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Las series que nos hacen felices: Justified (La Ley de Raylan)

Justified, subtitulada en España como La ley de Raylan, está basada en un relato corto de Elmore Leonard, titulado Fire in the hole (Fuego en el agujero), un relato que por el momento no ha sido publicado en España, donde si tenemos un libro (Raylan) publicado poco antes de la muerte del autor. Fire in the hole es también el título del primer episodio de la serie, que constó de 6 temporadas de 13 episodios cada una. Y fueron 6 temporadas brillantes, con personajes carismáticos, bien definidos, con diálogos afilados y que hacían avanzar la trama, una trama que te enganchaba desde el primer momento y que te creaba una adicción como solo saben hacer las mejores series.

La ley de Raylan

Justified cuenta la historia de Raylan Givens, un agente judicial (U.S. Marshall) que actúa como un pistolero del viejo oeste. En el primer episodio, Raylan es trasladado de Florida a Kentucky tras disparar a un delincuente al que le había dado 24 horas para abandonar la ciudad. Según él, ese disparo estaba justificado y de ahí el título de la serie. A cualquier otro le habrían abierto un expediente pero ya sabemos como se las gastan en los USA y, además, ese traslado a Kentucky es lo peor que podría pasarle a Raylan ya que es oriundo de ese Estado. Allí purgara sus pecados mientras lidia con sus amigos de la infancia, su ex-mujer y su padre, personajes de los que hablaremos más adelante.

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Justified – «Fire in the Hole» opening scene from work print on Vimeo.

Raylan Givens está interpretado por Timothy Olyphant, conocido por ser el sheriff Bullock en Deadwood o el Agente 47 en la primera película de Hitman. Givens es un personaje ambiguo, que actúa en muchas ocasiones (demasiadas) al filo de la ley y que, aunque parece estar de vuelta de todo, en realidad es alguien demasiado implicado en su trabajo, incapaz de desconectar y que ha llegado a pensar que el fin (su fin) justifica los medios (sus medios). Antiguo instructor de tiro (no falla nunca), con su sombrero vaquero y sus botas vaqueras, la mano siempre en la pistolera, Raylan es un pistolero moderno con una placa que utiliza para convertir en legal los duelos que ejecuta.  Junto a él, encontramos a su jefe Art Mullen (Nick Searcy) al que el traslado de Raylan le sienta como una patada en los huevos pero que traga con él porque, al final, consigue resultados; los agentes Rachel Brooks (Erica Tazel) y Tim Gutterson (Jacob Pitts) son los sufridores compañeros de Raylan en las oficinas de los U.S. Marshalls de Lexington (segunda ciudad más poblada del Estado de Kentucky).

Raylan Givens
Timothy Olyphant es Raylan Givens

La ley de Boyd

El contrapunto a Raylan es Boyd Crowder, interpretado de forma magistral por Walton Goggins. Tan magistral que, aunque estaba previsto que el personaje muriese en los primeros episodios, la interpretación de Goggins, aportando al personaje una chulería muy característica, con esa forma de hablar tan pausada, le convirtieron en uno de los más carismáticos de la serie, obligando a los productores a rectificar y a convertir a Boyd en la gran némesis de Raylan. A lo largo de las 6 temporadas de la serie, en cada una tenemos un enemigo principal al que se enfrenta Raylan pero Boy Crowder permanece en todas ellas, agazapado, delinquiendo, escurriéndose de Raylan. Hay entre ambos personajes una mezcla de amor, odio y respeto, un juego del gato y el ratón en el que ambos se aprovechan del otro para su propio interés. No será hasta la última temporada en la que ese juego llegue a su final.

Boy Crowder es uno más de los delincuentes que pueblan el escenario de la serie, el Condado de Harlan. Supongo que la realidad dista mucho de la ficción pero, si nos atenemos a esta última, Harlan es donde parece concentrarse la mayor cantidad de delincuentes por metro cuadrado de Estados Unidos. Según se muestra en la serie, Harlan es un lugar donde abunda la pobreza. Donde antes había un cierto atisbo de futuro gracias a las minas de carbón, actualmente y tras el cierre de las minas,  la única posibilidad de sobrevivir para aquellos que no tienen estudios radica en el tráfico de drogas, la prostitución y el cultivo de marihuana. Eso o alistarse en el ejército (como hizo Boyd antes de regresar a Harlan para intentar ser el mafioso local) o bien en las fuerzas del orden (como hizo Raylan). Entre ambos extremos, tenemos todo un atajo de delincuentes que en su gran mayoría se caracterizan por ser unos auténticos gilipollas, unos tontos del culo que ni siquiera sirven para robar caramelos. De todos, destacan Dewey Crowe (Damon Herriman), un tonto al que uno acaba por cogerle cariño, el padre de Raylan, Arlo Givens (Raymond J. Barry) el ejemplo de lo que un padre no debería ser, y Mags Bennet, matriarca de un clan de delincuentes que le valió un Emmy a la mejor actriz de reparto a Margo Mantindale.

Boyd Crowder
Walton Goggins es Boyd Crowder

El nuevo oeste

Es inevitable hablar de Harlan y sus habitantes cuando se trata de Justified. Forman un microcosmos fundamental para el desarrollo de la serie. Como ya he mencionado, parece que la única opción de sobrevivir en Harlan es dedicarse al cultivo de marihuana, al tráfico de cocaína y a la prostitución aunque me temo que eso es una visión muy parcial de la realidad. Si nos atenemos a la serie, en Harlan no vive gente de bien sino que todo son marginados, analfabetos, racistas, nazis y sobretodo paletos que van todo el día colocados. Ese es el único pero que se le puede poner a la serie, el de no mostrar más que aquello que le interesa. Tanto es así que no veremos un Harlan o un Lexington con gente paseando por sus calles o comprando en comercios. Casi toda la acción transcurre en interiores excepto en las ocasiones en las que se desarrolla en parkings de caravanas, bosques y cabañas, que se ve que salía más barato que rodar en la propia ciudad. Es más, ni siquiera rodaron en Kentucky sino en California. Pero el caso es que dan el pego gracias a su gran ambientación, a la caracterización de los personajes y a los diálogos, esos diálogos marca Elmore Leonard, que hacen avanzar la historia y definen perfectamente a los personajes. También ayudan mucho los títulos de crédito iniciales o como con una canción y unas pocas imágenes puedes poner a los espectadores en situación.

Justified fue una serie de esas que parecen pasar desapercibidas pero que quienes la han visto han coincidido en su gran calidad  y en que engancha como pocas. Una mezcla de western y género negro que actúa también como retrato de una sociedad, la de la América de clase baja (eso que a veces se llama «la América profunda») que va a remolque de la economía, de un futuro inexistente y que se ve abocada a lo que sea para sobrevivir. Raylan Givens es alguien que optó por la ley por el simple hecho de que con eso jodía a su padre, un auténtico cabrón que lo maltrataba, y que vio en ello una salida del agujero en que se encontraba pero que podría haber optado por todo lo contrario, como hicieron sus compañeros de colegio. Raylan Givens bien podría haber sido Boyd Crowder, aunque Crowder no podría haber sido Raylan ya que su destino estaba escrito desde siempre. Actualmente, las temporadas de Justified están disponibles en Amazon Prime Video. Si no la habéis visto, dadle una oportunidad y sed felices.

Justified Raylan

Reseña de Red Sonja. Volumen uno: A dos mundos de distancia

Por fin ha salido en España el primer tomo de la serie actual en Estados Unidos de Red Sonja. Por fin podemos deleitarnos de los lápices de Carlos Gómez, un autor español cuyos dibujos están triunfando entre las editoriales independientes americanas como en este caso Dynamite Comics.

Regreso al presente

Este tomo de Planeta contiene los números 0 al 6 de la edición americana. En primer lugar doy gracias por la publicación en España en tapa dura. Aunque cuesta un par de euros más prefiero este formato a la tapa blanda, que no me gusta nada. Lo más interesante de esta nueva colección de la pelirroja guerrera no es un fantástico guión ni unos dibujos extraterrenales. Lo más importante es la «originalidad» y lo arriesgado de la nueva etapa. ¿De que estoy hablando? Muy sencillo. En esta nueva colección Red Sonja viaja por el tiempo para entrar de lleno al Nueva York actual, al Nueva York del presente. Por tanto todo lo que pasa en este tomo es una cosa nunca vista o contada en otras etapas de la guerrera. Amy Chu parece haber dado con la tecla, al menos para comenzar una etapa con fuerza. Estoy impaciente para ver como sigue la trama en futuras historias, que será lo complicado de todo esto. Porque el comienzo es bueno ¿pero podrá mantener con fuerza esta nueva ubicación de Sonja?

El número 0 es una maravillosa historia donde los lápices de Carlos Gómez son de cortar el hipo. Maravillosos. En esta introducción vemos como por «arte de magia», Red Sonja se encuentra en nuestro mundo, lejos de la Era Hiboria donde comparte cartel con Conan. Y así comienza todo.

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Página 4 del número 1. Carlos Gómez

Pero lo más importante de leer de esta historia es la adaptación de Sonja en Nueva York. Una mujer en «taparrabos» en medio de Manhattan es chocante, pero gracias a sus amistades (que mucho tienen que ver con su época y la magia) consigue poco a poco ser una parte más de nuestro mundo. Porque evidentemente la pelirroja no podía estar totalmente desconectada de la Era Hiboria y para ello su mayor enemigo, el hechicero Kulan Gath es prácticamente el dueño de media ciudad. Me encanta este personaje y se reafirma como el gran enemigo de nuestra protagonista y para futuras sagas.

Las partes más curiosas del tomo es cuando Sonja se encuentra sola en medio de Central Park y se dedica a cazar patos con un palo que utiliza como lanza. Por cierto, para los defensores de animales, los caza para comer, no como trofeo. La escena de la guerrera en un bar echando pulsos a todo el mundo que por allí pasaba también merece la pena. En fin, Sonja en estado puro.

Red Sonja 0 Turnarounds

No puedo decir que la historia de Red Sonja perpetrada por Amy Chu sea la mejor jamás escrita porque sería mentira, pero al menos, como escribí antes arriesga trayendo a la protagonista a nuestra época, para retomar de nuevo su guerra eterna contra los enemigos de la talla de Kulan Gath. La duda que me surge no es en este tomo, que es de notable calidad, sino en los futuros. Una vez derrotado su enemigo y con su adalid de regreso a la Era Hiboria, ¿que pasará con la guerrera? ¿Por donde derivarán las nuevas historias? Si bien este tomo me ha enganchado tengo dudas con los siguientes.

Red Sonja: A dos mundos de distancia no solo mantiene el tipo, sino que nos sumerge en una nueva etapa de la pelirroja en el presente. Pero por el contrario tiene el peligro de perderse en futuras historias contemporáneas muy alejadas de las de espada y brujería y por tanto perder su identidad como personaje. Por cierto Red Sonja apareció por primera vez  en los cómics en febrero de 1973, concretamente en Conan #23, pero la aparición del guerrero se antoja imposible por derechos de personaje.

Os dejo la portada de Planeta Cómics de Red Sonja: A dos mundos de distancia.

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En esta nueva aventura escrita por Amy Chu —Hiedra Venenosa, Kiss— y dibujado por Carlos Gómez —The Dresden Files—, la diablesa de la espada se enfrenta a un mundo diferente, más concretamente a la ciudad de Nueva York. Por debajo de la tierra, poderosos demonios obligan a Red Sonja a salir de un profundo sueño mágico. Confusa y desarmada, ha de encontrar la manera de derrotar a estas criaturas misteriosas, de escapar de su prisión solitaria y de llegar a la superficie para descubrir dónde está y por qué el malvado hechicero Kulan Gath la ha traído hasta este lugar.

Un saludo y sed felices.

Análisis de El Cuento de la Criada. Temporada 2. Capítulos 8 y 9

Bienvenidos sean a un nuevo análisis de El Cuento de la Criada. Como vamos con retraso, está vez hablaremos de los episodios ocho y nueve, en los Serena ha tenido un gran protagonismo tomando nuevos rumbos, y en los que pudimos ver interacciones entre personajes que nunca se habían visto de frente. Sin más preámbulos, entremos en detalles y SPOILERS

Análisis capítulo a capítulo de la segunda temporada de El cuento de la criada.

Análisis de la primera temporada de El cuento de la criada.

