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«El caso Figo» (Netflix): sin duda él, que es el protagonista

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hoy hablaremos de algo que apasiona al Pueblo y que no tiene que ver con el acto sexual de follar: el fútbol. En concreto, del intento de documental que ha hecho Netflix al que han llamado «El caso Figo». Los viejos del lugar recordar de qué va la cosa y el resúmen para los más viejos u olvidadizos es el siguiente: a finales de los años 90 el jugador más querido del Barcelona fichó por su gran rival, el Real Madrid. Ese fichaje fue decisivo para que llegara a la presidencia del Real Madrid el mismísimo Florentino Pérez, personaje imprescindible para entender el mundo del fútbol del primer cuarto del siglo XXI.

Ha sido muy comentado en el tráiler oficial de este «El caso Figo» la parte en la que sale Florentino Pérez. Le preguntan «¿Quién cree usted que dice la verdad?» y responde «Sin ninguna duda yo, que soy el progagonista«. Podríamos decir que ese fragmento en el tráiler es una pequeña genialidad que sintetiza bastente bien de qué fue en realidad todo el asunto. También hay que decir aquí que muchas críticas al documental inciden en lo mismo: no se cuenta nada que cualquier aficionado medio no sepa. Pero ordena temporalmente algunos hechos y da una visión más o menos aproximada secuencialmente.

Pero sin contexto esto sería solo un deportista millonario cambiando de sitio de trabajo. Algo sosísimo. Para entender la locura colectiva (fabricada y espoleada por periodistas, más luego) que sufrió tanta gente hay que hablar de quién era Figo, qué representaba para los aficionados del Barcelona y cual era la situación general del fútbol español.

El documental empieza hablando más o menos de eso, pero de una manera a la que ya estamos acostumbrados, por triste y agotador que sea. Es decir, esto es un mensaje a los señores anglosajones en 2022: nos parece muy bien que os guste Ernest Hemingway, pero ese señor se flipaba cosa mala y entendió una mierda de las cosas que vió. Por muy romántico y épico que fuera lo que escribiera: la cantidad de chorradas y mentiras que escribió daría para una enciclopedia.

Y aquí volvemos a pintar un Real Madrid-Barcelona como, literalmente, un «España contra Cataluña». A los de Netflix le ha faltado pasearse por Tanzania y soltar un «son pobres pero no dejan de sonreír», para luego hacerse fotos con niños y subirlas al Instagram. Esto lo sueltan especialmente sobre una época en la que el Barcelona tenía seis-siete holandeses en plantilla y era muy normal que jugaran como mucho tres-cuatro autóctonos de titulares, lo cual hacía que muchos se quejaran de la falta de identificación de la afición con los jugadores. Luego la realidad sobre estas cosas va por otros lados, como tantas veces, pero ahí siguen. Insistimos: puto Ernest Hemingway, dejadlo en paz. A ver si alguna vez nos olvidamos todos que ha existido.

A partir de ahí podemos decir que se habla de la importancia de Figo en el Barcelona, cosa que está más o menos bien conseguida. Pero en cuanto viene la parte del conflicto del jugador con el Barcelona todo el mundo miente, como es normal. Es raro ponerte delante de una cámara o que te hagan una biografía para ser honesto (por eso las memorias de André Agassi son una maravilla y pequeño milagro). Algunos mienten mejor, otros mienten peor, claro. En general podemos decir que el entonces agente de Figo huele a mentira a través de la pantalla pero es consciente que le da igual. El entonces candidato y luego presidente del Barcelona, Gaspart, miente bastante mal queriendo tapar una inmensa cagada que gestionó evidentemente mal.

Jose Ramón de la Morena, el periodista deportivo más influyente del país en varias décadas, ni se molesta en mentir sobre, ojo, que él mintió al transmitir la noticia del fichaje de Figo y que se inventó cosas al hacerlo. Es significativo de la sensación de impunidad que siempre ha tenido y de un modo de hacer las cosas en las que no se incide. Porque el periodismo es tratado en el documental como un simple mensajero de los hechos y, seamos claro, eso es asquerosamente falso.

Justo en esa época había elecciones tanto a la presidencia del Real Madrid como a la del Barcelona, los dos clubs más importantes del país e instituciones deportivas conocidas en todo el planeta. Quien de verdad se crea que no hubo filtraciones de candidaturas a las presidencias, reuniones de políticos en los que se comenta a quién hay que apoyar, periodistas recibiendo órdenes/escuchando «recomendaciones» sobre a quién hay que machacar o qué cosas no se pueden decir y etc podemos decir que no conoce el más básico funcionamiento del mundo en que vive. Por supuesto nada de eso se comenta en el documental, y sería clave para entender muchos de los puntos oscuros de la historia: ¿qué le dicen a Figo en la reunión en Lisboa para que cambie de opinión? ¿qué ponía realmente en el precontrato que firmó Florentino Pérez con el representante de Figo?.

Como, vaya, se pasa muy de puntillas sobre el papel de la prensa en crear un clima de odio personal contra Figo. No de que cayera mal, no de que se le insulte, no de hacer memes. Odio. Se nos dice que si a quien se odia más es a quien más se ha amado y demás, pero lo que se vivió con Figo fue construído por el periodismo. El lanzamiento masivo de objetos en los primeros Barcelona-Real Madrid, especialmente el primero, fue responsabilidad de los medios de comunicación. No hay nadie que no lo viviera que no diga que se estuvo cerca de una desgracia con heridos.

Por supuesto la imagen icónica de aquel espectáculo violento agitado por los medios de comunicación, el famoso cochinillo que tiraron al cesped, no aparece por ningún lado del documental. Y no sale siendo la imagen perfecta de lo que sucedió: en un campo de fútbol había algo que ni de lejos debería estar allí. Algo que había lanzado alguien. Un lanzamiento de algo extraño que lanza una persona sintiéndose justificado por ello. Y esas justificaciones para hacer esa cosa que solo podemos decir que es una locura en circunstancias normales salieron de algunos sitios y personas. Sitios y personas que desconocemos si solo vemos el documental, por supuesto. Es decir, como no pasan a la historia los culpables de eso y es algo que sucedió como cuando llueve todo aquel show de violencia personal y acoso puede perfectamente volver a repetirse si es necesario. Uno de los mensajes del documental es exactamente ese. Que nadie lo dude.

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La cabeza de cochinillo que se lanzó en el primer Barcelona-Real Madrid tras el fichaje de Figo.

Son espectaculares todas las intervenciones de Futre, el futbolista del Atlético de Madrid que era el ídolo de Figo. Y que contribuyó al fichaje por una comisión, claro. Lo son por su refrescante honestidad, quizás sea el único que lo sea en todo el documental. Y hablando de honestidad o de falta de ella deberíamos mencionar al teórico protagonista que no es tal, el mismísimo Figo. Siempre fue alguien serio en las entrevistas.

Del documental se deduce lo que ya sabíamos: Figo estuvo mucho tiempo queriendo quedarse en el Barcelona pero queriendo cobrar más, cosa que reconoce incluso Gaspart como normal en el mundillo. Tanto él como su representante usaron en el pasado el interés de un club para pedir más dinero a otro club para firmar, algo que es viejo y habitual en cualquier negocio desde que existe el dinero. Es decir, Puyol estuvo cerca de ser del Real Madrid o Sergio Ramos del Manchester United.

Por los archivos de la época, lo que dice Figo o lo que hacen el representante y Futre queda claro que la decisión de irse la toma tras la reunión en Lisboa con Florentino Pérez. Como hemos dicho, es el gran misterio de todo: qué cosas se dicen de verdad para convencer a Figo de hacer el viaje y qué cosas se dicen en la reunión. La versión del documental es que le dicen que va a ser el centro del proyecto y que se sintió querido, cosa que no decimos que no, pero fueron muchas horas para solo eso. Y quizás no fue lo más importante.

