un garrotazo el volver a perder a alguien que ama. La escena de la muerte de Mariam fue bastante emotiva, pero lo habría sido más de haber dedicado más episodios a contarnos y desarrollar esa relación.

Algo parecido, pero peor, vale para la muerte de Catlín, cuya relación con Sayran estuvo apenas garabateada y con pocos minutos en pantalla; se nos hace difícil, de ese modo, captar en su real dimensión el dolor del africano por la pérdida. Y hasta se puede hacer extensivo a Harald pues, aunque su Elaena siga viva, la desazón del noruego no nos llega por completo con tan poco tiempo dedicado a la relación.

La muerte de Harekr es merecida pero, al igual que ocurriera en la primera temporada con Jarl Kåre, nos priva de un villano que podía ser interesante. No hubo tiempo para que conociéramos más al personaje y adquiriera matices ante nuestros ojos. Con Kåre, por lo menos, habíamos llegado a profundizar algo en su pasado, pero Harekr partió sin que entendamos por qué se comportaba cómo lo hacía o qué le llevaba a ser tan cruel y desalmado: un verdadero pecado considerando la sólida actuación de Bradley James.

¿Tendremos tercera temporada? Quiero suponer que sí, pero Netflix ya no tiene reparos a la hora de bajar la guillotina sobre series de alto presupuesto si la respuesta no es todo lo masiva que esperan. Y ahora ni siquiera es garantía que anuncien la renovación. Ojalá que la haya y, de ser así, repesquen el rumbo que perdieron en la segunda mitad de esta, porque Vikingos: Valhalla es una serie con potencial y una narrativa atrapante aun cuando todavía no nos hayan dado un Ragnar, una Lagertha o un Floki

Gracias por leer. Hasta la próxima temporada o hasta cualquier momento en que nos encontremos en esta web. Sean felices…

Crítica de Decision to leave, la historia (amor)dazada

Dicen que los ojos son el espejo del alma, que son capaces de expresar sin que nos demos cuenta lo que sentimos realmente. Si esta analogía es correcta, con Decision to leave Park Chan-wook nos está mostrando el alma de una película de detectives a través de los ojos de sus protagonistas.

Ya sea desde el frenesí renovador de la acción y la venganza con su mítica Oldboy o en la enfermiza reformulación del thriller de Stoker, Park Chan-wook se ha convertido en un prodigio de la cámara, capaz de deformar la lente hasta tal punto que sea una copia (casi) exacta de la de su protagonista. Una herramienta de vital importancia pues le ha permitido jugar con las convenciones de los géneros de sus películas y que, precisamente en su último proyecto, se demuestra más relevante que nunca.CIN DecisiontoLeave 1600x900

Hae-Joon es un veterano detective con problemas de insomnio que investiga la muerte de un hombre en una montaña y su posible conexión con la esposa de la víctima. Una premisa simple que podría haberse sacado de uno de los clásicos whodunits de Hitchcock, pero que toma un rumbo extraño y diferente cuando (descifrando a través de sus miradas) sale a la luz que policía y sospechosa se están enamorando.

Una historia de amor prohibido camuflada en la estructura de un thriller policíaco que se revela de un modo espectacular aunque (bien pensado) bastante obvio: a través del ojo.090baa635db39a405e6299de0308fcfc56 decision to leave.1x.rsquare.w1400.jpg

Aferrándose a la principal herramienta de un investigador, Park Chan-wook nos mueve a través del metraje y del montaje (siempre con un ritmo demencial) allá donde el detective pone sus ojos con todo lo que ello conlleva. A veces puede ser para enfatizar su trabajo policial [revisando la escena del crimen (mirando a través de la víctima) buscando una posible causa] pero también pueden ser elementos extraoficiales [como la comida (los labios de la hermosa mujer con quien come) o el paisaje].

Decision to leave es una propuesta formalmente espectacular e hipnótica que en sus peores momentos (y más allá de esos paisajes y fotografía que parecen sacados de una pintura de Katsushika Hokusai) puede pecar de ser dispersa y confusa por estar tan sobrecargada de elementos y mecanismos. Algo que, sumado a sus personajes algo exagerados o poco creíbles (ya que el director juega constantemente entre el homenaje y la parodia), puede terminar haciendo de la experiencia algo tedioso por su longitud o demasiado distante por su dimensión emocional.

Pero en sus mejores momentos, la película brilla como un producto canalla que desafía e invita al espectador a jugar mientras explora los límites de lo que puede contar (y lo que puede sugerir) la narrativa visual en el cine. Una propuesta que me arriesgaría a decir que no es para todos, pero que seguro no dejará a nadie indiferente.SAVP6A435VGUJMI24IBGCYQCJU

Los 12 mejores whodunits de la historia del cine

El término literario whodunit es una contracción de la frase who has done it? Y hace referencia a una variante del género de intriga en el que el misterio abarca a distintos sospechosos y la labor del investigador principal (y del lector) es la de averiguar quién es el responsable del crimen.

El cine no ha sido una excepción y, con el estreno de Puñales por la espalda: el misterio de Glass Onion, repasaremos las 12 mejores muestras del whodunit en cine. Comenzamos.

Crítica de Puñales por la espalda: el misterio de Glass Onion

  1. Laura (1944), de Otto Preminger.

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La primera de la lista y, probablemente, la mejor de todas ellas. Laura es puro cine negro y sí, también es un whodunit en el que un detective investiga el asesinato de una mujer. Para ello, elabora un retrato de la personalidad de Laura a partir de las declaraciones de sus allegados, algunos de ellos sospechosos.