Análisis de la novela El cuento de la criada, de Margaret Atwood.

Trabajo de mujeres

El octavo episodio nos trae de vuelta los monólogos internos de June, y junto con ellos el desarrollo de la alianza entre ella y Serena. El romper las reglas juntas constantemente ha hecho que su complicidad se fortalezca, ambas están cediendo. June, aun con la insurrección que implica el escribir, está favoreciendo al Régimen y es consciente de ello; se siente culpable en el momento en que Emily dice que cualquiera que ayude a Gilead merece morir, y es justo ese remordimiento el que la lleva a interceder por Janine después de que esta la compara con quienes ejercen la autoridad.

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En Serena se juntan dos factores, la empatía incipiente hacia June y su devoción hacia los bebés. Si alguien se puso en riesgo en este episodio fue ella y ya vemos cual fue el resultado. Es extraño compadecerte de un personaje que ha provocado tanto daño, pero es imposible no hacerlo con la interpretación de Yvonne Strahovski, al fin y al cabo en el momento en que el comandante la golpea se ve como una persona indefensa y sometida que nunca se había planteado que algo así podría sucederle. Sabes que sus ideas han provocado violaciones y muertes de mujeres y hombres inocentes, que ha maltratado a June durante toda su estadía en esa casa, que le ha negado la posibilidad de ver a su hija, y que además pretende quitarle su futuro hijo y criarlo como si fuera suyo; por todo esto, a pesar de que entiendo perfectamente porque nosotros como espectadores podemos sentirnos mal por ella, no entiendo por qué June lo haría. Comprendo que el momento la impactara y sintiera empatía, pero no que le ofreciera apoyo. El haber compartido unas cuantas noches de trabajo no le quita que sea la culpable de todos sus males.

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Con respecto a Janine, encuentro un poco inverosímil tanta flexibilidad por parte de todos. En los primeros episodios era prácticamente imposible que las criadas tuvieran una conversación fluida sin agresiones de los guardas, y ahora charlan de forma cotidiana en el mercado y en medio de la calle, June incluso reprende a quien las vigila para que no intervenga en la crisis de Janine. Aparte de Serena que está en evolución hacía lo que la llevara probablemente a formar parte de la revolución contra Gilead, no veo porque los demás personajes cederían para que Janine viera a Charlotte/Angela; sabemos lo estricta y consagrada al Estado que ha sido desde siempre Tía Lydia, y lo desagradables que son los Putnam que no consideran que esa bebé sea hija de la criada, para ellos solo era un útero andante o una boca para hacer felaciones. No lo niego, es muy conmovedor verla con su hija en brazos cantando I Only Want to Be With You, pero dentro del panorama de Gilead no tienes sentido.elcuentodelacriada lascosasfelices2 1

No puedo no comentar un detalle que me llamó mucho la atención, el momento en que Waterford expulsa a Serena del estudio. Para mí esto fue una referencia a Una Habitación Propia de Virginia Woolf. Fred la está despojando del lugar que ha hecho suyo y en el que en los últimos días le ha sido posible volver escribir y con ello recobrar su fuerza. Por último, hablemos de Eden. Esta niña es una bomba de tiempo y en algún momento va a dar muchos problemas, pero es que no hay manera de culparla: le lavaron el cerebro para que creyera que lo más importante en su vida era la aprobación de su esposo, y al no recibir lo que cree que necesita, se está llenando de frustración. Realmente creo que no leyó las cartas porque es demasiado devota, pero de ninguna manera va a olvidar que en ellas había algo que Nick quería mantener oculto a toda costa.

 

Inteligencia

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El noveno episodio fue grandioso, ver como Serena vivió el contraste entre Canadá y Gilead me encantó. Creo que fue hasta que tuvo la libertad que perdió frente a sus ojos, que pudo dimensionar realmente lo oprimida que está y lo extraña que es la sociedad en la que vive. Esa visita va a lograr que deje de una vez por todas de justificar todas las restricciones que se le han impuesto, la mujer necesita desesperadamente escribir. El que Fred la obligara a acompañarlo en el viaje después de la paliza que le dio, fue lo mejor que podría pasarle, fue el acicate que necesitaba. Sé que parte de ella pensó en dejarlo todo y aceptar la propuesta del representante del gobierno americano. A propósito de esto, alguien por favor dígale a los estadounidenses que se inventen un gentilicio adecuado que los represente, porque los suramericanos y centroamericanos también son Americanos, es más, ni siquiera son Norteamérica. El subcontinente lo comparten con Canadá, México y Groenlandia.

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Volviendo a la trama, démosle una ovación de pie a Nick. El hombre se portó a la altura, y debo admitir que dudé de él. Estaba convencida de que no le iba a dar a June el mensaje completo de Luke. Para él no debió ser fácil pero demostró que realmente la ama, se puso en un gran riesgo al entregar esas cartas, Fred estaba dudando de él hace unos cuantos episodios y con esto, seguro lo volverá a hacer, además cuando el rumor de las cartas llegue a oídos de Eden, ella va a hacer memoria, y con mayor motivo aún si desarrolla un vínculo con el nuevo guarda que hasta ahora es la única persona en esa casa que le da un mínimo de atención.

Luke y Moira me movieron bastante los sentimientos en este capítulo. La rabia e impotencia de tener en frente al violador y raptor de tu esposa, y no poder hacer nada al respecto es inimaginable, y más si encima te enteras de que ese hombre la embarazó. Puede que hayan ganado una batalla contra Gilead, pero a fin de cuentas June y Hanna continúan al otro lado de la frontera, y Waterford volvió sano y salvo a casa.

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A lo largo de esta serie se me han empañado los ojos más de un par de veces, he tenido un nudo en la garganta durante varias escenas, pero por alguna razón fue Moira y el cartel con su nombre quienes me hicieron llorar de verdad. Luego de estar atada al papel de “Ruby” que le impusieron en Jezebel’s aún después de conseguir huir. Es muy poderoso y conmovedor verla sujetando ese cartel con su nombre real. Me parece muy valioso el valor que le da esta serie a la identidad.

June no se queda corta en su capacidad de conmovernos, la búsqueda de madrinas para su bebé luego de la noticia de que no le permitirían ni amamantarlo, fue una muestra de generosidad tremenda. No puedo describirla mejor, está pensando única y exclusivamente en el futuro de su hijo, preocupándose desde ya en qué tipo de persona va a ser, intentando garantizar su bienestar aunque ella no pueda verlo crecer. Esto me hizo reflexionar sobre el argumento ridículo de los homofóbicos cuando argumentan que un niño no puede ser adoptado por dos personas del mismo sexo porque necesitan un papá y una mamá. A lo largo de nuestras vidas tenemos varias figuras maternas y paternas aparte de nuestros padres, todo el tiempo estamos recibiendo influencias de personas cercanas con las que creamos vínculos estrechos que poco tienen que ver con lo genes que tengamos o no en común.

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Aún nos quedan unos cuantos episodios para el final de temporada, pero se acerca. Estoy ansiosa por ver la evolución de Serena y las consecuencias del chasco en Canadá para Waterford y Gilead. Disfrute mucho la forma en que fueron expulsados. Por el momento no hay más que decir, que la fuerza les acompañe.

Las 10 películas imprescindibles sobre fútbol

Si alguien creyese que el cine es un reflejo de la realidad, a juzgar por el número de películas sobre fútbol que hay, pensaría que este deporte es una afición menor que pasa desapercibida para la sociedad. Nada más lejos de la realidad claro, pero se ve que el tema no llama la atención a la gran industria de Estados Unidos. No obstante hay muy buenas cintas que vamos a destacar en esta lista de las 10 películas imprescindibles sobre fútbol.

Antes de empezar recuerda que si lo prefieres puedes ver el artículo desarrollado en formato vídeo.

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1 The Dammed United. 2009

Comenzamos con una película del país que vio nacer a este deporte. The Dammed United cuenta la historia del controvertido Brian Cloughs, que solía acabar peleándose con los dueños de los clubs es conocido por sus éxitos como entrenador con equipos como el Derby County y el Nottingham Forest, a los que llevó desde la Segunda División de Inglaterra a ser de los mejores equipos de Europa de la época. Previamente también fue un excelente jugador. En la película vemos cómo entrena un equipo y los problemas que eso conlleva.

2.Quiero ser como Beckham (Bend It Like Beckham). 2002

Injustamente ignorado el fútbol femenino es tan espectacular como el masculino, y si no te lo crees te recomendamos esta película en la que una hija se enfrenta a sus padres para cumplir su  sueño de ser una estrella del fútbol. Aunque la película destila tópicos de autosuperación es recordada como una de las mejores sobre este tema.

3. El milagro de Berna (Das Wunder von Bern) 2003

Fútbol y un contexto histórico único. Tras las Segunda Guerra Mundial Alemania está dividida despojada de su identidad, cargando con la culpa de todo lo acontecido. Durante la década posterior al conflicto muchos prisioneros vuelven a su país y tienen que luchar para sacar sus familias adelante. Un padre de familia que, debido a los años de ausencia, tiene que ganarse la confianza de su hijo de nuevo y hace lo imposible por llevarle al Mundial de Fútbol de Suiza, donde juega un amigo. Alemania, que desde entonces está siempre entre los posibles ganadores de las grandes competiciones, se hace con el título alegrando a un país deprimido.

4. Días de fútbol. 2003

https://www.youtube.com/watch?v=-o70Ign6C_4&t=2s

En España, como es de esperar, también se han grabado cintas en relación al deporte rey, como es el caso de Días de fútbol. Un grupo de treintañeros quieren cambiar su aburrida vida. Como se sienten unos fracasados deciden montar un equipo de fútbol para sentirse como cuando eran jóvenes y, de paso, ver si ganan algo, atrapando a todo su entorno en la emoción.

5. Shaloin Soccer (Siu Lam juk kau) 2001

Esta es posiblemente la cinta más diferente de esta lista, pero creedme, merece la pena verla porque se sale de todo lo preconcebido en cuanto a fútbol. Si has visto Kung Fu Sion, de los mismos productores, sabrás de lo que hablo. Humor, superpoderes basados en artes marciales y una competición de fútbol. Vale que no representa un partido real, pero es una película muy entretenida.

6. Hooligans (Green Streets Hoolingans). 2005

Por desgracia no podemos obviar el lado más triste del fútbol, el de la violencia y los aficionados que llevan todo al extremo, contaminando una afición. Aunque el término hooligan nació en Inglaterra es cierto que en todos los países hay seguidores de un equipo que con la premisa de apoyar sus colores acaban ejerciendo una violencia extrema. En esta película vemos como Frodo, digo Elijah Wood, se adentra en una banda que poco a poco acaba le convence de la utilidad de sus métodos.

7. Buscando a Eric (Looking for Eric). 2009

Eric es un fanático del fútbol y es lo único que le mantiene la moral a flote debido a que se encuentra en medio de una gran crisis. Para salir delante de esa fase de su vida decide aceptar los consejos y ayuda de un entrenador que le ayudará a salir adelante: Eric Cantona. Sí, el ex jugador francés hace de él mismo en esta cinta que combina drama, humor y fútbol.

8. El penalti más largo del mundo. 2005

Volvemos a España en una cinta en la que un portero bastante malo, que de hecho ni es titular, se ve en la circunstancia de tener que parar el penalti más importante para su equipo. Mención especial al actor Fernando Tejero, que parece una copia del Mono Burgos, uno de los guardametas más peculiares de los noventa.

9. Fuera de Juego (Offside). 2006

Fútbol y denuncia social, dejando ver uno de los problemas que a día de hoy sigue pasando en muchos países: las mujeres no pueden entrar a ver partidos de fútbol. La película cuenta como un grupo de aficionadas hace lo imposible para colarse en un estadio.

10. Evasión o victoria (Victory) 1981

Evasión o victoria es posiblemente la película más famosa sobre fútbol. Silvester Stallone, Michael Caine y Pelé jugando juntos en el contexto de la segunda Guerra Mundial. O sea, actores de gran renombre y el jugador más famoso de toda una generación interpretando a unos jugadores en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Los soldados de un campo de prisioneros nazi montan un equipo de fútbol para entretenerse y los oficiales alemanes piensan que es una buena idea montar un partido entre los soldados de los dos ejércitos. Un partido muy espectacular y esperado en el que hay un segundo plan de fondo: fugarse. ¿Preferirán ganar y humillar a los nazis o irse sin más?