Florentino Perez cosas felices

Pero en esencia el documental debería ser «El nacimiento de Florentino Pérez». Ya hemos comentado que tiene razón en lo que él mismo dice en el tráiler. Es el auténtico protagonista, aunque salga como uno más de los entrevistados, del mismo modo que Drácula era el protagonista de la novela que tiene su nombre aunque no sepamos nunca en el libro su versión de los hechos. Aquí sí nos cuenta su opinión como hace, efectivamente, alguien poderoso: comenta que la clausula a pagar por los intermediarios del fichaje de Figo en caso de no darse era algo orientativo, transmitiendo la idea de que realmente aquello era un pacto de caballeros y que aquella cosa no era importante. Y jaja. Pero por la reacción del representante de Figo y de Futre queda claro que de cosa poco importante, orientativa o graciosa nada de nada. Les quemaba el culo, casi literalmente.

El rumor de que el gran ídolo del Barcelona y posiblemente uno de los 3-4 mejores jugadores del mundo podía fichar por el Real Madrid fue decisivo. Contribuyó y mucho a que el presidente del Real Madrid que ganó dos Copas de Europa perdiera las elecciones…y las ganara Florentino Pérez, quien estaba detrás del fichaje. No era solo un gran jugador: era el jugador más querido por el gran rival. Recordemos que por aquel entonces el Real Madrid vendía jugadores (Redondo, Seedorf) para pagar nóminas, es decir, iba arrastrándose económicamente. Se ganaba deportivamente pero había mucho de pan para hoy y hambre para mañana…Florentino creía en la leyenda del Real Madrid y creía que los mejores debían jugar en el club, estuvieran donde estuvieran, costaran lo que costaran. No solo era ganar: el Real Madrid debía ser protagonista en lo económico y en lo deportivo a nivel mundial.

El fichaje de Figo no era solo un golpe de efecto, como lo fue el fichaje de Futre por el Atlético de Madrid en su día. Era el inicio de un modo de actuar (fichaje del mejor o de uno de los mejores todos los años) que contribuyó a un crecimiento económico increíble, criticado también desde muchos ámbitos atribuyéndolo a los contactos políticos de Florentino Pérez y a ayudas de caracter político. Figo fue el inicio de su primera etapa, que llevó al Real Madrid al primer plano económico mundial de manera indiscutible y más discutible deportivamente. Florentino Pérez terminó dimitiendo decepcionado con la profesionalidad de los futbolistas, como sabemos por los famosos audios que se filtraron.

Su segunda etapa ha seguido con el éxito económico y luego otro deportivo incontestable. No han dejado de aparecer libros, artículos o demás críticos con él. Pero nada de esto sería importante sin el inicio de todo, la génesis, al acceso al poder del club por parte de Florentino Pérez a través de, entre otras cosas, el fichaje de Figo (ojo: ya presentó y perdió unas elecciones a presidente del Real Madrid antes). De ahí que, teniendo el documental su interés por poner en orden algunos de los sucesos del caso Figo, los agujeros de las cosas aún por saber del tema desluzcan el conjunto.

Sed felices.

Novedades Moztros de septiembre de 2022

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros las novedades de septiembre de la editorial Moztros.

Hace ya un añito que os anunciamos el nacimiento de una nueva editorial: Moztros. Pinchando aquí, podemos echar un ojo a ese artículo con el que os anunciamos este hecho.

Durante todo el mes de agosto de 2021 estuvimos pendientes de todo lo que acontecía para la entonces desconocida Moztros.

Moztros

Tras varios meses publicando en España, podemos decir algo importante. La oferta editorial que ofrece Moztros es muy amplia, con una variedad importante de títulos y todo ello con un precio en sus productos muy competitivo y una edición de grandísima calidad.

Franquicias como Power Rangers, Street Fighter, o la publicación del Universo Valiant, sin nombrar ni pretender hacer de menos al resto de títulos de su catálogo, hacen muy, muy atractiva esta oferta editorial. Debo confesar que la publicación del tomo de El Zorro, de Alex Toth, ha hizo que Moztros se ganara un hueco en mi corazoncito.

Pero … ¡No quiero enrollarme! ¡Vamos al lío!

Novedades Moztros de septiembre de 2022

Moztros

MIGHTY MORPHIN POWER RANGERS VS LAS TORTUGAS NINJA

Los Power Rangers llegan a la ciudad de Nueva York tras la pista de Tommy Oliver, el Green Ranger, quien se encuentra desaparecido.

¡Aunque al poco tiempo se lo ve luchando lado a lado
con el malvado Shredder y el Clan del Pie!

Moztros

Pero los Rangers también tendrán que lidiar con una
inesperada aparición… ¡las Tortugas Ninja!

¿Podrán estos héroes encontrar la forma de trabajar
juntos para derrotar a los villanos y salvar al mundo de su destrucción total?

Tendremos que esperar al 8 de septiembre, para tener disponible este título. Un tomo en tapa dura, a todo color, 128 páginas y un P.V.P. de 22€.

Os he querido hablar de este título debido a que crecí con los Power Rangers y las Tortugas Ninja, pero más abajo, os dejo el pdf completo y así podréis ver todas las publicaciones de Moztros para este mes de septiembre.

Me despido de vosotros, deseando solamente una cosa …

¡Sed Felices!

Reseña de El Espíritu de Lewis. Un cuento de terror gótico con moraleja incluida

El Espíritu de Lewis es el título de una de las últimas obras publicadas en España por nuestros amigos de Nuevo Nueve. En este caso nos traen un cuento de terror gótico realizado por Bertrand Santini y Lionel Richand que nos presentan en una cuidada edición integral que recoge la historia completa del joven Lewis Pharamond y su fantasma.

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El argumento es el siguiente: Lewis Pharamond es un joven escritor en pleno luto. Conmocionado por la reciente muerte de su madre que cruza Inglaterra para instalarse en Childwickbury, la mansión de su infancia donde espera poder escribir su primera novela de inspiración gótica. Pero acosado por el dolor no puede escribir ni una sola línea. De repente fenómenos extraños ocurren y una noche aparece el responsable de estos hechos. Su nombre es Sarah, fantasma de una mujer francesa extraordinariamente hermosa. Con el paso de los días, Lewis y Sarah se van conociendo y, a cambio de una promesa de amor eterno, el fantasma le ofrece al aspirante a escritor el don de la escritura.

Como buena obra de terror victoriano, el contexto histórico de la trama es muy importante. La obra se desarrolla a finales del siglo XIX, concretamente en 1898, en Inglaterra. Es muy importante para los autores subrayar la enorme importancia que tenían en esa época las normas sociales y las apariencias, estando ante una sociedad realmente hipócrita. Pero sin olvidar por supuesto el aspecto fantástico ya que también es una época donde había mucho interés por el espiritismo y la magia.

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Lewis y Sarah, el escritor y su musa fantasma

El protagonista del relato cuadra muy bien dentro de este contexto. Es un pobre niño bien que se derrumba con la muerte de su madre y que decide hacerse escritor, aunque no tenga el talento necesario para ello. Pero tiene suerte y el fantasma de una mujer llamada Sarah acude en su ayuda y le da el talento necesario para ser un gran escritor. A cambio sólo pide dos cosas, que le ayude a descubrir como murió y que sus cumpla sus promesas de amor eterno. Un amor que el joven Lewis acaba despreciando al tomar consciencia plena de que Sarah está muerta y bien muerta y que él necesita disfrutar del mundo de los vivos.

La historia que nos cuenta Santini se nutre de todos estos elementos para contarnos una fabula en la que no duda en criticar la sociedad de la época mientras introduce elementos fantásticos a la vez que los protagonistas van investigando tanto la naturaleza de la condición de ser de ultratumba de Sarah como las circunstancias que llevaron a su muerte.