Así, Laura es puro cine negro, con un íntegro detective que acaba cayendo en las redes de una femme fatale “muerta”, pero no deja de ser una intriga en la que nuestras sospechas van recayendo en uno u otro sospechoso. Una joya que hay que ver al menos una vez en la vida, con uno de los mejores personajes femeninos de todos los tiempos (no en vano, es una de nuestras 20 mejores femme fatale) .

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  1. Diez negritos (1945), de Rene Clair.

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En esencia, el whodunit es un género meramente literario cuyo mayor exponente fue la escritora británica Agatha Christie (aquí tenéis algunas de sus mejores adaptaciones al cine). De su vasta obra repleta de obras maestras, su novela cumbre es Diez Negritos, novela sin detective en la que diez personas son reunidas en una isla y van siendo asesinadas una a una.

Aunque han existido muchas versiones a lo largo de la historia (la mejor sigue siendo una miniserie de la BBC en 2013), ninguna ha llegado a la altura del original literario. Pero hay que reconocer que la versión clásica de 1945 es un simpático entretenimiento, aunque modifique el inmejorable final de la novela.

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  1. El fin de Sheila (1973), de Herbet Ross.

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En plenos años 70, el conocido autor de musicales Stephen Sondheim (ya sabéis, Sweeney Todd, entre otras) y el actor Anthony Perkins (el inmortal Norman Bates de Psicosis) escribieron el guión de El fin de Sheila, basados en juegos de misterio y búsqueda del tesoro que organizaban con amigos.

Un productor de cine reúne a seis amigos de los que sospecha que han sido responsables del atropello de su mujer y los involucra en un juego destinado a descubrir al verdadero asesino… La primera hora se hace larga, pero cuando el misterio se hace patente, El fin de Sheila engancha hasta su final.

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  1. Asesinato en el Orient Express (1974), de Sidney Lumet.

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La mejor adaptación de todas las novelas de Agatha Christie al cine es una joya que inauguró esto de rodar un whodunit con lo mejor del star system de la época.

En este caso, tenemos a Albert Finney, Lauren Bacall, Sean Connery, Ingrid Bergman, Anthony Perkings, Michael York, Jacqueline Bisset, Richard Widmark… y muchos más en uno de los mejores repartos de la historia del cine. Todo para contarnos el asesinato de un millonario en un tren repleto de sospechosos. Olvidaros del coñazo de Kenneth Branagh de 2017.

En todo caso, continuad con la Muerte en el Nilo de 1978 y Maldad bajo el sol, de 1982. Inferiores a esta Asesinato en el Orient Express pero muy entretenidas, con Peter Ustinov en lugar de Albert Finney como el detective.

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  1. Un cadáver a los postres (1976), de Robert Moore.

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Un misterioso millonario (ni más ni menos que el mítico escrito Truman Capote) reúne a los mejores detectives del mundo para resolver un asesinato. Hablamos de personajes inspirados en Poirot, Miss Marple, Nick y Nora Charles, Sam Spade o Mr. Wong.

Lo que comienza como una parodia del género de misterio a lo Scary Movie termina siendo una magistral comedia absurda que reflexiona sobre el whodunit llevándolo hasta extremos absurdos.

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  1. El nombre de la rosa (1986), de Jean Jacques Annaud.

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La novela homónima de Umberto Eco fue un superventas basado en la Edad Medida en la que se mezclaban profundas reflexiones filosóficas y teológicas combinadas con un uso complejo del latín y una trama de intriga deudora de la literatura clásica.

Las 20+2 mejores películas medievales de la historia del cine

La película fue una adaptación magistral precisamente por centrarse únicamente en la trama de asesinato con múltiples sospechosos, todos ellos monjes de una oscura abadía en una Edad Media donde gobernaba el miedo sobre la fe.

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  1. Gosford park (2001), de Robert Altman.

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En lo que concierne a películas corales, con un amplio reparto con distintas tramas y subtramas, pocos han manejado este tipo de obras como el director Robert Altman, que reunió a lo más granado del star system británico para Gosford Park.

La película es un whodunit en el que uno de los invitados a una lujosa partida de caza en la Inglaterra es asesinado. Eso sí, la intriga es lo de menos para Altman, mucho más interesado en utilizar la excusa del asesinato para retratar la lucha de clases entre nobles y criados.

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  1. Identidad (2003), de James Mangold.

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Durante una tormenta, diez desconocidos se ven atrapados en un motel. Pronto, irán cayendo uno tras otro, ya que hay un asesino entre ellos.

Utilizando un planteamiento similar al de Diez Negritos, Identidad es un whodunit con tintes de terror y crímenes sangrientos que cuenta con inteligentes giros argumentales. De hecho, la propia situación es una trampa argumental en sí misma…

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  1. Brick (2005), de Rian Johnson.

9

El director y guionista Rian Johnson, al que veremos posteriormente en otra película de esta lista, dirigió Brick, su primera producción. Una historia de intriga con influencias en los whodunit de Agatha Christie y las novelas hard-boiled de Dashiel Hammett que centraba su acción en un instituto.

Un adolescente inteligente (Joseph Gordon Levitt) investiga la desaparición de su ex novia en el instituto, centrando su foco en distintos sospechosos. Una película a reivindicar.

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  1. Los odiosos ocho (2015), de Quentin Tarantino.

10

He de reconocer que no soporté el primer visionado de Los odiosos ocho en cine. Pero cuando volví a verla sabiendo lo que iba a ocurrir, mi impresión sobre ella mejoró tanto que aún la sigo considerando una de las mejores películas de Tarantino.