15 películas para enamorarte del cine. Años 70

Este artículo tiene un triple propósito. En primer lugar, puede suponer una especie de guía de iniciación para aquellos que disfruten del cine pero no se atrevan a ver nada anterior a 1980. En segundo lugar, esta es una lista personal, basada en mi propia experiencia como cinéfilo. Algunas de estas películas contribuyeron a que mi amor por el cine se consolidara y, como articulista de Lascosasquenoshacenfelices, que menos que compartirla con personas que, a priori, puedan disfrutarlas como yo. Por otro lado, al ser una lista totalmente subjetiva, me gustaría que otros cinéfilos compartieran en sus comentarios qué películas desataron su amor por el séptimo arte, pese a que no aparezcan en esta lista.

Por lo tanto, esta no es una lista sobre las mejores películas de los años 70. Más bien, es una lista sobre aquellas películas que, siendo más o menos buenas que otras obras maestras contrastadas, considero que hay que verlas, al menos, una vez en la vida. Estoy seguro de que todo lector que le guste ir al cine actual puede disfrutar muchísimo con, al menos, cinco de las películas de la lista.

Si este artículo fuera de vuestro agrado, me comprometo a hacer lo mismo década a década. Pero vamos por partes. Comenzamos.

Grosso modo, los años 70 es una de las etapas fundamentales en el cine británico y norteamericano. Aunque daría para un artículo, básicamente se produjo un choque entre los nuevos directores procedentes de la televisión y ajenos al sistema de estudio (Martin Scorsese, George Lucas, Steven Spielberg, etcétera) y los veteranos directores clásicos que daban sus últimos coletazos en esto de la dirección. Por lo tanto, es la década en la que algunos géneros desaparecerían por un tiempo, como el western o la aventura, y aparecería el blockbuster tal y como lo entendemos hoy día, con Tiburón, Star Wars o Superman. Tras esta pequeña introducción, vamos con estas 15 películas que puede salvaros una tarde o noche que no sepáis que ver y, en el mejor de los casos, puede marcaros de por vida. En el peor, una buena siesta nunca viene mal.

La lista no está ordenada por orden de calidad, si no cronológicamente.

PD: la imagen principal del artículo es de una de las películas más conocidas de los 70: Apocalypse Now. Y no, no está en la lista. Mejor disfrutar de ella más adelante.

1.EL PADRINO (1972), LA OBRA MAESTRA ABSOLUTA.

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El Padrino narra la historia de una familia mafiosa italoamericana durante los años 40 en Nueva York. Vito Corleone es el patriarca que maneja los negocios de la familia con mano de hierro. Tiene tres hijos: Sonny, su violento primogénito; Fredo, cobarde y enfermizo; y Michael, inteligente pero que no quiere ni oír hablar de mafia.

Para los: amantes de las películas de gángsters…o del cine en general.

¿Qué es lo que tiene El padrino para ser considerada como una de las mejores películas de la historia para casi todo el mundo, la haya visto o no? Respecto a los que no la han visto pero, aún así, lo afirman con rotundidad, la razón es tan sencilla como asomarse al top Filmaffinity. Sin embargo, para los que la han visto, la razón sigue siendo igual de obvia.

El padrino no es mi película favorita, pero si se pudiera valorar objetivamente todos los aspectos de una película, esta sería una de las pocas que tendría un 10 como una catedral de grande. Las interpretaciones son extraordinarias, la música es inmortal y el guión, aparte de sus míticas frases, es un prodigio de progresión narrativa. A diferencia de El precio de poder o Uno de los nuestros, El Padrino otorga una visión más propia de Shakespeare al mundo de la mafia. Sí, dura 3 horas y pico y, por tanto, puede ser la menos digerible de esta lista. Pero si se incendiara mi casa y solo pudiera llevarme una película, sería esta.

  1. LA HUELLA (1972), EL GIRO DE GUIÓN HECHO PELÍCULA

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Un prestigioso escritor de novelas policiacas y amante de los juegos de ingenio cita al amante de su mujer para proponerle un plan del que ambos pueden salir beneficiados.

Para los: amantes de la intriga con sorpresa.

Todo aquel que haya disfrutado con Shutter Island, The game, Perdida u otras películas con gran giro de guión se lo pasarán en grande con la magnífica trama de La huella. Para mí, la mejor película con giro sorpresa de la historia. Solo hicieron falta un gran director del cine clásico, el interior de una casa y uno de los mejores duelos interpretativos de la historia: el inmortal Laurence Olivier, uno de los grandes actores-directores del cine clásico; y el gran Michael Caine, el Alfred de la trilogía nolaniana de Batman. Es una película que atrapa, que engancha y que, sin ninguna duda, crea afición al cine.

  1. EL GOLPE (1973), LA MADRE DE TODAS LAS ESTAFAS

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En la Chicago de los años 30, dos timadores intentan estafar a uno de los mayores capos de la ciudad, en venganza por la muerte de un amigo común.

Para los: amantes de las películas de estafadores/magos/ladrones con sorpresa.

Ocean´s Eleven, Ahora me ves… todas ellas son deudoras (y mucho menos creíbles en su trama) de El golpe, una película en la que se plantea una estafa en la que es tan importante el cómo se hace que el resultado final. Por ello, aguanta todos los visionados que se quieran dar. Además, aparte de la mítica partitura de Scott Joplin, tenemos a dos de los más grandes actores de Hollywood: Paul Newman y Robert Redford codo con codo. Mientras las películas de estafas de ahora abogan por los giros absurdos y los trucos imposibles, El golpe es más de timos tradicionales: cartas, negocios aparentemente perfectos…

  1. CHACAL (1973), ¿CÓMO EVITAR EL ASESINATO PERFECTO?

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La inteligencia francesa descubre que existe un complot para asesinar al presidente De Gaulle. El asesino a sueldo recibe el nombre de Chacal.

Para los: que busquen un thriller político a lo Bourne.

Al igual que con La huella, Chacal fue uno de los últimos coletazos de otro de los grandes directores clásicos de Hollywood: Fred Zinneman. Adaptando un novelón de acción y espionaje, Chacal es una intriga absorbente que trasncurre a dos tiempos: por un lado, las andanzas milimétricas del asesino y, por el otro, la investigación para atraparlo. Engancha la (casi) perfección del plan.

  1. ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS (1974), ¿QUIÉN ES EL ASESINO?

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Durante una noche en el Orient Express, un pasajero muere apuñalado. El detective Hercules Poirot deberá resolver el caso en un tiempo récord, ya que el asesino es uno de los doce pasajeros del vagón.

Para los: amantes del misterio y, por supuesto, de las novelas de Christie.

La mejor adaptación que se ha hecho de una novela de Agatha Christie. A diferencia de la adaptación de hace un año, Asesinato en el Orient Express tiene uno de los mejores repartos de la historia (prácticamente todos sus actores tienen papeles míticos o premios Oscar) y el suspense está bien medido, sin momentos de relleno, ya que adapta fielmente la novela.

Asesinato en el Orient Express y otras películas basadas en novelas de Agatha Christie.

  1. TIBURÓN (1975), CUIDADO DÓNDE TE BAÑAS

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La playa de un pequeño pueblo costero estadounidense se ve atemorizada por la presencia de un gran tiburón blanco.

Para los: que quieran ver una película angustiosa.

El primer blockbuster de la historia. Steven Spielberg pasó del anonimato a la primera línea cinematográfica con una película que es puro homenaje a su maestro Hitchcock. El bajo presupuesto fue el detonante para una de las mejores virtudes de la película: el dosificar tremendamente la presencia del tiburón, aumentando aún más la angustia (siempre da más miedo la amenaza que no ves venir). La película provocó un efecto social tremendo, hasta el punto de que la afluencia de turistas en zonas de costa bajó considerablemente aquel verano.

  1. EL HOMBRE QUE PUDO REINAR (1975), LA ÚLTIMA GRAN AVENTURA

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Dos exploradores británicos en la India colonial del siglo XIX deciden marchar hacia territorios desconocidos. Allí, una tribu confundirá a uno de ellos con un dios.

Para los: que le gusten los territorios inexplorados y, en definitiva, la aventura.

Desgraciadamente, a pesar de algunos intentos como Piratas del Caribe, la aventura pura y dura desapareció hace mucho tiempo de las salas de cine. El hombre que pudo reinar es la última gran película de aventuras. Michael Caine y Sean Connery están perfectos como esos dos soldados caraduras, pendencieros, valientes y grandes amigos. El director John Huston no retrata a dos protagonistas honorables, si no a dos locos temerarios que aman el riesgo y la amistad por encima de todo. Magnífica.

  1. UN CADÁVER A LOS POSTRES (1976), LA MEJOR COMEDIA ABSURDA

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Parodia de las novelas de intriga. Un multimillonario reúne a los mejores detectives del mundo en una mansión donde deben resolver un asesinato.

Para los: que quieran una comedia paródica

Antes de Scary Movie estaba Aterriza como puedas, y antes de esta Un cadáver a los postres, una magnífica comedia que se ríe de todos los tópicos del cine y la literatura de misterio. Desde las particulares personalidades de cada detective a la figura del mayordomo como elemento sospechoso o al sorprendente culpable, esta desconocida película se merece mucho más reconocimiento del que tuvo en su época.

  1. LA PROFECÍA (1976), QUÉ NIÑO TAN MARAVILLOSO

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Un diplomático y su mujer adoptan a un niño que resulta ser el Anticristo.

Para los: amantes del terror satánico.

Hasta ahora, las películas que hemos visto pertenecen a géneros que, aunque la película sea clásica, son accesibles para todo el mundo, como es la comedia, la aventura o la intriga. Sin embargo, el género de terror sí que ha cambiado mucho. Los efectos especiales han provocado que las películas de ahora se decanten por el susto fácil que por la angustia constante. En ese aspecto, los que prefieran ese tipo de terror se verán defraudados ante cualquier película de miedo clásica. Sin embargo, hay películas que, pese a su antigüedad, han envejecido muy bien. Una de ellas es La profecía, película con niño satánico que contiene escenas muy míticas del cine de terror, además de una atmósfera siniestra y una música inolvidable, con un coro cantando canciones satánicas. Mal rollo.

10.EL FUERA DE LA LEY (1976), EL OESTE DESENCANTADO DE CLINT EASTWOOD.

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Joseph Wales es un antiguo soldado que tiene una granja con su familia. Cuando su mujer e hija son asesinados por renegados de la Unión, Wales se convierte en un forajido y en el último hombre en firmar el tratado de paz entre Confederación y Unión.

Para los: amantes del western

Pienso que es obligatorio poner al menos un western en cada lista. Al fin y al cabo, es el género cinematográfico americano por excelencia. Y Clint Eastwood su último gran representante. El fuera de la ley mezcla el tono crepuscular y el desencanto de otros western de los setenta con el aventurero de El hombre que pudo reinar. Es la historia de un hombre enfadado por la muerte de su familia. Y claro, por venganza comete actos que un ser humano racional no cometería. Si os gustan las películas o series del oeste, dadle una oportunidad. En general, concededle siempre una oportunidad a Clint Eastwood.

11.MARATHON MAN (1976), LA SOMBRA DEL NAZISMO ES ALARGADA

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Un universitario que está haciendo el doctorado comienza una relación con una extraña mujer suiza. Mientras tanto, su hermano, un espía estadounidense, sigue la pista a un antiguo jerarca nazi.

Para los: que quieran ver un thriller de calidad.

Marathon Man es un thriller setentero por encima de la media debido a la credibilidad que consiguen los excelentes actores. ¿Qué en una escena el actor tiene que parecer que escapa desesperado tras varios días sin dormir? Pues Dustin Hoffman, protagonista de la película, se pasó cuatro días sin dormir para interpretarla. Además, el mítico Laurence Olivier, del que ya hemos hablado en la huella, es el villano de la historia. Una película tensa y muy recomendable.

  1. STAR WARS EPISODIO IV: UNA NUEVA ESPERANZA (1977), EN UNA GALAXIA MUY MUY LEJANA…

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…Una princesa esconde los planos de un arma fatal para los rebeldes en dos androides que deben encontrar al anciano jedi Obi Wan Kenobi. Por el camino, se encontrarán con el joven idealista Luke Skywalker. Entre tanto, la princesa es interrogada por el temible Lord Vader.

Para los: que quieran evasión.

¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya de la saga más famosa de la historia del cine? Hoy día parece fácil, pero en una década en la que el realismo y el cine social predominaba por encima de todo, el éxito de una película con tiburón asesino dio alas a George Lucas para dirigir una película que mezcla filosofía samurái, aventuras de capa y espada, ciencia ficción y relatos pulp como Flash Gordon. Todo el mundo dice que El imperio contraataca es mejor…pero a mí siempre me gustará más Una nueva esperanza, porque se nota la ilusión que el director puso en ella y la magia que irradia un actor clásico como Alec Guinness hablando de la Fuerza como si fuera algo que conociéramos de toda la vida… no tiene precio.

¿Cuál es la mejor película de Star Wars para el staff de Lascosasquenoshacenfelices?

  1. ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO (1978), EN EL ESPACIO NADIE OIRÁ TUS GRITOS.

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La nave espacial Nostromo viaja de vuelta a la Tierra cuando detectan una forma de vida extraña en un planeta desconocido. La tripulación se dirige hacia allí para averiguar el origen de la señal.

Para los: que les apetezca ver algo de miedo.

Ni Gladiator, ni American Gangster, ni Thelma y Louise. Ni siquiera Blade Runner. Significados y mensajes aparte, la obra maestra del gran Ridley Scott es esta claustrofóbica película de terror donde la nave espacial es un cubículo sucio en el que el depredador perfecto amenaza a toda una tripulación. La credibilidad del reparto, el tenso suspense, las pocas apariciones de la criatura, la subtrama androide…todo es perfecto en una de las mejores películas de terror de la historia. Esta sí que se la recomiendo a todo el mundo, amante de los sustos o no.

Las 10 mejores películas de Ridley Scott

  1. EL CAZADOR (1978), ¡QUÉ PUÑETERA QUE ES LA VIDA!

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Tres amigos, obreros de la construcción y amantes de la caza, pasan sus últimas horas juntos antes de marcharse a la Guerra de Vietnam, un conflicto bélico que cambiará sus vidas para siempre.

Para los: que busquen un dramón que deje huella.

La película más indigesta y, tal vez, más necesaria de toda la lista. No es una película bélica. Tampoco habla en contra de la guerra, o al menos no principalmente. Es una película sobre la amistad, sobre cómo algunos obstáculos circunstanciales de la vida pueden hundirte en el fango. Sin embargo, también es un canto hacia el salir adelante, sea como sea. Es larga. Tan larga como maravillosa.

  1. FUGA DE ALCATRAZ (1979), EL MEJOR PLAN DE FUGA POSIBLE

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Historia real de los tres únicos presos que se han fugado de la isla de Alcatraz.

Para los: que quieran ver una buena fuga.

Una de las mejores películas carcelarias de la historia del cine. No es un drama, como Cadena Perpetua, si no la crónica de un plan perfecto. Clint Eastwood realiza un papel algo alejado de sus películas de acción setenteras y encarna al inteligente líder de los fugados. A lo largo de la película, observamos como poco a poco van planeando su fuga mientras evitan que los guardias averigüen sus planes.

Y hasta aquí, mis 15 películas para enamorarte del cine de los años 70. Espero vuestros comentarios y, dentro de un tiempo, años 60.

Sed felices!

Todo lo que sabemos sobre Jurassic World 3, el cierre de la trilogía jurásica

Si no has tenido suficiente con el estreno de hace unas semanas de la segunda parte de nuestra saga de dinosaurios favorita, ya se van conociendo detalles sobre la película que dará punto y final a esta trilogía de Jurassic World en el año 2021. Si aún no has podido ver Jurassic World 2: El reino caido, te aconsejo que no sigas leyendo, ya que este artículo está lleno de spoilers.  

Y si ya la has visto, puedes leer nuestro análisis de Jurassic World 2 El Reino Caído

Vuelta al origen y espera hasta 2021

Después de arrasar en la taquilla de todo el mundo con la secuela de Jurassic World, dirigida por el español Jose Antonio Bayona, ya tenemos datos de la próxima película, a pesar de que no se estrenará en España hasta el 11 de Junio de 2021. A pesar de las buenas sensaciones dejadas por Bayona, esta tercera entrega volvemos a tener a cargo de la dirección a Colin Trevorrow, quien ya dirigió Jurassic World y ha sido el guionista en las dos películas.

En cuanto a los protagonistas como no podía ser de otro modo, vuelven Chris Pratt y Brice Dallas Howard como Owen Grady y Claire Dearing. ¿Cuando vamos a tener a Chris Pratt como Indiana Jones? Otro de los fichajes que volveremos a ver y que sonará a los fans de la saga iniciada en 1993 será el actor Jeff Goldblum, en el papel de Ian Malcolm, el matemático que invitado a las expediciones de Isla Nublar (Jurassic Park) y cuatro años después en la Isla Sorna (Jurassic Park: El mundo perdido). Es de suponer que también veremos al resto de protagonista de JW II: la paleoveterinaria Zia (Daniella Pineda), el informático Franklin (Justice Smith) y a la nieta del Doctor Benjamin Lockwood; Maisie Lockwood (Isabella Sermon). Buenas vibraciones me dejaron tanto Zia como Maisie, papeles muy conseguidos, aportando a la trama. Me chirría más Franklin, de quien puedes intuir su desarrollo durante toda la película, un personaje demasiado estereotipado, aunque espero verlo en JW III, ante su mayor reto.

jurassic world 3 chris pratt

La Tierra Jurásica

Ahora empieza lo bueno, nada de parques, nada de islas. Ahora el campo de batalla es La Tierra. Seres humanos contra dinosaurios. La consecuencia que nos dejó el final de JW II y su genial escena postcrédito. Nos queda en que horizonte temporal estará ambientada JW III respecto a la anterior cinta. ¿Tendremos una cinta post-apocalíptica con una naturaleza devastada por los grandes reptiles? Poco probable lo veo, aunque sería interesante de ver ¿Se desarrollará poco tiempo después del final de JW II? Me parece lo más lógico.

En declaraciones para Entertainment Weekly,  Colin Trevorrow ha dicho lo siguiente: 

Si pusiera en contexto cada película, diría que Jurassic World era una película de acción y aventuras, El reino caido una película del tipo terror-suspense y Jurassic World 3 será un thriller científico del mismo modo en el que lo era Jurassic Park.

En otras declaraciones a Total Film, Trevorrow confirmó que nos tenemos que olvidar de los dinosaurios híbridos como el Indominus Rex o el Indoraptor, afirmando que volverán a contar con los clones de dinosaurios de toda la vida, optando por «recuperar la verdadera naturaleza paleontológica y salvaje de los dinosaurios». Por mi parte me parece una buena noticia, los dinosaurios molan ya lo suficiente como para tener que inventarse mezclas extrañas que ni de lejos superan al T-Rex, diplodocus o el velociraptor entre otros. Finalmente, el director también ha aclarado que JW III pondrá final a su trilogía jurásica. ¿Pero alguien duda que será el final de una saga de tanto éxito?

¿Qué esperáis como punto final a esta trilogía? ¿Podría convertirse en la mejor trilogía de dinosaurios del cine? Por mi parte espero que cierre completamente la historia de Owen y Claire. Un punto muy importante al que quizás no hemos prestado la suficiente atención es la clonación de Maisie Lockwood, ¿volveremos a ver a un nuevo clon humano? Creo que en JW II hemos visto el mejor uso de unos dinosaurios en el cine (aunque no es posible compararlo con la epicidad de ver los efectos en 1993 en Jurassic Park) y si hubieran logrado un guión más redondo y sin tantos agujeros podríamos haber logrado algo más que una película entretenida.

jurassic park 2 las cosas que nos hacen felices

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Reseña de Man of Steel#3 (2018): Una de cal y otra de arena

Es difícil introducir a un nuevo personaje en un universo compartido de ochenta años de edad, y más todavía que cause un verdadero impacto en la historia de la editorial. Para ello, muchos autores recurren a un truco algo burdo que, sin embargo, sigue utilizándose hoy en día: que dejen por los suelos o maten a un personaje ya existente para llamar la atención de los lectores. Ejemplos tenemos muchos: el Hulk Rojo matando a la Abominación, Superboy Prime acabando con la vida del Superman original, los Caballeros Oscuros sembrando el caos por todo el Universo DC… y, en la mayor parte de los casos, esta jugada no funciona: suelen pasar a la historia como héroes o villanos marginales, de los que algún autor se acuerda de vez en cuando, pero cuyo lugar en su universo ficticio no es ni mucho menos tan prominente como parecía al principio. Por eso resulta preocupante que Brian Michael Bendis haya hecho lo mismo con el nuevo antagonista Rogol Zaar.

Sin entrar en spoilers, este tercer número de Man of Steel conserva las virtudes del guionista, pero también muestra algunos de los defectos que, de forma generalizada, afectan al mundo del cómic.

Antes de comenzar os dejamos los enlaces a todos los números:

Reseña de Man of Steel#6 (2018): Un emotivo final para la primera historia de Bendis en Superman

Reseña de Man of Steel#5 (2018): El principio del fin

Reseña de Man of Steel#4 (2018): Es la hora de las tortas

Reseña de Man of Steel#3 (2018): Una de cal y otra de arena

Reseña de Man of Steel#2 (2018): El síndrome de los segundos números

Reseña de Man Of Steel #1 (2018): Bendis llega a Superman

 

Lo bueno: Superman y sus Superamigos

A Bendis se le da muy bien escribir diálogos, cuando no cae en sus tics habituales y extiende las conversaciones hasta la náusea. Sin embargo, cuando sabe contenerse, cada palabra que sale de la boca de sus personajes ayuda a conformar un retrato bastante fiable de lo que este guionista nos quiere transmitir. Esto resulta un problema cuando no conoce a estos personajes, como pasó con algunos de los miembros de Los Vengadores, pero no parece ser el caso. De momento, parece entender a la perfección el carácter de Superman, si bien es posible que tenga problemas con su historia.

Pero no solo trata bien al personaje principal, sino a sus secundarios. En este número, en el que Batman viene a Metrópolis para ayudar a Superman a investigar los incendios de su ciudad, vemos a un Bruce Wayne bastante más desenfadado del que estamos acostumbrados a ver. Quizás es porque se casa, pero incluso recurre al humor de manera discreta en una ocasión, hablando con la bombera Melody Moore. Este personaje también resulta interesante, mostrando el impacto que supone para una persona normal el encontrarse con estos superhéroes. Por supuesto, su interacción con los mismos no llega al nivel de obras como Marvels, pero resulta un bonito detalle.

Batman melody moore superman las cosas que nos hacen felices

Por lo demás, cabe destacar que el dibujo de Ryan Sook y Jason Fabok es más que correcto, aunque no llegue a los niveles del Ivan Reis del primer número. Además, el misterio sobre el paradero de Lois y Jon avanza de forma lenta pero proporcionando nueva información en cada número, algo que resultaría tedioso en una colección mensual pero que funciona en esta miniserie semanal.

Esto no significa que no haya problemas…

Lo malo: ¿Cómo hago que el villano imponga?

Eso debió de pensar Bendis cuando se disponía a escribir este número. Como comentábamos en la introducción, muchos guionistas deciden, simplemente, matar a un personaje ya conocido. Aviso de que entramos en terreno de SPOILERS, pero ha sucedido algo similar.

Bendis ha decidido eliminar la ciudad embotellada de Kandor, una de las figuras más importantes dentro de la mitología de Superman. Se trata de un reducto kryptoniano reducido y conservado por el villano Brainiac. Tras arrebatarle esta ciudad, Kal-El la guardó en su Fortaleza de la Soledad, y juró restaurarla algún día a su tamaño original. Este es uno de los fracasos que más ha atormentado a Superman, y autores como Grant Morrison han demostrado que se pueden contar grandes historias con esta ciudad aunque parezca un concepto anticuado. Por eso, su destrucción tendría que haber tenido un impacto mucho mayor.

superman pre crisis kandor las cosas que nos hacen felices

Sin embargo, no se ha mencionado esta ciudad durante ningún momento en los dos números anteriores, y ni siquiera hemos visto la perspectiva de los habitantes de Kandor al ser aniquilados por ese villano. Teniendo en cuenta que este elemento de la historia de Superman se ha usado poco durante los Nuevos 52, un nuevo lector puede llegar a sentir indiferencia por estos pobres supervivientes kryptonianos. Aunque hay que admitir que el equipo creativo logra captar correctamente la reacción del Hombre de Acero a esta tragedia, dejan poco tiempo para asimilarla. Enseguida pasamos a la acción, que nos espera en el siguiente número.