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Childwickbury, la mansión en la que trascurre la primera parte del relato

También vamos a ver la típica moraleja al estilo de los cuentos de hadas, con la tradicional reflexión sobre no cumplir la palabra dada. Y para los más sibaritas, incluso vamos a encontrar similitudes en la relación entre Lewis y Sarah y la que tienen Richard Madoc y Calíope en el mítico Sandman del gran Neil Gaiman.

La historia se desarrolla de manera satisfactoria, primero con el nacimiento de una relación de amistad entre los dos protagonistas que poco a poco se trasforma en un amor que en el fondo todos sabemos que va a acabar de manera trágica. Después, Lewis se dará a la vida disoluta en un Londres decadente con unos compañeros aún más decadentes para acabar casi volviéndose loco por las exigencias de Sarah. Pero hacia el final de la historia la trama derrapa un poco al intentar explicar las circunstancias de la muerte de Sarah, dejando un regusto amargo a una historia que hasta ese momento era realmente buena.

El arte de Lionel Richand por su parte también me deja sensaciones encontradas. El dibujante es capaz de hacer viñetas y composiciones realmente bellas que además tienen el gran mérito de presentar los elementos sobrenaturales de una manera muy atractiva. Además, el diseño es muy bueno, dotando a los protagonistas de una personalidad propia que casa muy bien con sus personalidades. Con un todo caricaturesco a veces, pero siempre en su justa medida. Pero otras veces su dibujo parece un poco atropellado y feísta, como si le faltara tiempo y recursos para acabar de pulir un arte que apunta muy buenas maneras.

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La alta sociedad de Londres

La edición de la obra por parte de Nuevo Nueve es tan buena como siempre. Tapa dura con tintas doradas en la portada, papel poroso de alto gramaje, cinta marcapáginas… Y la gran ventaja de incluir los dos volúmenes de la obra en un solo tomo de 168 páginas de manera que se puede disfrutar de un tirón. El precio de venta al público es de 25 euros.

En resumen, El Espíritu de Lewis es una buena historia de fantasmas con una trama entretenida que juega al misterio a la vez que hace crítica social. A ellos ayuda y mucho unos personajes muy bien construidos y una gran ambientación que se ve favorecida por un dibujo que ralla a buen nivel, aunque le falta un poco para ser sobresaliente. Es una lástima que el giro de guion del final le reste un poco de fuerza al relato, pero aun así, estamos ante una lectura que hará las delicias de los amantes de los cuentos de terror.

Se acabó el culebrón Batgirl. Las ‘proyecciones fúnebres’ entierran a la película

La cancelación de ‘Batgirl’ levantó muchas ampollas y nos sorprendió a muchos, ya que sucedió una vez finalizado el rodaje. Desde ese momento (aunque a mucha menos escala) comenzó un movimiento para salvar la cinta de Bilall Fallah y Adil El Arbi similar al #ReleaseTheSnyderCut aunque no hubo suerte.

Había bastante público atónito por todo el dinero que se había tirado a la basura con ‘Batgirl’, ya que el presupuesto de 75 millones destinado para el largometraje había llegado a los 90.

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Pasado un tiempo supimos que Warner Discovery había eliminado el metraje de sus servidores y que los cineastas no tenían acceso a él. Un movimiento coherente para evitar que hubiese filtraciones que sirviesen para forzar un estreno.

Hace unos días el estudio informó que habría unas proyecciones de ‘Batgirl’ para que el equipo involucrado en su rodaje viese la cinta por última vez antes de enterrarla definitivamente. ‘Una proyección fúnebre’.

Pues bien, ahora ya tenemos por parte de gente que ha tenido acceso al visionado a de ‘Batgirl’ de primeras impresiones y ninguna es buena.

David Zaslav, ya expresó en su día que no iba a estrenar ninguna material de DC que fuese de baja calidad, pese a que el motivo principal de la cancelación de la cinta protagonizada por Lesley Grace fueron los impuestos,  parece que había algo más.

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Erik Davis de Fandango y el reportero de cine de The Wrap Umberto González hablaron sobre esto en un podcast de Twitter. Fuentes cercanas a ellos que habían asistido a esos pases les dieron detalles sobre lo que vieron.

“Vi Batgirl, ciertamente no es la peor película de superhéroes, pero en última instancia, entiendo por qué la cancelaron”

“Se ve como un piloto de CW muy caro. No es realmente una película fuerte, el tono es muy CW, carece de profundidad, es más ligero y más parecido a un cómic, lo cual es extraño porque Michael Keaton está en ella. Finalmente es más ligero que en sus películas de Tim Burton. Actualmente, se trata de una 1h y 40 minutos. Es básicamente un piloto de CW. Con una pieza de acción bastante buena al final por lo que me han dicho. Y de nuevo, no es la peor película de superhéroes que he visto”.

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Umberto González también se pronunció sobre Batgirl:

“Obviamente está filmada para televisión. Entonces, es como si todo estuviera en el centro de la pantalla y me dijeron que simplemente no se siente cinematográfico, lo cual es algo que probablemente podrían haber corregido si hubieran hecho algunas fotografías adicionales. Pero en última instancia, los poderes fácticos decidieron que no valía la pena las decenas de millones que habría costado hacer eso”.

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Teniendo en cuenta que los 100 minutos de ‘Batgirl’ han costado más que una temporada completa de una serie de CW y la calidad parecía ser la misma, pues es comprensible que haya caído bajo el hacha de Zaslav.

Si el nuevo CEO busca calidad, estrenar algo comparable a un capítulo del arrowverso no es el camino. 

Al menos con estas primeras impresiones, a las que seguirán más en los próximos días, creo que se cierra el debate sobre el estreno de Batgirl y los motivos que han llevado a su eliminación definitiva.

Aquí os dejo los 11 minutos del set de rodaje que se han filtrado de ‘Batgirl’:

Un saludo desde el sótano de la Batcueva.

Retro-Análisis | Dirty Dancing (1987): Tras 35 años continúa siendo mítica

Bienvenid@s amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección que trata de ser semanal y que os trae joyas (o no) del siglo XX que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.

‘Dirty Dancing’ es una de esas cintas de la década de los 80 que marcó a una generación. Tiene frases y escenas que ya son parte de la cultura pop y a las que han rendido homenaje y parodiadas en infinidad de ocasiones. No voy a negar que el largometraje de Emile Ardolino se encuentra en mi trinidad de cine romántico que nunca me canso de ver.

Quiero ser sincero antes de comenzar a hablar de ‘Dirty Dancing’, hay dos motivos por los que le tengo un cariño muy especial: Mis vacaciones en Málaga viendo casi de forma ininterrumpida la copia que poseía mi tía en Beta (creo que debería estar en el libro Guinness de los récords como la  película más vista) y por una promesa (aun incumplida) que realicé alrededor de la escena final de baile.

Por qué digo esto, porque (aunque no lo pretenda) voy a ser muy condescendiente con los errores que sé que tiene.

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No permitiré que nadie te arrincone

Estrenada en 1987, con un presupuesto de 6 millones de dólares, recaudó alrededor de 213, su banda sonora alcanzó la friolera de 32 millones de unidades y fue la primera cinta en VHS en alcanzar el millón de copias vendidas.  Por algo fue todo un fenómeno. En España tuvimos que esperar un año más para disfrutarla en las salas de cine.

Dirty Dancing nos sitúa en 1963 y nos cuenta la historia de Baby, una joven de 17 años que viaja con sus padres y hermana al complejo Kellerman a pasar las vacaciones. Ese será un verano inolvidable en el que conocerá el amor, vivirá situaciones que pondrán a prueba su relación con su padre y la harán madurar aún más.

Con Jennifer Grey y Patrick Swayze en los roles protagónicos, Dirty Dancing pronto triunfó en la cartelera y pasó de ser considerada una ‘película para chicas’ a un largometraje icónico que ha ido ganando adeptos y relevancia con el paso de los años.