Sí, Los odiosos ocho es un western. Además, un western nevado. Pero realmente, tanto en su forma como en el desarrollo de su narrativa, la película es un whodunit en el que distintos personajes que reflejan las diferentes personalidades de la América profunda se reúnen en un refugio dónde parece haber ocurrido algo extraño…

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DISPONIBLE EN: HBO MAX Y NETFLIX.

  1. Puñales por la espalda (2018), de Rian Johnson.

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Tras la enorme polémica suscitada por el episodio VIII de Star Wars (a la postre, el mejor de la última trilogía), Johnson reformuló y actualizó el whodunit con la exitosa Puñales por la espalda, acertada mezcla de intriga y comedia que cuenta con un nuevo detective icónico para el cine: el gran Benoit Blanc, interpretado por un divertido Daniel Craig en un papel totalmente alejado del de James Bond.

Al igual que en otras obras del género, Puñales por la espalda mezcla el asesinato con distintos sospechosos con un mensaje social, en este caso centrado en la América de Trump.

La película ha contado, como sabéis, con una secuela para Netflix, más centrada en la comedia y con el foco puesto en el mundo de las redes sociales. Algo menor pero, aun así, notable.

DISPONIBLE EN: NETFLIX, HBO MAX Y AMAZON PRIME VIDEO.

  1. Malos tiempos en el Royale (2019), de Drew Goddard.

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Infravalorada y desconocida película (fue todo un fracaso de taquilla) dirigida por Drew Goddard, el creador de la serie de Daredevil. Vamos, aún hoy, la mejor serie de Marvel. Aunque comienza como un whodunit, con siete desconocidos, cada uno con su correspondiente secreto, acudiendo a un ruinoso motel de extraño pasado, su trama pronto deriva a un sorprendente refrito entre los hermanos Coen más Fargo y, como no, el mismísimo Quentin Tarantino. Además, cuenta con uno de los mejores y más sorprendentes papeles de Chris Hemsworth. No os la perdáis.

DISPONIBLE EN: DISNEY PLUS

¿Y vosotros qué opináis? ¿Cuáles son vuestros whodunits favoritos del cine?

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Despiden a Justin Roiland, co-creador de Rick y Morty

Adult Swim ha decidido terminar su relación contractual con Justin Roiland debido a las acusaciones en su contra. Con ello, Rick y Morty no solo pierde a uno de sus creadores sino también a la voz detrás de los personajes principales de la serie.

Ninguna duda cabe de que dentro del terreno de la animación para adultos, Rick y Morty (aquí los análisis de mi compañero Máximo) ha sido una de las series de mayor impacto en estos últimos años . Con su ciencia ficción irreverente de tono irónico e incorrecto, se ha ganado desde su lanzamiento en 2013 un lugar en el corazón de los fans que han degustado de cada una de sus seis temporadas. Pero mientras estamos a la espera de la séptima, las noticias no son buenas…

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Justin Roiland, quien junto a Dan Harmon es uno de los creadores y cerebros de la serie, arrastra desde mayo de 2020 una causa por violencia doméstica contra su ex novia Jane Doe (nombre con que Estados Unidos se suele designar a cualquier mujer de la cual no se quiere dar el suyo verdadero). De acuerdo a la acusación, Roiland habría incurrido en lesiones graves, privación de la libertad, fraude y engaño, todo lo cual llega a tribunales en abril de este año cuando el caso sea reconvocado.

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A los efectos de que el proceso judicial no dañe su reputación, Adult Swim ha anunciado la finalización de su vínculo con Roiland a través de un escueto comunicado vía Twitter: “Adult Swim ha finalizado su asociación con Justin Roiland. Rick y Morty continuará. El talentoso y dedicado equipo está trabajando duro en la temporada 7”.

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Recordemos que además de ser creador y productor ejecutivo de la serie, Roiland es actor de voz y tiene a su cargo tanto la de Rick como la de Morty. Es también creador de Solar Opposites y ha hecho voces en Gravity Falls, Invincible y Hora de Aventuras entre otras.

Ello significa que para el caso de Rick y Morty, su ausencia implicará la necesidad de salir a buscar nuevos actores para interpretar sus voces y, como siempre que algo así ocurre, flota la pregunta de hasta qué punto los fans, sobre todo los que gustan de escuchar la serie en idioma original, aceptarán nuevas. Tampoco está del todo claro si alguien le suplirá en la parte creativa o la misma queda en exclusivas manos de Dan Harmon.

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Pero hay una pregunta aún más interesante y que de alguna forma es sintomática de los tiempos que se viven: ¿qué pasará si Roiland sale absuelto del juicio? Solo estoy especulando, desde ya, porque no tengo elementos para juzgar la verdad de las acusaciones como tampoco la falsedad, pero no importa: la presunción de inocencia está pasando a ser un recuerdo en la medida en que las empresas y productoras cedan a la presión social para no ensuciarse.

Vivimos en el imperio del prejuicio y del “por las dudas” y, al hacerlo, olvidamos que si una persona está procesada, está procesada… no condenada. O sí: condenada por la sociedad antes de siquiera conocer en detalle el caso…

En fin, la séptima temporada de Rick y Morty, por lo pronto, llegará para la segunda mitad de este año. Hasta pronto y sean felices…

Análisis de La Búsqueda: Más Allá de la Historia. Temporada 1. Episodio 7

A falta de solo tres para concluir la temporada, continuamos con el análisis de los episodios de La Búsqueda: Más Allá de la Historia. Hoy le toca al séptimo, cuyo título es Punto sin Retorno. La serie, creada por los esposos Cormac y Marianne Wibberley, está basada en las clásicas películas que protagonizara Nicolas Cage y puede ser vista por Disney+.