Conclusión

Aunque sigue sin ser un mal número, Bendis empieza a mostrar ese orgullo preocupante del escritor que llega a una colección y pretende ponerlo todo patas arriba: el rechazar aquellos elementos del personaje que le parecen obsoletos o que desconoce, en lugar de hacerlos evolucionar y adaptarlos al Siglo XXI. Hemos llegado al ecuador de la miniserie, y las cartas ya están sobre la mesa. Veamos cómo juega con ellas.

Análisis de Capa y Puñal (Cloak y Dagger) Temporada 1. Capítulo 2

Hemos podido disfrutar el pasado fin de semana del capítulo 2 de la nueva serie de Marvel Television, Cloak y Dagger: Suicide Sprints. Efectivamente, en varias ocasiones de este episodio vemos correr a Tyrone y Tandy, uno buscando encontrar la salida de la ira que lo invade desde que asesinaron a su hermano, y la otra huyendo de su presente, que se presenta arriesgado y peligroso. Al final, el camino de ambos se vuelven a cruzar, con peligro de muerte para uno de ellos.

Tandy y Tyrone aún no comprenden lo que ocurre con sus poderes sobrenaturales

El capítulo comienza con el hallazgo de la escena en donde Dagger (Tandy) hirió mortalmente al muchacho que quería cobrárselas. Una detective descubre en el suelo unas manchas de sangre, que vinculan directamente a Dagger con el crimen: en el momento que emergió la primera daga de luz, le hirió la palma de la mano.

Tandy está oculta en su dormitorio y contempla la profunda herida en su mano. Al mismo tiempo, Cloak (Tyrone) sigue sin comprender cómo escapó a la muerte, llevando consigo uno de los proyectiles que estaban destinados a segarle la vida. ¿Cómo llegó a su habitación llevando consigo aquella bala y un pedazo de cobertor plástico con el que pretendió esconderse del policía?

Tandy debe huir y Tyrone lucha por resolver la ira que lo ha acompañado los últimos ocho años

Dagger tiene un fuerte conflicto pues si el hombre que hirió aún vive, podrá identificarla; pero si está muerto… será la primera vez que ella haya matado a alguien. Su futuro parece empeorarse. Liam, su cómplice y novio le ofrece sacarla del atolladero: le conseguirá una identidad nueva y la ocultará por un tiempo. Cloak por el contrario trata de seguir su vida normal. La muerte de su hermano ocho años atrás a manos del detective arruinó la vida de toda su familia, pero poco a poco han comenzado a recuperarse, menos él, que sigue obsesionado con saber quién es el policía que disparó a su hermano. Visita al párroco de la institución donde estudia para encontrar una razón que justifique su búsqueda y sed de venganza, pero éste le pide con insistencia que tome medicamentos para controlar su ira, pero Cloak se niega a hacerlo: no toma ni alcohol.

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Mientras Dagger y Liam comienzan a buscar nuevos documentos para ella, Cloak ha vuelto a localizar al detective Connors, pero regresa al colegio a disculparse con su entrenador de baloncesto. Tyrone quiere volver a su vida normal. Dagger necesita mucho dinero para poder adquirir una nueva identidad, y va a su casa a buscar el botín que ha estado escondiendo en su mochila infantil durante algún tiempo. Sin embargo, se lleva la desagradable sorpresa de que su madre, una adicta a las drogas, ha cogido el dinero para comprar más estupefacientes, acabando con la posibilidad de que Tandy pueda arreglar más rápidamente su situación. Tyrone por su lado, es disciplinado duramente por sus otros compañeros de equipo. Mientras es golpeado cae junto a un cobertor plástico, recuerda lo que pasó la noche anterior en la bodega, y se lo echa encima, esperando ser teletransportado. Sin embargo, cuando se lo quita, sigue en el colegio con sus compañeros, y éstos vuelven a golpearlo de nuevo.

El desenlace de Suicide Sprints

La detective identifica a Tandy, y localiza su escondite en la iglesia abandonada. Espera afuera en su vehículo a que Dagger aparezca por allí. Pero Dagger está en una boda con Liam, tratando de conseguir el dinero que necesita para escapar con una nueva identidad. En estas escenas de la boda podemos apreciar la profundidad de la relación de Tandy y Liam.

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Pero ella decide terminar con él, algo que igual debe hacer pues ya tiene sus nuevos documentos de identidad. Finalmente Liam es detenido tras pasar por la iglesia abandonada. Dagger decide pasar página en esta historia.

Tyrone tiene una visión cuando su madre lo besa esa noche en casa. Puede ver el miedo terrible que ella tiene: perder a sus dos hijos. Enfurecido al enterarse de lo que atormenta a su madre, sale a buscar a Connors, armado. Este le abre la puerta de su casa y es perseguido y acorralado por Tyrone, quien le dispara. Pero la ira lo transporta involuntariamente, salvando a Connors de ser asesinado. Casualmente, es teletransportado hasta la carretera donde conduce Tandy, y es ella quien recibe el disparo. Presa del pánico, ella pierde el control del vehículo, se sale de la carretera y choca contra unos árboles.

Episodio entretenido en el que Tandy termina con su pasado, mientras que Tyrone aún sigue ligado al suyo. Se nos hace ver que tanto la familia de Tandy como la de Tyrone aún tienen alguna conexión con Roxxon. Al parecer ambas familias están demandando a esta empresa, aunque no nos queda claro por qué exactamente.

One Piece 908, el rey del mundo

Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 908 del manga, capítulo que resuelve alguna que otra incógnita ya muy teorizada (sí, exacto, la del personaje de capa) aunque deja en el aire un montón de asuntos de los cuales hablaremos hoy, entre ellos, la importancia de las armas ancestrales y su relación con este misterioso personaje. Comencemos.

PUEDES LEER AQUÍ TODOS LOS ANÁLISIS DE ONE PIECE

Fujitora con los reyes de Arabasta y Dressrosa

Pell, el halcón de Arabasta, dice a Vivi que su padre y Riku, rey de Dressrosa, han sido convocados a una reunión secreta por Fujitora. El detalle en sí es bastante extraño, pero hay una pieza que puede ayudar a encajar todo este asunto. Si recordamos hace tres capítulos, el diálogo de Green Bull con Fujitora, éste último decía que su intención es «destruir el sistema», algo que subraya el hecho del que ya eramos conscientes, y es que Fujitora es de esos marines que tiene sentido real de la justicia y no todo lo que hace el Gobierno o la Marina le parece «adecuado». Lo que yo creo, pues, es que en esta ocasión ha reunido a dos de los reyes que han tratado con Luffy y por tanto, que están en gran medida en contra del Gobierno, para proponerles la creación clandestina de una organización que destruya/remodele el Gobierno desde su interior.

Jewelry Bonney & Revolucionarios. Objetivo: Salvar a Kuma

Sabemos que la supernova Jewelry Bonney tiene el poder de cambiar su edad a su antojo (por eso siempre es joven), pero no puede cambiar su aspecto, ella sigue siendo la misma. Entonces es lógico pensar que Connie, la reina viuda que se nos presenta al principio, es ella en su estado envejecido y no otra reina por la que se esté haciendo pasar. La conclusión es clara: Bonney, a parte de pirata, es reina. Lo que sí vemos es que en cierto momento se infiltra en una zona prohibida a todo aquel que no sea tenryuubito, y todo para encontrar a Kuma.

Por otra parte, somos conscientes del estado de sometimiento de Kuma y de su anterior ocupación: sobre su nombre se menciona que fue el rey del reino Sorbet, el mismo del que Bonney es reina. Y teniendo en cuenta que Kuma ya no es él, sino un cyborg con otra consciencia (podría decirse que el verdadero Kuma está muerto) y que Bonney está viuda, no es muy difícil suponer que Bartholomew y Jewelry han sido marido y mujer tiempo atrás.

Sabo, segundo líder revolucionario y tres de los cuatro generales revolucionarios (Belo Betty no aparece) se han infiltrado en Mary Geoise con el fin de rescatar a su viejo amigo y camarada Bartholomew, al igual que Bonney, así que sospecho que sus caminos no tardarán en encontrarse.

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Bonney llorando por lo que están haciendo con Kuma

Im y Arabasta, reino de traidores

Un detalle bastante revelador del anterior capítulo fue que, de las supuestas veinte espadas que simbolizan los veinte miembros fundadores del mundo, solo podíamos contar diecinueve. En éste se nos ha dado la explicación: Arabasta, reino que colaboró en dicha creación fue el único de los veinte que decidió no permanecer en la Tierra Sagrada, sino que eligió bajar al mar y convivir como un igual entre los demás reinos ‘mortales’. El Gorosei los acusa por ello de traidores (o por haberse llevado un arma ancestral, de lo que hablaré más adelante), haciéndonos saber también que Cobra ha solicitado una reunión con ellos. En un primer momento pensé que podía ser la misma reunión que comparte con Riku, pero lo que no me encaja es que una ha sido convocada por Cobra y la otra por Fujitora.

Llegando al final del capítulo podemos ver de nuevo al misterioso personaje aparecido dos semanas atrás. Se llama Im y parece alguien extraño y solitario, a la vez que siniestro, puesto que rompe los carteles de recompensa que tenía (Luffy y Kurohige) y la foto de Shirahoshi. Sin embargo, cuando una persona le llama, se va con una foto intacta de Vivi y se sienta en el trono vacío (ya ha sido confirmado con esto que sí hay un Gobernador Supremo). El Gorosei se arrodilla ante Im y le piden que les revele el nombre de la luz que debe ser eliminada. Con luz es posible que se refieran a una persona, y el hecho de que Im se haya llevado con él la fotografía de Vivi sugiere la desagradable idea de que es ella su víctima. Aunque esto podría significar algo mayor…

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Im subiendo al trono vacío con la foto de Vivi

La luz, un nuevo Buster Call y el arma ancestral Plutón

Para construir esta teoría debemos remontarnos al arco de Arabasta. Como bien recordaréis, el fin de Crocodile era encontrar el arma ancestral Plutón, ubicado en algún recóndito e inaccesible lugar de Arabasta. Para ello, necesitaba descifrar un Poneglyph ubicado en la misma isla, trabajo para el que necesitaba a Robin. Ella lo leyó, pero nunca desveló lo que en él había escrito y Plutón nunca vio la luz.

Plutón es el barco más poderoso del mundo, capaz de destruir una isla entera de un cañonazo (en el arco de Water Seven Franky destruyó los planos, por lo que nunca se podrá construir un nuevo Plutón), y la Marina no está por la labor de que alguien la encuentre, pero saben que Robin es conocedora de su paradero, y no solo eso, sino que cualquiera podría encontrarlo averiguando la información que ella tiene. ¿Qué pretende hacer la Marina entonces?

  • Posibilidad nº1: Destruir del arma Plutón. Como desconocen su paradero, decidir destruir Plutón y todo lo concerniente a este arma significaría la destrucción total de Arabasta, es decir, una nueva Buster Call. Ocurriría con Arabasta lo mismo que sucedió hace 22 años con Ohara.
  • Posibilidad nº2: Hacerse con el arma Plutón. Para ello, igualmente deberían destruir Arabasta y dejar al descubierto la ubicación de ésta.

En este caso la luz no sería Vivi, sino el reino de Vivi, y el Gorosei tendría la orden (por parte de Im, claro) de enviar una Buster Call a Arabasta.

Otro punto que refuerza la teoría es que la otra fotografía que poseía Im era la de Shirahoshi, es decir, el arma ancestral Poseidón, lo que clarifica el hecho de que el Gobierno desea destruir o poseer las 3 armas (por lo de pronto las 2 conocidas).

Y hasta aquí el análisis de esta semana, podéis seguir mi cuenta de One Piece en el twitter @ReportKurohige. Nos vemos en el 909, en el ínterin, sed felices.

Fase Extra: Nuestros favoritos del E3 2018

Bienvenidos jugones y jugonas a una edición especial de Fase Extra en la que vamos a intentar dar un repaso no en forma de pildorita sino más bien de polvorón, no muy empalagoso, a lo más destacado del E3 de este año.