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La propuesta de Ardolino no es perfecta y es cierto que en algunos momentos el guion peca de superficial y quizás algunos diálogos podían haberse mejorado, pero en líneas generales es un notable alto.

Volviendo a la categoría ‘película de chicas’, es cierto que es Patrick Swayze quien enseña torso bien esculpido, el tipo duro pero con sentimientos y fue el gran reclamo de la cinta, pero Dirty Dancing es una obra romántica que trata de algo más y, con el tiempo, se ha revalorizado como una propuesta que toca más temas para todo el público en general.

Nunca me he escondido al decir que es una de mis películas favoritas y (obviamente) no soy el único, así que podemos decir que es un largometraje juvenil que no entiende de géneros.

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El guion es inteligente a la hora de presentar a dos personajes opuestos que se ven obligados a entenderse y trabajar juntos para un bien común. También es cierto que la química entre Grey y Swayze es más física que sentimental. Me explico: Cuando los ves bailando juntos y son sus cuerpos quienes interactúan todo parece más real. Creo que, en el conjunto del metraje, el espacio en el que intercambian palabras es menor de lo que se espera de dos protagonistas de una película romántica.

Por otro lado, la forma en la que están escritas algunas conversaciones entre Baby y su padre son muy superiores: La charla en el lago entre lágrimas sobre la decepción es excepcional.

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La trama troncal de ‘Dirty Dancing’ es el primer amor y esa historia se nos cuenta a través del baile y con dos prismas muy bien diferenciados: la relación entre Lisa y Robbie y la de Baby y Johnny.

La cinta de Ardolino podía haberse quedado ahí y no hubiera sido mala idea, pero (por suerte) no fue así. Aquí se nos presenta el lugar más idílico y familiar imaginable y como esconde tantos y más problemas que el mundo cotidiano. Una ilusión que se resquebraja en la conversación que mantiene Max Kellerman con sus camareros sobre qué hacer con las jóvenes, feas incluidas, o en los términos en los que se refiere a Vivian Pressman.

Aunque sea de forma subconsciente u opacada por la historia de amor, Dirty dancing habla del crecimiento de los hijos, de las malas y buenas decisiones que nos convierten en quienes somos, de las diferencias de clases y como no todo lo que reluce es oro.

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Al comienzo he mencionado las ventas de la banda sonora y no ha sido arbitrario, nos encontramos ante una selección musical que hace crecer el filme cada vez que suena una de esas canciones. Creo que en derechos se les fue bastante dinero del presupuesto.

Más allá del ‘(I’ve had) The time of my life’ del que hablaré ahora, hay piezas que no deben pasar inadvertidas por ser tan potentes como ese tema principal. ‘She’s like de wind’ cantada por el propio Patrick Swayze enfatiza perfectamente esa despedida junto al coche o  el ‘Love is strange’ de esa escena de baile en la que los roles se intercambian.

Podría hablar de todas y cada una de las piezas pero sería alargar demasiado la crítica, solo insto a escucharlas, no tiene desperdicio.

El tema de Bill Medley y  Jenniffer Warnes es la guinda del pastel, el colofón a una escena final que ya es parte de la historia del cine. El ‘no permitiré que nadie te arrincone’ que daba pie a algo inolvidable.

Esta composición fue acusada por algunos sectores de no ser muy ‘estilo años 60’, pero sinceramente, no me importa, es perfecta y no puedo añadir nada mas.

Conclusión

‘Dirty Dancing’ es una cinta de amores de verano, crecimiento y decepciones que siempre me ha parecido excelente. Eso es algo que no voy a descubrir yo ahora, 35 años después de su estreno.

Es cierto que se le puede acusar que algunos personajes no evolucionan de forma orgánica o que se mantienen casi todo el metraje inamovibles, pero no me saca de la trama ese contratiempo.

Algo que siempre le he achacado a la película es que pese a plantear temas muy adultos y dramáticos como el embarazo de Penny o el despido de Johnny, finalmente todo acaba muy bien y los buenos ganan y los malos pierden. Un final demasiado edulcorado, la verdad.

Por lo demás, Dirty Dancing es una cinta romántica que funciona perfectamente y que nos transportará a una época de cambios.

Visualmente tiene escenas que no han perdido ni un ápice de fuerza. ¿Quién no recuerda el entrenamiento en el lago? O como un baile acaba en la primera vez para Baby. Una película mítica.

Por cierto, ¿soy el único que piensa que ha escuchado gatos en celo cantar mejor que Lisa?

Y no me quiero despedir sin dejar el vídeo de ese baile final tan icónico.

Un saludo desde Kellerman’s

A poco de estrenada y con solo una temporada, Netflix cancela Resident Evil

La reacción de los fans no ha sido la esperada y la plataforma acaba de anunciar que la serie basada en la franquicia de videojuegos Resident Evil no tendrá segunda temporada.

Definitivamente, no son buenos tiempos para Netflix. Hace apenas días nos enterábamos de que, aun a pesar del éxito que está teniendo, corre serio riesgo la segunda temporada de The Sandman (aquí nuestro artículo al respecto) y ahora, sobre llovido mojado, nos cae la noticia de que ha sido cancelada la serie basada en la popular franquicia Resident Evil.

Apenas ha pasado poco más de un mes desde su estreno pero, a diferencia de lo ocurrido con The Sandman, la recepción por parte de los fans ha sido en general bastante tibia para no decir adversa.

La serie, creada por Andrew Dabb y protagonizada por Ella Balinska (Los Ángeles de Charlie, 2019) , seguía fundamentalmente y en dos líneas de tiempo a la superviviente Jade Wesker en la nueva Raccoon City, tanto al momento de inicio del apocalipsis zombie como cuando el mismo está ya plenamente consolidado y solo quedan quince millones de seres humanos en todo el mundo: ello convertía a la propuesta en spin-off, reboot, precuela y secuela, todo a un mismo tiempo.

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Se abrigaba alguna muy pequeña esperanza de que, entre tanto desencanto que las adaptaciones de la franquicia vienen generando en los últimos años, la serie pudiera quizás revitalizarla pero, bastante lejos de ello, no ha calado en los fans que, por el contrario, atiborraron las redes sociales con comentarios que van de lo mordaz a lo feroz, pasando por los consabidos memes y ridiculizaciones de todo tipo.

No es que haya debutado con malos números en la plataforma: por el contrario, apenas subida se ubicó rápidamente en el segundo puesto por detrás del gran tanque Stranger Things (aquí nuestros análisis). Pero la realidad acabó siendo que ese comienzo tan prometedor no se condijo con el devenir de la recepción en los días subsiguientes y ya para su tercera semana ni siquiera figuraba en el top 10 de las más vistas.

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No es ninguna novedad que Netflix está atravesando por una etapa de deudas y recortes presupuestarios que ponen en peligro cualquier proyecto y más aún si no se ajusta a las expectativas mínimas de audiencia, pero más allá de ello, lo concreto es que los fans han sumado una nueva decepción…

Las películas producidas por Paul W. S. Anderson y protagonizadas por Milla Jovovich han gozado de bastante éxito pero han estado lejos de satisfacerles y otro tanto Resident Evil: Bienvenidos a Racoon City que, estrenada en 2021, se anunció como retorno a las raíces y es, de hecho, la más fiel de las adaptaciones en live action, pero a pesar de ello ha recogido opiniones muy divididas.