Bienvenidos a un nuevo análisis de La Búsqueda: Más Allá de la Historia,o, como se conoce en Latinoamérica, La Leyenda del Tesoro Perdido: Al Filo de la Historia.  Hoy para desbrozar un séptimo episodio que nos ha venido a confirmar que, en efecto, había algo extraño en la insistencia en no mostrarnos el rostro de Salazar. Era obvio que tendríamos alguna revelación importante sobre él y así fue. Más allá de eso, la serie sigue tropezando con las mismas rocas de siempre y, aunque querramos ser optimistas, parece difícil que los tres episodios que le quedan a la temporada puedan torcer eso.

Pero basta de preámbulo y vayamos al análisis de lo que ocurrió en esta nueva entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordarles que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.

El Otro Álamo

Tras los sucesos en El Álamo, Billie ha quedado detenida junto a otros participantes del desmadre. Entre ellos, una mujer que se declara especialista en la historia del lugar le cuenta que, contrariamente a la leyenda popular, el nombre no se debe a los árboles (que fueron plantados después de la fundación), sino a que los españoles que, justamente, fundaron la misión, procedían de un pueblo del actual territorio mexicano llamado Álamo.

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Puedo confirmar que es cierto porque lo he chequeado, pero es el reino de las casualidades encontrarte en la seccional de policía con alguien que te dé el dato certero, como poco creíble que, a pura investigación tras la pista del tesoro, la misma te llegue por el testimonio casual de una desconocida. En fin, la cuestión es que, pronta a ser liberada, Billie ya tiene la pista de Viesca, el pueblo del cual Jess y sus amigos descubrieron que antes se llamaba Álamo…

Prófuga

Finalmente, la agente Ross ha escuchado la grabación que en el pendrive le pasó el enfermero y oye lo que parece ser la voz de Jess amenazando a Peter Sadusky tras haberle dado un té envenenado y exigiéndole la pista del tesoro a cambio de un antídoto.

Jess ha pasado, por lo tanto, a ser entonces principal sospechosa, pero recién se anoticia cuando, regresando al apartamento con sus amigos, encuentra al FBI allanándolo. Tasha entra en los registros de la policía y descubre, en efecto, que hay un orden de arresto contra su amiga, por lo que deciden no bajar del vehículo e, insólitamente, se marchan sin ser vistos: se ve que los federales no tienen por costumbre controlar la zona ni estar atentos a un inminente regreso de la inquilina del lugar que están allanando.

El grupo huye en dirección a México y cuando parecía que ya no podía haber más incongruencias, consiguen pasar la frontera gracias a que Interpol, en la era de internet y de la comunicación, no tiene aún en su poder la orden contra Jess: madre mía…

Gramática

Ethan va a ver a Ross para tratar de convencerla de la inocencia de Jess, pero no tiene éxito. La agente le hace escuchar la grabación y aunque él diga que es falsa porque la pronunciación de further es muy británica y no se corresponde con la de Jess, no le convence a ella que una mera cuestión gramatical pueda ser prueba. Aun así, se queda pensando y, al hablar con Billie, recién salida de prisión, descubre que justamente pronuncia de esa manera.

Cuando se lo comenta a Hendricks, este desdeña el asunto y, en cambio, la felicita por descubrir que Sadusky fue asesinado e incluso dar con la asesina. Llama la atención tanta prisa de su parte por descartar otro posible camino, prácticamente como cuando Ross le fuera con sus primeras sospechas. Hay algo podrido allí dentro…

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El Arrepentido

Liam ha salido del hospital y encuentra su casa revuelta, particularmente la habitación de las pistas por la cual, recordemos, pasó Maddox. Dado que ha perdido su móvil, no tiene el contacto de Jess, por lo que se dirige al club en que ambos trabajan para conseguir el número, pero no logra comunicarse.

Al verlo, el dueño del local le comenta que la gente ha quedado encantada tras haberse viralizado el vídeo de su actuación en Graceland, así que, cambiando de opinión con respecto a prescindir de sus servicios, le ofrece mil dólares por cantar una canción. De nada sirven mis ruegos: Liam acepta y amaga comenzar otra vez con Suspicious Minds, pero termina cantando otra de la cual dice que es especial “para alguien”. La gente encantada: bueno, los que están allí, claro…

A todo esto, Myles, el enfermero (Dustin Ingram), se comunica con Billie para decirle que ha cumplido con su parte y, acto seguido, recibe en su móvil un pago por 150.000 dólares que, sin embargo y contra todo cálculo, rechaza. Pareciera haber culpa…

Va en busca de Liam y le cuenta que están incriminando falsamente a Jess, además de ponerle al tanto de que fue él quien lo sacó del río por considerar que Billie había llegado demasiado lejos; como prueba de buena voluntad, le devuelve el móvil, que lo tenía en su poder. Liam no quiere saber nada con él pues, diga lo que ahora diga y habiendo trabajado diez años con su abuelo, se ha comportado como un ruin traidor. Aun así, acaba cayendo en la cuenta de que en este momento lo necesita…

Sorpresa en Prisión

Jess y su grupo ya están en México y allí se les une Ethan, que ha llegado gracias a la información de Oren. Ella quiere ir a ver a Salazar a prisión porque es el único que puede saber dónde está la tercera caja, pero cuando va a visitarlo, se encuentra con la sorpresa de que la conoce… No es Salazar sino su padre Rafael (Jacob Vargas), que no murió en el incendio como se había dicho.

Jess, obviamente, no le cree, pero cambia de opinión y se le llena el rostro de lágrimas cuando reconoce la canción de cuna que le cantaba de niña. Impactada y dolida, le recrimina haber estado sin contactarlas durante tanto tiempo y fingiendo estar muerto mientras se hacía pasar por Salazar. Lo pone al tanto, incluso, de que su madre murió de cáncer un año atrás y ahora es él quien rompe en llanto.