Eso sí, os dejo claro desde un primer momento que esta es una lista subjetiva y limitada de lo que a un servidor le ha parecido más interesante, y que pienso que a vosotros os puede interesar, en el caso de que no hayáis seguido el evento de cerca. De ninguna manera es una lista completa acerca de todo lo que ha acaecido durante el E3 ni pretende serlo, ya que en ese caso tendríamos al menos tres entradas bien largas y ni es plan ni es el objetivo de esta sección.

A partir de ahí, si sois fans de EA y consideráis flagrante la ausencia de algunos títulos como Battlefield V no saquéis las antorchas todavía porque la semana pasada ya hicimos un ligero repaso a la conferencia individual de la editora, la EA Play 2018, que podéis ver pinchando aquí, no por favoritismo sino porque era todo lo que teníamos del E3 en aquel momento. Como la lista de anuncios es extensa, os recomiendo que nos os deis un atracón y os veais todo en al menos un par de sentadas . Dicho esto, espero que disfrutéis de esta lista que a mi parecer engloba lo mejor que la feria por antonomasia del mundo de los videojuegos nos ha dejado este año. Disfrutad.

CYBERPUNK 2077

El nuevo de juego de CDProjekt RED, los desarrolladores de la saga del brujo Geralt ya se ha convertido en lo más visto del E3, y con razón, si no me creéis mirad el tráiler y decidid por vosotros mismos. Los integrantes de la prensa tuvieron la suerte de ver una demo de 50 minutos de este RPG en primera persona que les dejo patidifusos, aunque para el resto de los mortales pasará bastante tiempo hasta que podamos degustarlo. Las últimas noticias dicen que podría llegar en 2021, hasta entonces le seguiremos el rastro aún más de cerca.

ANTHEM

El último juego de la legendaria BioWare ha tenido gran preponderancia durante este E3, llegando a convertirse en uno de los títulos más vistos online. Esta nueva aventura, un looter-shooter de ciencia-mágica (¡lo dicen los desarrolladores, no yo!) contará con una parte en primera persona de un jugador dentro de tu base y un parte multijugador en el resto del mundo compartido, donde nos uniremos a otros jugadores al más puro estilo Destiny. No habrá romances ni el resto de los habituales elementos de los juegos clásicos de la compañía, algo que no gustará a los fans más hardcore, pero hay que reconocer que pinta muy bien. Lo tendremos la primavera de 2019.

FALLOUT 76

Bethesda Softworks nos regaló una de las conferencias más potentes de la feria, incluida ponencia excepcional de Todd Howard, una de las figuras más queridas de la industria que se explayó enseñándonos todas las funcionalidades en línea del nuevo Fallout 76, el primer juego de la compañía que contará con un componente de multijugador. El juego saldrá a la venta el 14 de Noviembre a escala mundial, pero la cosa no se quedó ahí, Howard también nos enseño un par de avances, uno de su nueva IP de ciencia ficción STARFIELD y un teaser del esperadísimo Elder Scrolls VI.

KINGDOM HEARTS III

El esperado título de Square-Enix también ha triunfado durante la feria, encontrándose entre los más vistos, y es que su impresionante aspecto gráfico y el protagonismo de personajes Disney como Elsa de Frozen, Rapunzel de Enrredados, Hércules y demás junto al regreso de clásicos como la nave Gumi parecen haber calado hondo tanto en los pequeños del hogar como en los grandes debido a la sempiterna nostalgia. La gran novedad que nos ha dejado este E3 es una fecha de salida (si, en serio, de verdad de la buena, no estás soñando) el 29 de enero de 2019.

SUPER SMASH BROS. ULTIMATE

Y por supuesto no podía faltar la buena de Nintendo con uno de sus buques insignia, el nuevo Super Smash Bros Ultimate no solo recibió un nombre oficial sino que nos sorprendió por su inmenso elenco jugable, todos (y digo TODOS) los personajes de la saga incluyendo a Solid Snake, Cloud Strife, Bayonetta, Shulk y el resto de personajes, incluyendo a los previamente descargables, serán jugables desde el primer momento y eso sin incluir las nuevas caras como los Inklings de Splatooon o Ridley, uno de los enemigos más famosos de la saga Metroid. El juego saldrá a la venta el próximo 7 de diciembre para Nintendo Switch.

THE LAST OF US PART II

El primer The Last of Us, que lleva ya más de 17 millones de unidades vendidas, nos contaba la historia con tintes maduros de dos supervivientes, Joel y Ellie, un hombre y una niña respectivamente, dentro de un mundo ‘zombie’ postapocalíptico y supuso el salto cualitativo final para que su desarrolladora, Naughty Dog, entrase por méritos propios en el Olimpo de los videojuegos.

No es de extrañar por lo tanto que su segunda parte fuese uno de los títulos más esperados de esta feria, y os puedo decir ya que no defraudó. No sabemos si el video de más de 11 minutos de gameplay y cinemáticas que se mezclan de forma perfecta que tenéis más arriba será representativo del producto final, pero si es así, dad por seguro que Naughty Dog está a punto de derribar otra barrera del medio porque esa calidad en todo no es normal. Sin palabras.

ASSASSIN’S CREED ODYSSEY

Solo un año después del laureado Assassin’s Creed Origins, Ubisoft nos trae la nueva entrega de la saga de los asesinos, esta vez situada en las costas mediterráneas de la antigua Grecia durante la guerra del Peloponeso en el 431 antes de Cristo. En esta nueva aventura, la más antigua cronológicamente hablando de toda la saga, tomaremos o bien el papel de Alexandros o de su hermana Kassandra, mercenarios que tendrán que ponerse de parte bien de Atenas o de Esparta.

Como curiosidad, llevaremos desde el principio un artefacto de la primera civilización, la lanza de Leónidas, que nos proporcionará habilidades sobrehumanas. Además, esta entrega marca la transición completa de la saga hacia el RPG y tendremos opciones de dialogo, decisiones que alterarán la historia y romances. No sois los únicos que estáis pensando que esto no se parece mucho a la saga Assassin’s, pero hay que reconocer que sea como fuere, pinta acojonantemente bien.

DEVIL MAY CRY V

Uno de los secretos a gritos del último año y, si me lo permitís, uno de los mejores tráilers de la feria para un servidor. Olvidaos de Ninja Theory y de su DmC, Devil May Cry vuelve por la puerta grande con Nero, Dante y un nuevo y misterioso personaje llamado ‘V’ en unos gloriosos 60FPS, gráficos de aúpa y con una técnica de captura facial que quita el aliento cortesía de la nueva RE Engine de Capcom. Este nuevo motor gráfico destaca por su uso de la novedosa técnica de fotogrametría que ya pudimos ver en RE7 y que volveremos a mencionar más adelante.

Hideaki Itsuno, el creador de DMC3 y 4 nos asegura que este es su mejor juego y el mejor de la saga, y teniendo en cuenta que es humilde como pocos y que la jugabilidad de DMC4 SE todavía no ha sido superada en el género de personajes de acción, la cosa no es baladí. Si os gusta repartir mandobles y disparos estáis más que de enhorabuena, vuelve el Rey.

BONUS: La canción del tráiler, el tema de combate de Nero que ya ha vuelto locos a los fans.

DEATH STRANDING

El nuevo juego de Hideo Kojima dejó, como no podía ser de otra manera, estupefacto a la mayoría del público no solo por su evidente calidad sino por lo aparentemente alocado de su propuesta. Todo el mundo se preguntaba ¿De qué va este juego? Y parece que hemos tenido una respuesta, al menos parcial.

Death Stranding parece centrarse en atravesar un enorme mundo abierto en el papel de Sam, personaje al que da vida Norman Reedus, el Daryl de The Walking Dead y que se dedica a realizar ‘entregas’ en este misterioso escenario donde las leyes de la física se han ido un poco al garete y en el que una extraña lluvia acelera la entropía y por ende el deterioro de personas y cosas. Sabemos que tendrá elementos de sigilo, acción y terror, pero aún no lo hemos visto todo su esplendor. Habrá que seguir esperando, eso sí, sublime en el tema de actores, actrices y escenas cinemáticas, muy en la línea del genio nipón.

RESIDENT EVIL 2 REMAKE

Otra de las estrellas que ha visto la luz este E3 ha sido el Remake de un clásico entre los clásicos del mundo de los videojuegos, Resident Evil 2, que nos hizo estremecer hace ya casi 20 años. El tráiler y una demo de 20 minutos de duración han inundado las redes y han dado un vuelco al corazón de todos los aficionados, ya que la calidad de lo visto va más allá de los sueños de muchos de nosotros, perfilándose como un juego completo con gráficos de nueva generación cortesía de la RE Engine de la que os hablaba más arriba, con actores que dan vida a los personajes de forma realista y una jugabilidad que vuelve a las raíces de la saga al más puro estilo survival horror además de una ambientación no solo comparable, sino posiblemente superior a la del original.

En definitiva, uno de los mejores juegos de la historia fielmente reflejado, mejorado y a punto de desplegar todo su potencial. Capcom, señoras y caballeros.

GEARS 5

La saga Gears (que ha perdido el ‘of War’ por el camino) sigue su marcha y Microsoft está dispuesta a convertirla en un nuevo Halo. Esta secuela del Gears 4 de 2016, creada por los chicos de The Coalition, continua la historia de la nueva trilogía y nos pone en esta ocasión en los zapatos de Kait, la fémina del grupo y primera protagonista de la saga, mientras busca respuestas sobre su línea de sangre.

Como novedad hay que decir que este Gears 5 revitalizara la saga con una historia más profunda, escenas dramáticas generadas a través de la tecnología de captura de movimiento y revitalizará el gameplay presentándonos nuevos sistemas de juego y un mundo semi-abierto mucho más acorde a tiempos actuales. Poco más que decir aparte de que pinta impresiónate, ¡Adelante Gears!

GHOST OF TSUSHIMA

La nueva IP de Sucker Punch ha debutado en materia jugable durante este E3, y hay que decir que nos ha gustado mucho lo que hemos visto. El tráiler nos muestra diferentes aspectos del gameplay de esta historia situada en el Japón feudal durante la invasión mogola, podemos montar a caballo, combatir como un samurái en duelos de espada que dejan sin aliento, e incluso infiltrarnos en territorio enemigo y completar objetivos de forma más sigilosa.

Un muy buen primer vistazo a un título que promete mucho.

MARVEL’S SPIDER-MAN

Si hay un juego esperado por los fans de los cómics, que me imagino seréis muchos si estáis leyendo esto, es el Spider-Man de Insomniac para PS4. Siguiendo la estela dejada por RockSteady con sus juegos de Batman Arkham, ha dejado con ganas de más y más a los aficionados desde su anuncio hace dos años, tras chorreón y chorreón de información.

Pues bien, este E3 hemos tenido ya el súmmum y hemos podido ver a Spider-Man infiltrándose en una prisión de alta seguridad en busca de Electro y teniendo que enfrentarse ni más ni menos que a Rino, el Escorpión, el Buitre y finalmente Mr. Negativo… ¡A la vez! ¿Tenéis ganas de verlo? Pues hincadle el diente al tráiler.

BEYOND GOOD AND EVIL 2

Como se esperaba, Ubisoft enseñó durante su conferencia el progreso de su Space Opera Beyond Good and Evil 2, la precuela del cautivador juego original de 2003 que recibió numerosos premios y nominaciones por su excelente calidad en todos los aspectos.

Esta precuela nos sitúa en un sistema solar nuevo y promete una experiencia tanto de un jugador como multi en un ‘vasto y fluido escenario online’. De momento no hemos visto mucho más allá de una demo técnica, pero los fans del original reconocerán a Zerdy y a una jovencísima Jade en el tráiler.

SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE

Y como colofón, es esperado nuevo juego de From Software, desarrolladores de la saga Souls y Bloodborne, del que tuvimos un corto teaser el año pasado y que hemos podido ver en todo su esplendor.

El juego nos aparta de las atmósferas medievales y góticas del resto de juegos de la compañía y nos trae al terreno asiático, con una estética basada en el Japón feudal que parece está volviendo a estar de moda. Nuestro protagonista será un Ninja con partes prostéticas y el juego estará más cerca del género de aventuras, tipo Onimusha, que de la típica formula Souls, ya que nuestro personaje estará predefinido, habrá un esfuerzo narrativo más importante y las batallas serán más espectaculares y pirotécnicas. El juego saldrá a la venta a principios del año que viene.