Todo indica que los fans tendrán que seguir esperando por una adaptación a la altura y ya comienza a ser válido preguntarse si llegarán a verla. Y vaya que pueden ser desafortunadas las coincidencias, pero hace exactamente dos años este mismo redactor anunciaba la confirmación de la serie de Netflix sobre Resident Evil (aquí mi artículo publicado en ese mismo momento) y hoy me toca anunciar su prematuro final: rara sensación la de expedir certificado de nacimiento y de defunción con solo dos años de diferencia…

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Ojalá me toque también anunciar el próximo proyecto cuando sea que llegue, como también y sobre todo que por una vez los resultados sean los que todos esperamos. Hasta pronto y sean felices…

El cómic de la semana. Thorgal 38. La Selkie

Bienvenidos un domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Thorgal 38. La Selkie. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Thorgal 38. La Selkie, seguimos en la nueva era de una de las series más importantes de la historia

Con este tomo entramos ya de pleno con el nuevo equipo creativo de una de las mejores series europeas de todos los tiempos, Thorgal. Ya tenemos al guionista Yann, al que conocemos de los spin-off como Loba o La juventud de Thorgal y al dibujante Vignaux al que vimos en Kriss de Valnor.

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Esta saga, que al menos serán 4 álbumes y que empezó en el tomo 37 titulado El ermitaño de Skellingar, ya con el nuevo equipo creativo, se titula en Francia, Nuevos horizontes. Y bueno, quiero decir que parece que la cosa va mejorando. Pero antes de seguir os quiero poner en antecedentes.

Jean Van Hamme fue el guionista y creador junto al dibujante Gregorz Rosinski de esta colección. Van Hamme duró en la serie hasta el número 29, y puedo decir que todos los números eran excelentes, maravillosos. Desde el número 30 hasta el 34 su relevo lo cogió otro gran guionista como Yves Sente, además de introducirnos en tres spin-off como Loba, Kriss de Valnor y la juventud de Thorgal. Hasta aquí, bien. La serie principal seguía a buen ritmo, no tan mágica como con los guions de Van Hamme, pero si con el listón alto. Pero algo pasó e Yves Sente dejó la serie sin cerrar el arco argumental ni los spin-off.

Los tomos 35 y 36 son un despropósito, porque acaban todas las tramas rápidamente para dejar todo finiquitado antes de tiempo, unido a que el dibujante Rosinski quería bajarse de la serie debido a su avanzada edad. Total, que tenemos un final de ciclo bastante flojo, sobre todo el tomo 36 llamado Aniel que empaña la saga empezada por Yves Sente.

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Por tanto, puedo decir que Thorgal es una maravilla de serie, para mí la mejor serie europea, pero empañada por esos números. ¿Y que puedo decir de ese final de saga? Que es muy flojo. Un dibujo de Rosinski con prisas que parece realizado por un niño pequeño, y un guion sin sentido en el que todo acaba en 2 viñetas. Un despropósito.

Y ojo porque el guionista que tuvo que cerrar la etapa anterior fue Yann, un autor correcto que es el que ahora se encarga de la serie junto a Vignaux.

Cuando Yann comenzó la nueva etapa con el tomo 37 titulado El ermitaño de Skellingar me entró el pánico, pero cuando lo leí quedé más tranquilo. No puedo decir que fuera algo maravilloso, pero al menos retomaba un cierto nivel para esta mítica serie. Y ahora con Thorgal 38 La Selkie me quedo más tranquilo porque incluso mejora al anterior. No os quiero engañar, para mi, por ahora Thorgal no está a la altura de Jean Van Hamme o de Yves Sente, pero al menos supera con creces el final de saga de los números 35 y sobre todo el 36 (Aniel).

¿Qué espero de Thorgal? Sinceramente creo que ahora mismo Thorgal sigue siendo una de las mejores series del panorama actual, pero se engloba dentro una serie buena, sin más. Ahora mismo Thorgal sigue la estela de lo sembrado en el pasado y de unos personajes fuertes y bien definidos. Yann solo sigue ese camino dejado por sus antecesores, pero le falta el talento para que Thorgal de ese salto de calidad de antaño. Yo por el momento seguiré con la serie, porque aun con todo, sigue siendo una gran serie y quiero saber que ocurre con los protagonistas. Y además, no pierdo la esperanza de que otra vez retome a la grandeza de antaño.

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ACCIÓN Y AVENTURAS EN LA ESPECTACULAR NUEVA ETAPA DE THORGAL

¡Loba ha caído en manos de una familia de pescadores del archipiélago de las islas Føroyar, y Thorgal tiene el tiempo justo si quiere rescatar a su hija y evitarle un matrimonio forzado! Así arranca una carrera contrarreloj que conducirá a Thorgal y a su hijo Jolan al corazón de una sociedad dominada por creencias ancestrales donde impera el miedo y se practican ritos bárbaros. Mientras tanto, Loba irá descubriendo poco a poco los extraños secretos de sus secuestradores, unos enigmas que guardan relación con las extrañas criaturas marinas que conocemos como selkies, a veces mujeres, a veces focas.

Todo eso y mucho más en el 38.º álbum de Thorgal, titulado La selkie, en que se afianza el nuevo equipo creativo de la colección formado por el guionista Yann (Diente de oso, Angel Wings) y el espectacular dibujante Fred Vignaux (Los mundos de Thorgal: Kriss de Valnor).

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.Thorgal

Un saludo y sed felices.

Adiós, Batman de Michael Keaton. Hola de nuevo, Batfleck

Batman está en el centro del huracán en lo que al calendario de DC concierne; hemos sabido que habrá retrasos en algunos estrenos previstos para 2022 y 2023: en este artículo tenéis toda la información sobre ello.

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A día de hoy hay bastante secretismo sobre los proyectos de DC Studios de cara a un futuro cercano y eso está generando un halo de incertidumbre en los fans. Cancelaciones de la noche a la mañana y ‘reshots’ destinados a cambiar un futuro que parecía claro para la anterior directiva.

Warner Discovery parece haber elegido ya a su Kevin Feige, según informó The Hollywood Reporter y puede que este nuevo responsable no comulgue con la dirección que estaba tomando este universo cinematográfico.

Heme aquí para dar rienda suelta a mi mente ‘conspiranoica’ para hablar de lo que pienso que va a ocurrir con la esperada llegada del Batman de Michael Keaton.

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El Batman de 1989 y 1992 venía para quedarse y ser el principal ‘hombre murciélago’ del universo compartido de DC. Un hilo conductor para unir varias cintas.  La sustitución de Ben Affleck ya estaba más que asumida pero las reglas del juego han cambiado y para que nuestro Batfleck esté más vivo que nunca.

La cancelación de Batgirl ya fue un golpe duro para el personaje de Keaton, una cinta en la que iba a ejercer de mentor y abrir la puerta a un posible Bat-verso (ahora esto de poner el sufijo ‘-verso’ está muy de moda).

Luego supimos, gracias a  las redes sociales de Jason Momoa, que su amigo Ben Affleck estaba rodando escenas para la secuela de Aquaman. Escenas en las que iba a aparecer el Batman de Keaton.

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Al momento de escribir este artículo no se ha anunciado cambio en la fecha de estreno de ‘The Flash’, así que Aquaman y el reino perdido es ahora (de nuevo) la última película de este DCEU.

Los rumores hablaban de la aparición del Batman de Keaton en este largometraje al ser el ‘Batman oficial’. ¿Por qué ahora es diferente? Si no hay cambio  en el calendario de estreno de la cinta protagonizada por Ezra Miller podríamos decir que se han intercambiado los roles entre Keaton y Affleck y que será Batfleck el que salga de ahí como único ‘Caballero Oscuro’.

Teniendo en cuenta que la vida personal del actor ha vuelto a la normalidad, que ha dejado a un lado sus adicciones y que se convirtió en un Batman muy querido, su regreso alegraría la mayor parte de fandom del personaje.

Si a esto sumamos las palabras de Jason Momoa durante un acto de promoción de ‘See’  en el que dio a entender que Ben había vuelto y que tendríamos sorpresas… Casi blanco y en botella.

También es cierto que la cinta del rey atlante se va a retrasar 9 meses, con lo que no descarto (y casi puedo asegurar) que habrá ‘recasteo’ para el personaje de Mera tras toda la polémica alrededor de Amber Heard y el juicio con Johnny Depp.