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Rafael dice en su defensa que no tuvo alternativa y fingir su muerte fue la única forma de protegerlas. Le pide que no abandone la búsqueda ahora que ha llegado hasta allí y le informa que la caja ya no está en el pozo de Viesca porque las Hijas de la Serpiente Emplumada la sacaron al saber que los cazadores de tesoros tenían el dato.

Pero Jess, para esa altura, no quiere escucharlo y se marcha llorando. Él alcanza a decirle algo sobre un encuentro en el que Jerónimo y la primera reina de España se intercambiaron notas, pero ella ya no desea saber más…

La Carga ya no es mía…

Después de que Jess lanza a bocajarro la noticia de que su padre sigue vivo, el grupo se pone a descifrar el enigma en la referencia por él mencionada. Hay en la ciudad de México una calle que lleva el nombre de Isabel la Católica, pero ninguna el de San Jerónimo y , en cambio, un convento así denominado en el cual se formó ni más ni menos que Sor Juana Inés de la Cruz, escritora considerada por muchos como primera feminista de la historia. ¿Pero cuáles son las notas en cuestión? Solo queda ir al convento y averiguarlo…

En el lugar, una monja les oficia como guía y en un momento les muestra el órgano que solía tocar Sor Juana, que también tenía un costado musical: se dan cuenta entonces que la pista podría referirse a notas musicales por lo que, mientras la visita guiada continúa, Jess y los suyos se quedan junto al órgano en plan de deducirlas. Descartan una combinación común o una melodía conocida porque en ese caso cualquiera podría tocarla por accidente.

Se les ocurre que podría ser la canción de cuna que le cantaban a Jess de niña y entonces Tasha, que tiene algún conocimiento de piano, la ejecuta y uno de los tubos del órgano se abre: en su interior hallan una bolsa con la preciada caja de lapislázuli, así que Sor Juana era también una de las Hijas de la Serpiente Emplumada.

Pero el sonido del órgano pone en alerta a las monjas, que corren prestas a ver qué ocurre. Oren intenta detenerlas como puede, pero la superiora logra entrar y Jess, caja en mano y mostrándole el colgante que lleva al cuello, le explica en español que no es una ladrona. La monja cambia radicalmente de expresión y, emocionada, dice que estuvieron siempre esperando la llegada de alguien como ella. Aliviada, la deja partir con la caja y remata en tono conclusivo: “la carga ya no es mía”…

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Ya tienen entonces las tres reliquias: maya, azteca e inca. Al colocarlas juntas y abrirlas, se despliega una especie de mapa con un árbol y una equis, pero no tienen forma de saber qué árbol es o cómo llegar. Ethan sugiere que el único que puede interpretar el mapa es Rafael, así que, por mucho que Jess no quiera, no hay más remedio que volver a hacerle una visita.

Al llegar a la cárcel, sin embargo, se encuentran con que Billie se les ha adelantado. Jess teme por la vida de su padre, ya que Billie podría matarlo en cuanto compruebe que no es Salazar. Pero cree también que hay una forma de evitarlo e incluso sacarlo de prisión…

Balance del Episodio

Es difícil que la serie logre remontar vuelo si cuando por fin aparece una subtrama que pinta interesante, la matan en estado fetal y sin miramiento alguno. No exagero: cuando nos dieron la pista de Viesca y toda esa historia acerca del banco construido encima del antiguo pozo, parecíamos ir de cabeza hacia un episodio de robo de bancos con el original ingrediente de que el dinero no fuera el móvil. Pero nos entusiasmaron e ilusionaron en vano porque allí no había nada. En el Álamo tampoco, lo sé, pero al menos nos llevaron al lugar y vimos algo de reyerta. Lo de Viesca fue tiempo perdido

Sé que puedo cometer muchos errores al anticiparme a la trama; justamente por eso sepan disculpar si cuando acierto un pronóstico reclamo un punto, en este caso por haber dicho en el análisis anterior que “Salazar” debía ser alguien conocido: no esperaba, honestamente, que fuera Rafael, pero era evidente que por alguna razón nos estaban ocultando el rostro con demasiada obviedad. De todos modos, hay allí cuestiones difusas: ¿sabía él realmente en dónde estaba la caja faltante? De ser así, ¿por qué no dio a su hija señales más claras en lugar de seguirle disparando enigmas?

En el FBI, definitivamente, hay gato encerrado. Es demasiado notorio cómo Hendricks busca desviar a su compañera Ross de las pistas que la llevarían a la verdad, así que allí voy depositando otro voto y a ver la semana que viene cómo me fue… Pensé, eso sí, que Ross cobraría más protagonismo a partir de este episodio, pero a pesar de un débil amago, eso sigue sin ocurrir y sus apariciones continúan siendo demasiado fugaces para dar desarrollo al personaje y que nos involucremos con su investigación que, creo, será esencial en la resolución.

Los detalles irrisorios se siguen sucediendo, sobre todo en cuanto a la mala vigilancia de los lugares y lo fácil de entrar o salir de donde sea. Ya teníamos Graceland, El Álamo y la sede de los masones, pero esta gente se sigue superando y faltaba la fresa del pastel con Jess y su grupo saliendo de Estados Unidos sin dificultad alguna a pesar de estar ella buscada por la justicia.

No solo eso: una vez en México y cuando aún creía que quien estaba en prisión era Salazar, se las arregló para visitarlo sin que nadie allí sospeche de una desconocida que se presenta pidiendo ver a semejante peso pesado. Ni hablar de la facilidad con que engañó y convenció a uno de los guardiacárceles para que le permitiera llegar a él…

En definitiva, para disfrutar de la serie hay que ser un poco ingenuo, mirar para otro lado o ignorar ciertas cosas, como la absurda concatenación de pistas que “llevó” al convento, el órgano y la canción de cuna.