Y hasta aquí la extensa Fase Extra de esta semana, espero que no os hayáis aburrido y la semana que viene volvemos con un formato más normal, pero con contenido siempre interesante sobre esta industria en movimiento continuo. Hasta dentro de siete días y hasta entonces, y como siempre, sed muy felices.

 

 

Reseña de X-O Manowar. Tomo 1: Soldado. Un nuevo comienzo en tierra extraña

Introducción

En el mes de mayo de 2018, Medusa Cómics ha publicado X-O Manowar: Soldado. Se trata del primer tomo recopilatorio de una nueva etapa, que Medusa ha estado sacando en grapa desde mayo de 2017. Una nueva etapa, de uno de los personajes más populares del Universo Valiant, a cargo de Matt Kindt, Thomas Giorello y Diego Rodriguez.

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X-O Manowar. Tomo 1: Soldado contiene los tres primeros números de la mencionada, su primer arco argumental. Además de extras. Estos son: Un número especial de promoción de la cabecera, con motivo del día del cómic gratis, así como una entrevista a su guionista, Matt Kindt, acompañada de diversos fragmentos del guión, bocetos y diseño de personajes de Thomas Giorello y Diego Rodriguez, dibujante y colorista, respectivamente, de la colección. También muestras del trabajo de Lewis LaRosa, portadista de X-O Manowar. Todo ello extraído del X-O Manowar (2017) Preview de Primavera y de X-O Manowar (2017) nº 2 Edición preventa. Más la obligada sección de portadas alternativas.

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¿Quién es X-O Manowar?

Si has llegado hasta aquí es posible que estés pensando ¡Vale Adrián estos que me estás contando es muy interesante pero …. ¿Quién es X-O Manowar?! Paciencia, ya llego. X-O Manowar es un personaje creado por Jim Shooter, Bob Layton, Steve Englehart y Barry Windsor-Smith en X-O Manowar #1 (1992).

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Conocido el buen hacer de los autores implicados, no es de extrañar que X-O Manowar se convirtiera, junto con Ninjak, en emblema de la editorial y mantuviera su cabecera, a pesar de las turbulencias empresariales de Valiant. Hasta llegaría a tener su propio videjuego, con Iron Man, en el tiempo en que Acclaim se hizo con Valiant.

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La última versión del origen de nuestro protagonista, la del actual Valiant, Valiant Entertaintment, muestra a X-O Manowar como el visigodo Aric de Dacia, heredero al trono de su pueblo. Su vida se resumía en continuas luchas con el entonces Imperio Romano, en la Europa del siglo V d.C. Todo eso cambiaría al ser secuestrado por La Vid. Una brutal raza de colonizadores alienígenas, que lo esclavizó. Su huida sería posible gracias al robo de una de las reliquias de estos seres, la armadura inteligente X-O Manowar. Con ella Aric regresó a La Tierra, sólo para descubrir que habían pasado 1.600 años desde su secuestro y que ahora se encontraba en una época que no era la suya, en el Siglo XXI.

El actual equipo creativo ha vuelto a jugar a poner al personaje en un contexto distinto, pero esta vez no se trata de una época diferente, sino de otro mundo. Un mundo en el que la fantasía heroica y la ciencia ficción se funden, lo que puede dar mucho juego, tanto en lo que se refiere al entorno en sí como a los seres que lo pueblan.

En dicho planeta, el Planeta Gorin, Aric ha iniciado una nueva vida como granjero, lejos de sus responsabilidades pasadas y de su armadura. Pero las circunstancias pronto le harán descubrir que los conflictos también están presente en este mundo y que él parece abocado a participar activamente en ellos.

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Conflictos en la forma de un ejército alienígena, la Nación Celeste, que son los que reclutan a Aric para que les ayude a derrocar a la clase dirigente del planeta, los Cadmios, de los que X-O Manowar descubre que tienen más en común de con los Romanos de lo que le gustaría recordar.

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Tampoco es que los rebeldes se comporte de forma muy noble, reclutando forzosamente a campesinos como carne de cañón, para reservar a sus ejércitos de cara a usarlos en el momento que consideren oportuno. La guerra es así de sucia y nuestros autores no tienen ningún reparo en mostrarla con toda su crudeza.

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Pero Aric es más que un peón de usar y tirar, por lo que no tardará mucho en sacar partido de su situación y encontrar un lugar en el ejército celeste.

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Valoración personal

X-O Manowar. Tomo 1: Soldado tiene el problema de que no es el inicio de una nueva colección sino un nuevo comienzo, en el que ya el personaje tiene un pasado, lo que puede despistar a nuevos lectores y que tengan la sensación de que han entrado con la película empezada. A este respecto hay que decir que Kindt ha dispuesto las cosas de tal forma que uno pueda ir conociendo al personaje, poco a poco, tanto a través de su relación con los diferentes nativos a los que va tratando en este Mundo en Guerra como por su relación simbiótica con la armadura X-O Manowar. Esta le irá recordando que lleva la guerra en la sangre y que, por tanto, la necesita. Dichos momentos introspectivos pesan tanto como la acción y son igual de interesantes.

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Aunque, desde mi punto de vista, nada más que por el magistral dibujo de Giorello merece la pena darle una oportunidad a este título. Título que se sigue perfilando como una de las grandes apuestas de Valiant. Muestra de ello es este vídeo, a modo de trailer, de su número uno.

 

Cierre: Más posts de Valiant

Cierro este post recordando y recopilando el resto de nuestros posts sobre Valiant, por si quieres saber más de otras colecciones de este Universo de ficción.

¡Ya sabes, trata de ser feliz, comparte y lee cómics! ¡Muchas Gracias y un abrazo!

Lo mejor de la semana en cine y TV: Affleck excluído, el amor entre Disney y Fox en apuros, los dos Joker, reacciones a puerta cerrada y los planes de George Lucas

Bienvenidos una semana más a Lo mejor de la semana, sección donde os intentamos animar un domingo y ahora con el doble esfuerzo pues ha llegado el calor y se hace más insoportable. Esta semana tenemos un poco de todo: X-Men, la compra de Fox por Disney, George Lucas y sus Midiclorianos, pero no tenemos a Snyder, en su lugar tenemos a SAD AFFLECK. Estaba esperando el momento para usarlo de nuevo.

SNYDER EXCLUÍDO, DIANE EXCLÚDA, AFFLECK… ME GUSTA COMO JUEGAS POR ESO ME CUESTA MÁS EXCLUIRTE

El futuro de Ben Affleck en el DCEU es una incógnita más grande que la de si este universo expandido se llama DCEU. El barco de Warner y DC va a la deriva, con un capitán que no sabe qué hacer y con una tripulación que no hace nada, a excepción del pequeño grupo de Patty Jenkins y Gal Gadot. A pesar de contar con superhéroes conocidísimos dentro de la cultura popular contemporánea, ninguno sabe cómo usarlos, y sino que se lo digan al pobre Batman.

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Nolan y Bale abandonaron al enmascarado allá por 2012, y Affleck retomó la capa. Sí, era demasiado mayor, pero el entrenamiento físico del actor parecía indicar lo contrario. Sin embargo, para un universo expandido como este donde mínimo te puedes tirar 10 años interpretando a un personaje, y sino que se lo digan a Robert Downey Jr., Affleck era muy mayor para el proyecto. Es por ello por lo que parece que Matt Reeves, el director encargado de la próxima cinta en solitario del hombre murciélago, parece que ha eliminado a Affleck del reparto en su guion, vía Hollywood Reporter:

«Tendríamos un nuevo Batman, más joven en este universo. THR avanza que Matt Reeves ya entrego el primer borrador de un nuevo guión de ‘The Batman’, el cual cuenta la historia de un joven Batman, lo cual hace que el regreso de Affleck sea descartado».

LA COMPRA DE FOX POR PARTE DE DISNEY EN APUROS

Imaginad a los X-Men y los 4 Fantásticos junto a los personajes del MCU, a excepción de los que Soy se guarda con recelo, pues lo mismo tendremos que seguir esperando y quizá nunca lo veamos.

El acuerdo entre Disney y Fox por la adquisición de los derechos de esta última en materia de cine y televisión, se ha topado con un duro competidor: Comcast. Como ya comentamos a comienzos de año, esta compra estaría parada hasta que el gobierno de Estados Unidos deliberara si la fusión de AT&T y Time Warner se hacía oficial. Así pues esta semana dicha adquisición ha salido adelante y Comcast, competidora de Disney, ha decidido ofrecerle a Fox una suma cuantiosamente más grande que la de la casa del ratón Mickey. La cifra actual asciende a 65 mil millones de dólares que Fox tiene sobre la mesa.

Ahora Disney está en una encrucijada pues tiene poco tiempo para ofrecer una cantidad aún mayor que la ofrecida por Comcast y esperar que esta no vuelva a poner un nuevo cheque sobre la mesa. ¿El motivo de tanto rollo? Comcast no dispone de lo que da dinero ahora, los superhéroes, pero la razón más importante es puramente de control. Comcast y Disney se disputan actualmente el primer y segundo puesto en la lista de empresas mediáticas con mayores ingresos y si Disney adquiere Fox la colocaría en la cima indiscutible.

PHOENIX A ESCENARIO

Volvemos al DCEU, seguiré usando este nombre hasta que se confirme cómo se llama, con la apuesta por traernos dos Joker. ¿Alguien más lo considera una locura? La ventaja de la que siempre ha contado Marvel es que sus cintas son accesibles tanto para el lector como el que no ha leído un cómic nunca. Son interesantes, hiladas, no muy enrevesadas y muchas siguen un patrón similar. Introducir dos Joker en un mismo universo sería como meter a bote pronto a Miles Morales, Gwen Stacey y cualquier otro Spider-Man del Spiderverso en Vengadores 4.

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Usar dos Joker, Leto y Phoenix, es una apuesta arriesgada para un estudio al que no le van bien eso de «apuesta arriesgada». Se arriesgaron en Batman v Superman, lo volvieron a hacer con Wonder Woman y cerraron el pasado 2017 con Liga de la Justicia, y de 3 solo 1 ha ido bien. Pero volviendo a la noticia, mientras Jared Leto se queda con su particular Joker de cara a la segunda cinta de Escuadrón Suicida y, al parecer, alguna conexión con Batman, Joaquin Phoenix se encargará de llevar una cinta sobre el origen del payaso del crimen con un presupuesto bajo, de 55 millones de dólares. Así pues la cinta contaría con pocos alardes visuales y se centraría más en una película de gangsters dirigida por Todd Phillips (Juego de Armas, Resacón en las Vegas).

¡NO ME TOQUÉIS A MILLIE!

Esta quizá es una de esas polémicas que no ha salido al frente como otras, pero aun así es digna de mención debido a lo asqueroso que resulta y es que, ¿qué es lo peor de Internet? El anonimato y que es un pozo de odio desmesurado.

Esta semana Millie Bobby Brown, la adorable Eleven de Stranger Things, ha sido protagonista de varios memes racistas y homófobos contra la comunidad LGBTQ. La joven actriz de 14 años es conocida en Internet por su apoyo a esta comunidad y es por ello por lo que la actriz ha tenido que dejar su cuenta de Twitter a un lado debido a las continuas amenazas y menciones que estaba teniendo.

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Con el hashtag #TakeDownMillieBobbieBrown (Derribemos a Millie Bobbie Brown), la actriz se convirtió rápidamente en el foco de la pelea entre quienes saben que ella no es así y que los mensajes están photoshopeados y quienes querían seguir esta broma absurda porque, al fin y al cabo, parece que les da vergüenza ser homófobos. Así como los machistas en contra de Star Wars. Si es que todos caben en el mismo saco.

NOS VAMOS AL PASADO DE PONIENTE

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Esta semana, aunque en realidad fue el fin de semana pasado, hemos sabido que la primera serie spin-off de Juego de Tronos no seguirá las andanzas de ninguno de los personajes de la serie original ni de ninguna de sus familias, por lo menos los que no estuvieran vivos hace 12.000 años y es que sí, nos vamos al pasado, concretamente a la «era de los héroes«.

Aunque bueno, hay uno que sí que podría ser antagonista y es el Rey de la Noche pues al parecer la serie podría narrar la primera invasión de los Caminantes Blancos y que acabó con casi la totalidad de la vida en el continente.