Hay tanta información alrededor de las nuevas propuestas de DC que las teorías pueden ser miles, pero estoy casi seguro que en la mayoría de ellas Michael Keaton tiene un pie y medio fuera del futuro del estudio.

Si todo lo que he comentado se volviese realidad, estaríamos ante un mero cameo de su Batman que acabaría con todo el porvenir que se había contemplado para el personaje bajo la batuta de Walter Hamada.

Resumiendo, que el retraso de Aquaman 2 y los ‘reshots’ de ‘The Flash’que se han grabado en agosto me hacen pensar que debemos ir despidiéndonos de Michael Keaton y todo lo que se había dicho sobre su importancia en el universo futuro de DC.

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Todo puede parecer muy revuelto dentro de Warner Discovery (y seguro que lo está), sobre todo en lo que a tema económico se refiere. David Zaslav se ha encontrado con la patata caliente de un universo cinematográfico que no funcionaba y que contaba con proyectos sin sentido que no aportaban nada.

Entiendo que va a tener que tomar decisiones duras para que esta maquinaria comience a funcionar correctamente y a generar beneficios. Porque no nos equivoquemos, Warner Discovery es una empresa y como tal busca ingresos económicos y si para ello tiene que acabar con series o películas, lo hará sin pestañear, aunque nos duela a los fans.

Un saludo desde el sótano de la Batcueva.

Samaritan (2022): No es el héroe que la ciudad merece pero sí el que necesita

Hoy 26 de agosto se ha estrenado Samaritan, lo último de Sylvester Stallone en casa, en Prime Video. Lejos quedan aquellos años en los que un estreno del bueno de Sly era una celebración. Hoy toca verla en la candidez del hogar. Pero no nos pongamos melancólicos: el superhéroe sin capa por excelencia ha vuelto, aunque esta vez sí parece que tiene poderes. Sin más preámbulos nos ponemos al lío.

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Samaritan: Un superhéroe justiciero urbano.

Hay quien dice que Samaritan no murió aquella fatídica noche en Granite City, en la lucha fratricida contra Némesis. Esos son los más optimistas: aquella noche la ciudad perdió un héroe que se preocupaba por los suyos.

Samaritan es lo último de Sylvester Stallone y su primer acercamiento como protagonista al género de superhéroes (ya salió en pequeños papeles en Guardianes de la Galaxia 2 y El Escuadrón Suicida).

Para empezar, no puedo nada más que alabar al actor. Además de regalarnos un gran papel, es de admirar lo bien que se luce en las escenas de acción y es que cuando rodó la película Stallone tenía 73 años, ahí es nada.

Sylvester interpreta a Joe, un basurero ermitaño que vive encerrado en su apartamento y solo sale lo justo. Tiene de vecino a un mocoso de 13 años: Sam (Javon Walton), que obsesionado con las historias de aquellos héroes y villanos caídos, investiga sobre su héroe Samaritan ya que cree que no murió en la noche que pasó a la historia como el enfrentamiento final entre los hermanos.

Una escena introductoria que vemos a modo cómic en dibujos animados que resulta bastante conseguida.

Es cierto que la parte del crío con los villanos y con Samaritan por otro lado resulta lineal y hasta previsible pero cuando la identidad de Joe es descubierta y Samaritan sale a la luz, la película gana enteros hasta llegar al tercer acto con un formidable Stallone que se come no solo a sus enemigos sino a la propia pantalla.

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Sylvester Stallone nos regala una gran actuación con un personaje muy humano.

Sin duda lo mejor de la película radica en el musculoso actor, que nos regala un personaje superheroico pero a la vez muy humano, donde las cicatrices psicológicas son más visibles que las físicas.

La oscuridad que impregna la ciudad ha vencido a un personaje que ha decidido esconder sus poderes y no ponerlos al servicio de una sociedad que lo necesita, una ciudad en la que las bandas lideradas por Cyrus (Pilou Asbæk) campan por sus anchas. En este sentido la historia nos podría recordar a la de Watchmen.

Es duro ver a un personaje como Joe pasar impávido ante tanta injusticia y barbarie en sus propias calles. El superhéroe está roto, deshumanizado: solo quiere vivir en su mundo y en paz.

Mientras, el mal se expande a través de la revolución de las bandas, que toma el legado de Némesis. Finalmente nuestro héroe saldrá a la luz cuando esté en peligro la gente que le importa .

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Granite City luce muy bien.

Samaritan tiene una buena factura técnica (aunque la escena de las llamas es muy mejorable, ejem) pese a lo moderado de su presupuesto (en torno a los 50 millones). La ciudad (des)luce realmente bien, quedando patente que estamos en una ciudad donde la ley y el orden le han dado la espalda. En la dirección tenemos a Julius Avery quien viene de la interesante Overlord. Sin duda y con el próximo estreno que tiene, The Pope’s Exorcist, es un realizador al que hay que prestar mucha atención.

Como anécdota, señalar que J.J. Perry, director del reciente éxito de Netflix, Turno de día, es el director de segunda unidad de Samaritan.

Samaritan

Consideraciones finales.

Lejos quedan los grandes éxitos de Stallone pero siempre es un placer ver al viejo Sly repartir una buena somanta de palos; perdonar la expresión pero es que me pongo sensiblero cuando hablo de uno de los míos. Su primera incursión en el género de superhéroes es más cercana a El protegido que a Marvel: huye Samaritan de las mallas para acercarnos al superhéroe justiciero más en la línea de Watchmen.

La película no aporta nada nuevo al género pero es un loable entretenimiento que hará que pases 100 munutos pegados a la pantalla.

A propósito, sí, giro de guion, mi compañero Juanma ya me ha soltado un ¡Te lo dije! mientras veía la cinta. Un giro de guion, eso sí, de los buenos de los que te pegan el pellizco y te llegan, no uno de esos giros de guion.

Sin duda alguna, un aprobado alto para el bueno de Stallone.

Un saludo y sed felices.

 

 

Tráiler y fecha de estreno de El exorcismo de mi mejor amiga, de Prime Video

Prime Video ha desvelado el tráiler y el póster oficial de El exorcismo de mi mejor amiga. La película está dirigida por Damon Thomas (Killing Eve, Penny Dreadful) y escrita por Jenna Lamia (Chicas buenas,  La chica invisible) a partir del libro del autor superventas del New York Times Grady Hendrix (Satanic Panic). El exorcismo de mi mejor amiga está protagonizada por Elsie Fisher (Eighth Grade, Gru: mi villano favorito), Amiah Miller (El hombre agua, La guera del planeta de los simios), Cathy Ang (And Just Like That…, Más allá de la luna), Rachel Ogechi Kanu (Cheer for Your Life) y Christopher Lowell (GLOW, Una joven prometedora) y se estrenará en exclusiva en Prime Video el 30 de septiembre.

El exorcismo de mi mejor amiga

Sobrevivir a la adolescencia no es fácil, especialmente cuando estás poseída por un demonio. En 1988, Abby (Elsie Fisher) y Gretchen (Amiah Miller), mejores amigas, se enfrentan a los chicos, a la cultura pop y a una fuerza paranormal que se aferra a Gretchen como un imán. Con la ayuda del exorcista del centro comercial, Christian Lemon (Christopher Lowell), Abby está decidida a obligar al demonio a volver a los pozos del infierno, eso si no mata primero a Gretchen.

El exorcismo de mi mejor amiga

El exorcismo de mi mejor amiga es un homenaje a la cultura pop de los años ochenta con una historia totalmente atemporal de terror y amistad verdadera. La película está basada en el best-seller de Grady Hendrix.

A esperar a verla en Prime Video el 30 de septiembre.