Sin embargo y a los efectos de no ser tan negativo, rescato dos momentos de este episodio que sí me gustaron: uno fue la cámara subjetiva que nos guió por dentro de los mecanismos del órgano a medida que se accionaban y nos llevaban hacia la tercera caja.  El otro, cuando Oren, en una secuencia muy divertida, intenta frenar a las monjas para que no entren, justamente, a la sala del órgano. «¡No puedo mentirles!  ¡Son monjas!«: cómo me hizo reír esa frase…

Pero fuera de esos momentos puntuales, quedan cada vez menos episodios (solo tres) para torcer el rumbo de una temporada que sigue sin convencer. Esperemos que destelle en ellos alguna luz de esperanza y que, por favor, Liam deje de cantar…

Hasta la próxima y sean felices…

Todas Las Nominaciones de los Premios Oscar 2023 (para producciones de 2022)

Se conocieron las nominaciones para los premios Oscar a entregarse este año. Y para el que esto escribe hay sorpresas con ‘Todo a la vez en todas partes’ como favorita en los Premios Oscar 2023 con 11 nominaciones. Le siguen ‘Almas en pena en Inisherin’ y ‘Sin novedad en el frente’, con nueve cada una.

‘Elvis’ con ocho nominaciones y ‘Los Fabelman’ con seis son las pequeñas grandes tapadas.

Hay alguna sorpresa como Avatar: El sentido del agua que con cuatro nominaciones’ se desmarca de la lucha en las categorías técnicas. ‘La Ballena’ y’Babylon‘ -con tres nominaciones en categorías menores cada una- son otras de las grandes decepciones.

La cubano-española Ana de Armas compite como mejor actriz protagónica por su papel en Blonde, en tanto que Argentina 1985 aparece nominada como mejor película internacional y Guillermo del Toro tiene a su adaptación de Pinocho entre las que compiten finalmente para mejor película animada.  En estos dos últimos casos, recordemos, vienen de ganar el respectivo Globo de Oro en tales categorías (aquí el artículo con los ganadores).

Este es el listado completo de los nominados a los Oscars 2023:

NOMINADOS OSCAR A MEJOR PELÍCULA
Sin novedad en el frente
Almas en pena de Inisherin
Avatar: El sentido del agua
Elvis
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
TÁR
Top Gun Maverick
El triángulo de la tristeza
Ellas hablan

oscar 2023

NOMINADOS OSCAR A MEJOR DIRECTOR
Martin McDonagh por ‘Almas en pena de Inisherin’
Daniel Kwan y Daniel Scheinert por ‘Todo a la vez en todas partes’
Todd Field por ‘TÁR’
Steven Spielberg por ‘Los Fabelman’
Ruben Östlund por ‘El triángulo de la tristeza

NOMINADOS OSCAR A MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Cate Blanchett por ‘TÁR’
Ana de Armas por ‘Blonde’
Andrea Riseborough por ‘To Leslie’
Michelle Yeoh por ‘Todo a la vez en todas partes’
Michelle Williams por ‘Los Fabelman’

oscar 2023

NOMINADOS OSCAR A MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Brendan Fraser por ‘The Whale’
Austin Butler por ‘Elvis’
Colin Farrell por ‘Almas en pena de Inisherin’
Paul Mescal en ‘Aftersun’
Bill Nighy por ‘Living’

oscar 2023

NOMINADOS OSCAR A MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Angela Bassett por ‘Black Panther: Wakanda Forever’
Jamie Lee Curtis por ‘Todo a la vez en todas partes’
Kerry Condon por ‘Almas en pena de Inisherin’
Hong Chau por ‘The Whale (La ballena)’
Stephanie Hsu por ‘Todo a la vez en todas partes’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Ke Huy Quan por ‘Todo a la vez en todas partes’
Brian Tyree Henry por ‘Causeway’
Judd Hirsh por ‘Los Fabelman’
Brendan Gleeson por ‘Almas en pena de Inisherin’
Barry Keoghan por ‘Almas en pena de Inisherin’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR GUION ORIGINAL
‘Almas en pena de Inisherin’ (Martin McDonagh)
‘Todo a la vez en todas partes’ (Daniel Kwan, Daniel Scheinert)
‘Los Fabelman’ (Tony Kushner, Steven Spielberg)
‘TÁR’ (Todd Field)
‘El triángulo de la tristeza’ (Ruben Östlund)

oscar 2023

NOMINADOS OSCAR A MEJOR GUION ADAPTADO
‘Ellas hablan’ (Sarah Polley – basada en el libro de Miriam Toews)
‘Sin novedad en el frente’ (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell – basada en la novela de Erich Maria Remarque)
‘Living’ (Kazuo Ishiguro – basada en ‘Ikiru’ de Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni)
‘Glass Onion: El misterio de Glass Onion’ (Rian Johnson)
‘Top Gun Maverick’ (Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie – basada en los personajes creados por Jim Cash y Jack Epps Jr.)