Según recoge Variety, la serie spin-off podría contar la primera versión del héroe legendario Azor Ahai e incluso la creación del muro por Bran el Constructor. Sea como sea aún nos queda esperar pues hasta pasado un año del final de Juego de Tronos, HBO no lanzará la nueva serie.

DE UNA QUE ACABARÍA A OTRA QUE EMPIEZA

El mayor competidor de Juego de Tronos no ha nacido aún, y no lo hará hasta su muerte pues la serie sobre las obras de Tolkien ya tiene fecha de estreno. El mayor enemigo de esta serie, Juego de Tronos, llegará a su final el próximo año 2019 y este sería una de las grandes bazas a superar por Amazon, pero acabado el competidor, ¿qué problema hay?

Jennifer Salke, cabeza de Amazon Studios desde febrero de este año, ha comentado que están encaminando a la serie de cara a su estreno en 2021, aunque si la producción avanza correctamente, lo podría hacer en 2020. Así pues, Amazon no se encontraría con la asentada serie de HBO ni con su spin-off de frente sino que tendría mínimo un año para testear si la apuesta en la pequeña pantalla ha sido o no un éxito.

REACCIONES OFF THE RECORD

Con proyectos tan grandes es lógico querer tenerlo todo bien preparado y es que una película de superhéroes hoy día puede significar el fin o el resurgir de un estudio, y eso necesitan tanto Warner como Fox/Disney/Comcast (menudo lío hay ahí).

Esta semana hemos conodido que a puerta cerrada se ha enseñado el tráiler de Dark Phoenix, la nueva cinta de X-Men, y el montaje «definituvo» de Aquaman y no han ido nada mal.

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Por su parte, la nueva cinta de los X-Men ha sufrido varios varapalos desde su retraso. Con las, al parecer, manos de Disney en el ajo Dark Phoenix parece haber encauzado su camino y así lo recoge Comic Book Movie gracias al periodista Artur Chachelov:

«El thriller de ciencia ficción y acción ‘X-Men: Dark Phoenix’ tiene mejor aspecto del esperado. En la presentación, 20th Century Fox mostró su primer tráiler y huía de la melancolía del teaser y posicionaba el proyecto en una línea claramente heredada por las otras películas de los mutantes. Además, también se anunciaron otros proyectos del Universo Marvel como ‘Los nuevos mutantes’ y ‘Gambito’, pero no hubo material sobre ellos».

En la competencia, los directivos de Warner y DC Entertainment han podido ver el metraje de Aquaman gracias al director James Wan y parece que se han disipado las posibles dudas sobre su calidad:

«James Wan ha hecho un trabajo increíble con todo su equipo. La película te lleva a un lugar diferente y puedes imaginar el mundo submarino de una manera que nunca antes se había visto en la historia del cine. Toda la gran acción que esperabas, mucho humor y bastante bueno y funciona en todos los niveles. Es un testimonio de la visión única de James Wan y creo que va a suponer un paso extraordinario en lo que será el establecimiento de la dirección correcta del Universo DC».

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Aunque esto suena demasiado bien para creerlo, siempre podemos ilusionarnos hasta ver el resultado final. Además, esta semana el estudio y Entertainment Weekly han ofrecido las primeras imágenes de la cinta que podeis ver en nuestro Twitter.

LOS MIDICLORIANOS, MALDITOS MIDICLORIANOS

Es de todos conodido que George Lucas es como Dios, querido pero odiado a partes iguales. Gracias a él y su círculo trajeron hace más de 30 años la primera cinta de Star Wars, pero fue el mismo padre quien nos ofreció la nueva trilogía a comienzos de siglo, y no acabó por convencer.

Quizá sea porque a Lucas le ha apetecido a hablar o quizá por salir en defensa de su «hijo», pero esta semana ha decidido compartir que lo que ha hecho Disney no es tan malo como lo que podría haber hecho él:

«Las tres siguientes películas de Star Wars se iban a adentrar en un mundo microbiótico. Pero existe este mundo de criaturas que actúan de forma diferente a como lo hacemos nosotros. Los llamo Whills. Y los Whills son los que realmente controlan el universo. Se alimentan de la Fuerza. Si hubiera mantenido la compañía podría haberlo hecho. Por supuesto, muchos de los fans lo habrían odiado, como odiaron La Amenaza Fantasma y todo lo demás, pero al menos se habría contado toda la historia desde el principio hasta el final.»

El cómic de la semana: Darth Vader, Lord Oscuro

Anakyn Skywalker ha muerto. Darth Vader ha nacido, lleno de rabia, odio y dolor. Como todo Lord Sith, Vader necesita una espada láser, una de hoja color rojo carmesí. Una espada, como dice Palpatine, destinada a matar. Para eso necesita matar a un jedi en combate, arrebatarle su espada laser y corromper el cristal kyber que contiene. El problema es que los jedis casi se han extinguido y no resultará fácil encontrar uno.
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Esta es la premisa con la que el guionista Charles Soule inicia la segunda serie dedicada a Darth Vader desde que Marvel recuperó los derechos de la franquicia. Ambientada en una época muy anterior a la serie de Kieron Gillen y Salvador Larroca, Soule tiene un objetivo muy ambicioso por delante: narrar la conversión de Anakyn en Vader, conversión que no se refleja solo en lo físico sino también en lo psicológico y ya de paso contarnos una nueva versión de La Purga de los jedis, que ya vimos en los cómics de Dark Horse Comics. De momento llevamos tres números publicados en España y es algo pronto para una valoración global pero podemos decir que la cosa pinta bien. En cada número, Soule cuenta algo diferente, de forma que parece que la trama avanza sin estirarse demasiado. Además, es interesante ver a Vader enfrentarse a sus enemigos sin una espada láser. Parece también que se ha encontrado con un rival a su altura. Por si fuera poca, Soule promete que la serie enlazará con acontecimientos vistos en la serie de animación Star Wars Rebels, como el nacimiento de los Inquisidores, lo que supone un aliciente importante para los seguidores de la saga.
En la parte gráfica, Giuseppe Camuncoli cumple sobradamente con lo que esperamos de un cómic de Star Wars. Quien conozca su trabajo en Spider-Man ya sabe lo que va a encontrarse: una narrativa correcta y unos personajes fácilmente reconocibles. El italiano no es muy espectacular pero es capaz de facturar un trabajo correcto cada semana y eso siempre se agradece.
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En definitiva, Darth Vader, Lord Oscuro es una serie que promete y que no hay que perder de vista. Por el momento parece más interesante que la anterior serie dedicada al personaje, donde terminaron dando más protagonismo a los secundario (como la Doctora Aphra) que al propio Darth Vader. Además, el gran trabajo realizado por Charles Soule en otras series de la franquicia (como Lando) merece un voto de confianza. Un saludo, sed felices y que la fuerza os acompañe.
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Cerebus. Libro 1: las aventuras de un oso hormiguero

Cerebus, de Dave Sim, es uno de los hitos indiscutibles del cómic independiente americano, y una obra destacada del cómic en general. Laureado por autores como Alan Moore o Neil Gaiman, este tebeo conformado por trescientos números comenzó como una parodia de Conan el Bárbaro, pero evolucionó hasta tratar temas de mayor calado y experimentar con el lenguaje formal del medio. En esta ocasión comentaremos el primero de los «libros» o arcos en los que está dividida la historia del personaje, es decir, los veinticinco primeros números de su colección regular. Pero para eso primero hay que hablar de su autor.

La odisea de Dave Sim

El autor canadiense detrás de la creación de Cerebus es una personalidad de lo más polémica, pero también muy interesante. Hay quien ve en el protagonista de su obra maestra a un alter ego de sí mismo, y se le ha acusado de numerosos defectos personales y de imponer su ideología a su trabajo. Independientemente de la veracidad de estas afirmaciones, lo que nos interesa aquí es su faceta de guionista y dibujante.

A los veintiún años, siendo empleado de una tienda de cómics, a Dave se le ocurrió crear su propio tebeo con los escasos medios que tenía a su disposición. Tras el boom del underground a finales de la década pasada, y a pesar de las limitaciones que le dejaban en desventaja contra las dos grandes, un autor independiente podía crear su propio cómic si estaba dispuesto a invertir el tiempo y esfuerzo adecuados. Y, como veremos a continuación, el esfuerzo no es precisamente el punto débil de Sim.

El autor completo de esta historieta creó al personaje de Cerebus, un oso hormiguero con muy malas pulgas en un mundo de espada y brujería, como una serie cómica sin demasiada trascendencia que fue ganando popularidad en el mercado independiente. Sin embargo, tras ser ingresado por un mal viaje de LSD, experimentó una epifanía: usaría a esa parodia de Conan para contar la historia coherente de una vida hasta su muerte, produciendo un conjunto de 300 números con periodicidad mensual, y reflejando sus inquietudes sociales y políticas. Durante los veintisiete años que dura esta colección, dedicaría sus esfuerzos a contar las desventuras de este carismático animal.

Cerebus el Bárbaro

No fue ese el nombre que tenía la colección en un principio, sino Cerebus el Oso Hormiguero, pero bien podría haberlo sido. Cabalgando en un caballo a pesar de su baja estatura, la primera página nos muestra a un curioso personaje con cara de mala leche, una especie de antihéroe reminiscente de iconos como Conan o Kull, aunque sin los elevados principios que caracterizan a estos personajes. Inspirándose en Howard el Pato de Steve Gerber, y elevando hasta niveles estratosféricos su cinismo, este protagonista es un guerrero pero no un héroe ni un conquistador. Se trata de un pícaro en el sentido más amplio de la palabra, robando y timando a sus semejantes para subsistir y enriquecerse en un mundo despiadado.

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Sin ser nada del otro mundo, los primeros números constituyen una parodia más que correcta del género de espada y brujería, muy de moda durante la época gracias a Roy Thomas, John Buscema y un Barry Windsor-Smith que el primerizo Sim parece querer imitar. Personajes como Elrod, pastiche del antihéroe literario Elric de Melniboné, proporcionan a la obra un tono humorístico y agradable, pero los temas serios ya empiezan a tomar su lugar. La primera aparición de Jaka, bailarina exótica que se convierte en el amor platónico del protagonista, supone la primera historia con un final más o menos serio, en contraste con la comedia habitual. También es uno de los números más redondos de la primera decena.

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El dibujo, al igual que los guiones, va evolucionando desde un estilo algo rudimentario a uno más logrado, con un especial énfasis en los personajes cómicos. La historia comenzará a adquirir un mayor peso cuando nuestro protagonista llegue a la ciudad de Palnu, controlada por un tal Lord Julius que parece un homenaje poco disimulado a Groucho Marx, y que convierte al bárbaro en su mano derecha cuando le salva de un complot. Nuestro protagonista irá pasando de señor en señor, y se irá encontrando con personajes pintorescos como el fracasado superhéroe «Cucaracha» o el presidente Weisshaupt, que sirve a Sim para introducir la crítica social que hará famosa a la obra en su siguiente tomo, Alta Sociedad.

Al final de estos primeros veinticinco números, Cerebus sigue siendo una parodia de los cómics más populares de la época, que cuenta con la aparición de sosías de personajes como el profesor Charles Xavier o la Cosa del Pantano. Sin embargo, el autor ya empieza a destacar por su ácida crítica social, así como por composiciones de página peculiares y experimentos gráficos que culminará en posteriores arcos argumentales. Aunque todavía está aclimatándose al medio durante la primera parte de la historia, es capaz de producir números impresionantes como este, cuyas páginas forman un mural en conjunto:

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Conclusión

Muchos lectores de esta gigantesca obra recomiendan ignorar estos veinticinco primeros números y comenzar con Alta Sociedad, en la que el cómic evoluciona y encuentra su propia identidad. El propio Dave Sim pidió expresamente que esta primera parte de Cerebus no se tradujera al español, aunque también hay que destacar que fue reticente en un principio a cualquier intento de traducción de este tebeo, que no se encuentra completo en nuestro idioma. En cualquier caso, estos veinticinco números parecen prescindibles en un principio.

Sin embargo, quien quiera leerlos se encontrará con una parodia más que correcta de distintos géneros del cómic y con una historia que, al final, comienza a desarrollar su potencial. Además, se introducen datos sobre este mundo ficticio y personajes que serán muy importantes durante el resto de la historia. Por eso, estas primeras historietas son fundamentales para entender el modesto origen del personaje y apreciar los logros posteriores del autor.