La Liga de la Justicia y JLI Vol. 2 de Keith Giffen, J.M. DeMatteis y Kevin Maguire | Todo un clásico que aún goza de muy buena salud

Segunda entrega de esta Liga de la Justicia enmarcada en el apartado de ‘Grandes Autores’ que durante un tiempo nos ha traído grandes obras clásicas de DC tales como ‘El Regreso del Caballero Oscuro’, Batman: Año uno y un largo etcetera.

Aquí hemos venido a hablar de la más grande agrupación de superhéroes de esta editorial: La Liga de la Justicia, más concretamente del segundo volumen de la caterva de autores mencionados en el título y alguno más.

“¡Los Mejores Superhéroes del Mundo, la Liga de la Justicia, han renunciado a la coletilla “de América” en su nombre y ahora gozan de estatus internacional! ¡Pero es el grupo de superhéroes más inesperado que jamás veréis! Batman, Blue Beetle, el Detective Marciano, Canario Negro, Guy Gardner, Mr. Milagro y Booster Gold ven unirse a sus filas al representante de los EE.UU., el Capitán Átomo, y al de la URSS, Rocket Red. Pero… ¿puede esta tropa funcionar como un equipo eficaz e impedir un incidente internacional mientras detiene las amenazas robóticas de los Manhunters y el Constructo? ¿Y cuál es el impactante secreto de su misterioso benefactor, Maxwell Lord?

¡Continuamos acompañando a estos maestros del arte de contar historias, Keith Giffen, J.M. DeMatteis y Kevin Maguire, en su apreciada etapa de aventuras hilarantes y llenas de acción, que redefinió el concepto de grupo superheróico! ¡Este segundo volumen, además, cuenta con el talento de Bill Willingham, John Ostrander y Luke McDonnell!”

Este segundo tomo comprende los números 8-13 Usa de La Liga de la Justicia, un anual y el 13 de escuadrón suicida. Un total de 208 páginas.

Estamos ante una buena obra: Sí, pero no es para todos los públicos. Ha llovido mucho desde que Keith Giffen y compañía cogieron las tiendas de esta serie: 35 años más concretamente y pese a todos sus puntos positivos es algo que puede ser duro para ciertos lectores.

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Empezando por la alineación, poco ortodoxa o diferente (por llamarlo de alguna forma) de la afamada agrupación. Los lectores más noveles quizás echen en falta a más de un integrante ‘consagrado’.

Los guionistas saben darnos lo que buscamos y de una forma muy atractiva. La historia avanza de forma fluida con acción, aventuras y humor.  Todo en la justa medida para tenernos enganchados a cada página. Todo esto mientras La Liga de la Justicia se globaliza, en el buen sentido de la palabra.

Lo mencionado sin dejar a un lado que estos personajes, aunque sean ‘supers’, deben enfrentarse a situaciones cotidianas que se ven muy bien reflejadas en la trama. Una pincelada de realidad para ponerle los pies en la tierra a estas figuras casi divinas.

Ahora quizás eso pueda ser muy recurrido, ya que en la superación de las imperfecciones está la grandeza de estos personajes, pero hay que asumir que esta historia es de finales de los 80, lo que realizaron estos autores fue muy novedoso.

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El buen hacer en lo que a guion se refiere se ve reflejado en los enfrentamientos que hay entre ciertos personajes que están resueltos de manera brutal y más teniendo en cuenta que alguno de ellos son vacas sagradas con mucho carácter.

En el apartado gráfico tenemos que hablar de una obra más que notable, teniendo en cuenta la edad que tiene, por suerte contamos con una mejora en el color en esta edición que tenemos entre manos. Eso es algo que se agradece para que podamos disfrutar más de la obra, si ya se hace en cine o en videojuegos con las remasterizaciones, en el noveno arte es también bienvenido.

Conclusión

Este tomo de La Liga de la Justicia es una obra que, quizás, no sea tan conocida como otros títulos con más renombre, pero es una lectura que ha envejecido perfectamente gracias a un gran trabajo de todos los que han participado en ella.

Una trama divertida, atractiva y con toda la acción necesaria para que todo fluya de una manera increíble.  Tras unos primeros seis números que asentaron muy bien lo que estaba por llegar, esta segunda entrega no se viene abajo y supera por momentos a aquello.

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La mejora de color eleva más el producto final y lo hace más accesible a un público al que le chirríe un poco el dibujo de épocas pasadas.

Si sois fans de La Liga de la Justicia seréis fans de la propuesta de Giffen y compañía, eso seguro.

Aquí os dejo la web de ECC donde encontrar esta tomo de La Liga de la Justicia y su portada:

La Liga de la justicia

Un saludo desde el sótano de la Batcueva.

El DCU (Universo Extendido de DC) parece haber encontrado su Kevin Feige

Parece que en Warner no hay día sin noticia. En The Hollywood Reporter informaban que David Zaslav, CEO de Warner Bros. Discovery y quién está detrás de todo lo acontecido estos días atrás con la cancelación de Batgirl o el retraso de los estrenos de Aquaman y ¡Shazam! parece haber encontrado a su Kevin Feige particular.

¿Se ha encontrado al nuevo jefe de DC?

El nuevo jefe de DC no sería otro que Dan Lin, el ejecutivo convertido en productor que cuenta con éxitos como Aladdin (el live action), The Lego Movie y las películas de terror It entre sus créditos. Al parecer está en conversaciones para asumir el papel de jefe de DC, según le dijeron varias fuentes a The Hollywood Reporter.

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Dan Lin

Lin se encargaría no solo de la supervisión del cine sino también de la televisión, reportando directamente a David Zaslav.

Walter Hamada, el actual jefe de DC Films, dejaría su cargo. Si se confirma, culminaría una de las búsquedas de ejecutivos más intensas en la memoria reciente, una que enfrentó el escrutinio de los productores y ejecutivos rivales de Hollywood, así como de los fanáticos de DC.

Zaslav ha dicho que estaba buscando la propia versión de Warner de Kevin Feige, el famoso ejecutivo de Marvel que dirigió la lista de películas de la compañía rival de cómics y luego su cartera de televisión.

Lin es un productor respetado que ya ha trabajado en franquicias, las películas de Sherlock Holmes protagonizadas por Robert Downey Jr., las cuatro películas de Lego, así como la exitosa adaptación en dos partes de Stephen King’s It.

Y también tiene experiencia televisiva, factor clave para el nuevo cargo, habiendo producido la serie Lethal Weapon (Arma Letal)Walker, el reinicio de Walker, Texas Ranger. Además tiene en posproducción Avatar: The Last Airbender para Netflix.

Si Lin asume el cargo, reemplazará a Hamada, quien se unió a DC en 2018, un momento en que la marca buscaba reiniciarse después del fracaso de Justice League (2017). Desde entonces Hamada solo ha tenido problemas y pocos estrenos. Eso sí ha estrenado películas fuera del universo compartido que han sido todo un éxito en taquilla como Joker (2019), ganadora de dos premios Oscar y que recaudó mil millones de dólares, y The Batman (2022) de Matt Reeves, que trajo 769,2 $ millones a nivel mundial.

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Walter Hamada

Además «robó» temporalmente a uno de los grandes del Universo Cinematográfico Marvel, James Gunn, quien dirigió El Escuadrón Suicida (2021) y la serie de HBO Max, Peacemaker (Pacificador).

Como factor negativo la losa de Liga de la Justicia (2017) ha sido muy dura de levantar. Llegó con una franquicia muy tocada y con actores y directores como Ray Fisher y Zack Snyder que hicieron flaco favor al nuevo dirigente.

Hamada puede dejar el barco con la sensación de que hizo lo que pudo con lo que le llegó.

Ahora esperemos que con Lin el agua vuelva a su cauce y tengamos el DCU que nos merecemos.

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Un saludo y sed felices.