NOMINADOS OSCAR AL MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
‘Sin novedad en el frente’
‘Avatar: El sentido del agua’
‘Babylon’
‘Elvis’
‘Los Fabelman’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR MONTAJE
‘TÁR’
‘Top Gun Maverick’
‘Elvis’
‘Almas en pena de Inisherin’
‘Todo a la vez en todas partes’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR FOTOGRAFÍA
‘Sin novedad en el frente’
‘Bardo’
‘Elvis’
‘El imperio de la luz’
‘Tár’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
‘Sin novedad en el frente’
‘Argentina, 1985’
‘Close’
‘EO’
‘The Quiet Girl’

NOMINADOS OSCARS A MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
‘Pinocho de Guillermo del Toro’
‘Marcel the Shell with Shoes On’
‘El gato con botas: El último deseo’
‘El monstruo marino’
‘Red’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
‘Babylon’
‘Black Panther: Wakanda Forever’
‘Todo a la vez en todas partes’
‘Elvis’
‘El viaje a París de la señora Harris’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
‘Sin novedad en el frente’
‘The Batman’
‘Black Panther: Wakanda Forever’
‘Elvis’
‘The Whale’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR SONIDO
‘Sin novedad en el frente’
‘Avatar: El sentido del agua’
‘Elvis’
‘The Batman’
‘Top Gun Maverick’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR CANCIÓN
‘Black Panther: Wakanda Forever’ – ‘Lift Me Up’ de Tems, Ludwig Göransson, Rihanna y Ryan Coogler
‘RRR’ – ‘Naatu Naatu’ de Kala Bhairava, M. M. Keeravani y Rahul Sipligunj
‘Tell It Like a Woman’ – ‘Applause’ de Diane Warren
‘Top Gun Maverick’ – ‘Hold my hand’ de Lady Gaga
‘Todo a la vez en todas partes’ – ‘This is a life’ de David Byrne, Mitski y Son Lux

NOMINADOS OSCAR A MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
‘All that breathes’
‘All the beauty and the bloodshed’
‘Fire of love’
‘A house made of splinters’
‘Navalny’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR BANDA SONORA
‘Sin novedad en el frente’
‘Babylon’
‘Almas en pena de Inisherin’
‘Los Fabelman’
‘Todo a la vez en todas partes’

NOMINADOS OSCAR A MEJORES EFECTOS ESPECIALES
‘Sin novedad en el frente’
‘Avatar: El sentido del agua’
‘The Batman’
‘Black Panther: Wakanda Forever’
‘Top Gun: Maverick’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
‘The Elephant Whisperers’
‘Haulout’
‘How Do You Measure a Year?’
‘The Marsha Mitchell Effect’
‘Stranger at the Gate’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
‘The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse’
‘The Flying Sailor’
‘Ice Merchants’
‘My year of dicks’
‘An ostrich told me the world is fake and I believed it’

NOMINADOS OSCAR A MEJOR CORTOMETRAJE DE ACCIÓN REAL
‘An Irish Goodbye’
‘Ivalu’
‘Le Pupille’
‘The Red Suitcase’
‘Night Ride’

Un saludo y sed felices.

Reseña de Las portadas Marvel de Vértice, nº 3, de Dolmen Editorial

Pues esto se acabó aquí gente. He de decir que ha sido un camino que me ha encantado el realizar. También quiero agradecer a Dolmen Editorial la cesión de los volúmenes para las correspondientes reseñas. Hecha estas aclaraciones vamos a ver que nos ofrece este tercer tomo, no sin antes recordar reseñas de los anteriores números.

Para la elaboración de este tercer tomo procederé a tal y como lo hice en el anterior, obviando ya las especificaciones del tomo y de lo bien editado que está e iremos al grano, al contenido, que portadas engloban y os hablaré un poco de los grupos o personajes para acabar destacando también los extras que trae.

La Masa (The Incredible Hulk)

El personaje vio la luz en marzo de 1962. Aquí en España lo conocimos por La Masa y sobre todo por la serie de televisión que protagonizarían Bill Bixby y Lou Ferrigno entre 1977 y 1982.

En lo que se refiere a Vértice la cabecera tendría 35 números y todas las portadas son de López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Thor (The Mighty Thor)

Thor va a ser una de las series más longevas de Vértice con 42 números en su formato bolsillo y 53 números cuando Vértice cambió al formato revista.

Todas las portadas corresponden a López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Doctor Extraño (Doctor Strange)

Nos cuenta Jesús Ortiz que esta cabecera no acabó de funcionar en Vértice por lo caótico de su publicación (algo habitual en la editorial pero que aquí se acrecienta). Se publicaron 14 números en año y medio.

Todas las portadas pertenecen a López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Namor (The Submariner)

De Namor ya os he hablado alguna vez. Podéis leer este artículo por ejemplo. El personaje fue creado en 1931 y en los años 40 lo vimos luchar junto al Capitán América y la Antorcha Humana original contra los nazis.

En ocasiones se presentó como enemigo y luchó en ocasiones contra Los 4 Fantásticos. En Vértice tuvo 33 números y las portadas pertenecen a López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Selecciones Marvel.

Selecciones Marvel son historias de fantasía y ciencia ficción sacadas de la revista estadounidense Tales of Suspense.

Selecciones Marvel tuvo 23 números en Vértice, todas sus portadas fueron dibujadas por Rafael López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Héroes Marvel.

Vértice sacaría esta cabecera en 1972 a raiz del éxito que estaba obteniendo con las colecciones Marvel. Serían 12 números y entre las distintas historias tendremos a Los Inhumanos o la Viuda Negra.

Las portadas son de López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Ka-Zar.

Un personaje que me gustaba mucho en mi infancia y es que como fan de Tarzán,ver a un tarzánido rodeado de superhéroes me era muy llamativo.

«En 1965 los derechos de Ka-Zar fueron comprados por Marvel y fue reinventado completamente por Stan Lee y Jack Kirby, que ni siquiera habían leído los cómics originales: Kevin Plunder pasaba a ser un lord inglés cuyo padre descubría una jungla prehistórica bajo la Antártida».

Vértice solo publicaría 8 números de Ka-zar ya que coincidió con el cambio de formato de bolsillo a revista en 1974.

Las portadas españoles corresponden todas a López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Súper Héroes.

Esta colección al igual que la de Ka-Zar tuvo corta vida por el cambio de formato. Tan solo 10 números para una colección que tuvo éxito. La idea era colocar a superhéroes menos conocidos para el público y meter también la cabecera estadounidense Marvel Team Up, serie en la que Spiderman compartía protagonismo con otro héroe.

Las portadas son todas de Rafael López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Sargento Furia (Sgt. Fury).

Nick Furia tuvo dos etapas bien diferenciadas. En esta es Sargento de los Estados Unidos y va junto a sus comandos aulladores y luego tiene otra etapa que está en el tomo uno de esta colección en la que es espía y se llama Coronel Furia.

27 números conoció en Vértice esta colección con portadas todas ellas del gran Rafael López Espí.

portadas Marvel de Vértice

Acciones de Guerra (War Actions).

Cierra el tomo esta colección, antes de llegar a varios extras de los que luego hablaremos. Acciones de Guerra es una colección que tiene una curiosa historia que Jesús Ortiz nos cuenta:

«Fue una serie contenedora de historias bélicas, en un principio pensada para material Marvel, de ahí que sus dos primeros números fueran material de la serie Captain Savage.

Este libro es un integral de portadas de material Marvel. En principio solo se iban a reproducir las portadas de estos dos primeros números, pero una vez finalizado el trabajo, no gustó la idea de dejar una colección incompleta. Aunque no lleve material Marvel, sí que las portadas son del mismo ilustrador, López Espí».

La cabecera duró 21 números.

portadas Marvel de Vértice

Material extra del tomo 3.

Y llegamos al final. El tomo concluye con una galería de figuras Marvel. Los números de la edición de bolsillo de Vértice se complementaban con unos dibujos a modos de pin-up USA.

Fueron 77 ilustraciones, todas ellas dibujadas por Francesc Pujol, colaborador de Vértice.

portadas Marvel de Vértice

Por otro lado tenemos también la Galería de Personajes Marvel de López Espí. La marca de pastelitos Cropan pensó en los superhéroes que publicaba Vértice para sacar unos cromos coleccionables, así López Espí realizó hasta 80 ilustraciones, todas ellas las tenemos aquí en el tomo.

portadas Marvel de Vértice

Consideraciones finales.

Esta colección me ha maravillado, la verdad. Ya lo dije en anteriores reseñas, me transporta a otra época, en la que el niño que yo era se emocionaba a raudales con cada una de estas historietas.

Jesús Ortiz y Dolmen Editorial han hecho una gran labor, Jesús por documentar y conseguir todas las portadas de la edición de formato bolsillo (En 1975 comenzaría la de formato revista) y Dolmen por el cuidado y mimo en la edición.

No me quiero extender más. Las portadas Marvel de Vértice pasan a ocupar un sitio imprescindible en mi biblioteca.

portadas Marvel de Vértice

Un saludo y sed felices.

 

Novedades Dolmen Editorial de febrero de 2023

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy, una vez más, tenemos el inmenso placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, del mes de febrero de 2023.

Un mes más, como el resto de los meses de todo el año, vuelvo a tener serias dificultades para seleccionar obras de nuestra querida editorial mallorquina. Una vez más …

¡Lo quiero todo!

Novedades Dolmen Editorial de febrero de 2023

Lo cierto es que no podemos comprarnos todo lo que publican las editoriales españolas. Cuando echo el ojo al catálogo de publicaciones de todas las editoriales, selecciono las obras que más me llaman la atención, según mis gustos personales.

Pero … Con Dolmen Editorial siempre me es muy, muy complicado. No obstante, voy a intentarlo …

1.- Terry y los Piratas 1945-1947 (Fin de la serie)

Dolmen

«El niño que buscaba un tesoro en China es ya un hombre. Sus dos criados comparsas, Connie y Big Stoop, se han convertido en soldados.

Pat Ryan ya no es el modelo de Terry porque ya Terry no lo necesita. Porque Terry es militar. Es aviador.

En estos años finales de Terry y los piratas, Milton Caniff dice adiós a sus personajes y lo hace visitando, siquiera brevemente, a los más característicos.

«Que salga lo viejo y entre lo nuevo», el dicho que se repite siempre cada principio de año y que aparece en el cartel de la viñeta final, donde Caniff se despide de Terry, igual que Terry se despide de todos nosotros».

2.- Las Nuevas Aventuras del Guerrero del Antifaz. Tomo 2.

Dolmen

«Barcos piratas, impostores, veneno, mercaderes de esclavos, cruces de espadas, traición, celos y hasta un embarazo no deseado.

Alejado de su tierra natal y con su esposa Ana María en peligro, el Guerrero del Antifaz recorre el mundo a la deriva y contra su voluntad tratando de regresar a España, sin mucho éxito.

En su camino se encontrará con aliados y enemigos por igual, como la sultana Soraya, Garfio Chamul, Ben Jerifaz o el corsario Mustafa.

Este segundo volumen continúa la reedición y restauración de las Nuevas Aventuras del Guerrero del Antifaz del gran Manuel Gago.

Estas páginas incluyen diez capítulos originales y la historia corta Los Jinetes de la Muerte, publicada originalmente en Navidad de 1979, así como varios extras y cuadernos de bocetos del propio Gago».

Y estas han sido mis dos recomendaciones para este mes de febrero, de Dolmen Editorial. Más abajo, os dejo el pdf, con el catálogo de publicaciones, para que podáis verlo al completo.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!