 

Las 20+2 mejores películas medievales de la historia del cine

Se suele decir que cualquier tiempo pasado fue mejor. Nostalgias aparte, lo cierto es que la Edad Media ha sido una de las épocas más adaptadas al séptimo arte, con disparidad de enfoques. Los hay más tenebrosos, denunciando el retroceso que supuso para la humanidad todo lo ocurrido después de la caída del Imperio Romano. Los hay más optimistas, centrando su enfoque en las aventuras de los que vivían por aquellos años. Y los hay que emparentan los conflictos que se vivían en aquella época con los que tenemos en el presente. Que nos ducharemos y no luchamos con espadas, pero tenemos el mismo cerebro y corazón que los que poblaban la tierra hace más de quinientos años. Vayamos al tag de las series.

Por tanto, aquí tenéis, apartando toda adaptación fantástica o de Shakespeare (por ser un subgénero que bien merece su ranking aparte) las mejores películas medievales de la historia del cine. Espero vuestros comentarios. 

Vamos a ello.

Nota de actualización: ESTE ARTÍCULO SE PUBLICA EN VERANO DE 2022, POR LO QUE PELÍCULAS POSTERIORES NO ENTRAN EN ESTE TOP

22. Destino de caballero (2001), de Brian Helgeland.

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En el siglo XIV, un escudero con talento para las justas se hará pasar por un noble para poder competir en los torneos.

Tras el éxito de El patriota, un ya famoso Heath Ledger pre Joker siguió ampliando su fama de ídolo de quinceañeras con esta original y entretenida mezcla de aventuras medievales y romance cuya mayor virtud es el anacronismo con el que se aborda la trama. Véase las justas a ritmo del We will rock you de Queen. Y todavía habrá gente que diga que el grupo británico no tiene carácter atemporal.

DISPONIBLE EN: NETFLIX

 

21. Ivanhoe (1952), de Richard Thorpe.

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Una de las mejores novelas de aventuras de todos los tiempos, la fundacional Ivanhoe de Walter Scott, fue adaptada por el artesano Richard Thorpe, que nos regaló una de las películas medievales más emblemáticas del periodo clásico de Hollywood.

Y claro, hablamos de la época que mejor abordó el género. En Ivanhoe pasa de todo a un ritmo endiablado. Además, cuenta con un reparto repleto de leyendas del Hollywood de los años 50.

NO DISPONIBLE EN PLATAFORMAS.

20. Robin Hood (2010), de Ridley Scott.

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No será la primera en aparecer, ya que se trata del personaje medieval más adaptado a la gran pantalla, pero la Robin Hood de Ridley Scott merece entrar en esta lista pese a los palos que se llevó en su estreno.

Se trata de la menos brillante de las aproximaciones que el viejo Ridley realizó al género de aventuras… pero estamos hablando de uno de los mejores directores de la historia con uno de los rostros más reconocibles y carismáticos del género moderno: Russell Crowe, acompañado de Cate Blanchett, William Hurt, Oscar Isaacs o un gran villano con el rostro de Mark Strong. Lástima que el último tercio de la película no esté a la altura del resto de su metraje. En el momento en que Robin Longstride pasa a ser Locksley, la historia se va al garete.

DISPONIBLE EN: NETFLIX, AMAZON PRIME VIDEO, MOVISTAR +.

19. Francisco, juglar de Dios (1950), de Roberto Rossellini.

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Hay directores mediocres, buenos, magníficos, genios y luego están los que cambian la historia del cine. Uno de ellos fue Roberto Rossellini, el creador del neorrealismo italiano, surgido de las cenizas de una Italia devastada tras la II Guerra Mundial.

Rossellini abordó la vida de San Francisco de Asís a lo largo de varios episodios, utilizando las técnicas del neorrealismo, con un enfoque cercano al documental y el uso de actores prácticamente desconocidos para darnos una visión realista de un personaje fundamental para la historia de la Iglesia católica.

NO DISPONIBLE EN PLATAFORMAS.

18. Becket (1964), de Peter Glenville.

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En el siglo XII, Enrique II Plantagenet, rey de Inglaterra, intentó controlar todas las instituciones habidas y por haber en la época. De Francia a la nobleza, pasando por la Iglesia. Precisamente, Becket aborda los continuos conflictos entre el rey y el arzobispo de Canterbury, inicialmente un títere colocado por el monarca que se acabó rebelando contra él.

Notable película histórica con todos los alicientes del cine británico. Esto es, un excelente guión, un enfoque teatral, dirección sobria y poco arriesgada y, por supuesto, un excepcional duelo interpretativo entre un desmelenado Peter O´Toole y un sobrio Richard Burton que demuestra que es uno de los actores más infravalorados de la historia del cine.

DISPONIBLE EN: FILMIN

17. El león en invierno (1968), de Anthony Harvey.

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Estamos ante la clara secuela espiritual de Becket. No solo por continuar con la historia de Enrique II Plantagenet, sino porque este vuelve a estar interpretado por un Peter O´Toole más comedido, acorde a lo avejentado de su personaje.

El león en invierno cuenta la reunión de Enrique II con su mujer Leonor de Aquitania y sus hijos para abordar el asunto de la sucesión. Leonor ha estado encerrada durante años en una torre tras liderar una conspiración contra su propio esposo.

Aunque mantiene las mismas virtudes que Becket en lo que respecta a estilo y al virtuosismo de guión, El león en invierno es superior porque, pese a la pérdida de Richard Burton, ganamos a una Katherine Hepburn en un papel BRUTAL. Por algo es la mejor actriz de la historia del cine. Tanto ella como O´Toole se baten en un duelo dialéctico e interpretativo como pocos en la historia del cine. Ah, y es el debut de Anthony Hopkins, que interpreta a un futuro Ricardo Corazón de León con inclinaciones homosexuales.

DISPONIBLE EN: FILMIN.

16. Los señores del acero (1985), de Paul Verhoeven.

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A sus 84 años, a Paul Verhoeven le sigue importando poco la corrección política. Teniendo presente la alabanza unánime a su Benedetta en el festival de Cannes de este año, no está de más recordar su primera producción internacional: la medieval Los señores del acero.

Historia de mercenarios supersticiosos con ínfulas que consiguen un tesoro que resulta ser su perdición, Los señores del acero también es un relato sobre la lucha entre fanatismo y razón y el drama de un hombre enamorado, el carismático Martin, de una joven princesa que le acaba manejando como quiere. Todo ello narrado de una manera descarnada, desprovista de todo lirismo y con mucha picaresca.

DISPONIBLE EN: FILMIN.

15. Robin y Marian (1976), de Richard Lester.

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Se suele decir que los años setenta estadounidenses fueron la mejor década de la historia del cine. Razones no le faltan. Coincidieron en el tiempo el ocaso de los directores procedentes del periodo clásico con la nueva hornada de cineastas procedentes de la televisión. Y, con ello, la aparición de nuevas corrientes y la revisión de los géneros clásicos.

Solo así se explica que Robin y Marian fuera posible. Película de aventuras crepuscular, narra el regreso de un desencantado Robin Hood tras años de cruzada que descubre que Notthingham sigue igual que siempre y que su amada Marian ha elegido los hábitos de monja.

Violenta y alejada de toda épica, Robin y Marian cuenta con interpretaciones de primera, liderados por Sean Connery y una Audrey Hepburn en uno de sus últimos papeles. Inolvidable la declaración de amor final, uno de los momentos más románticos de la historia del cine.

DISPONIBLE EN: FILMIN.

  1. El hombre del norte (2022), de Robert Eggers.

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Tras deslumbrar a medio mundo con sus insólitas propuestas de terror La bruja y El faro, Robert Eggers saltó a las producciones de gran presupuesto con esta adaptación de un cantar islandés del siglo X, claro precursor de la historia de Hamlet.

El resultado es una película que funciona a medio gas por lo que puedo ser y no fue. La parte más física de la película es brutal, protagonizada por un Alexander Skargard candidato a mejor vikingo de la historia del cine. El problema es que la atmósfera, si bien ayuda a la inmersión en esa subcultura nórdica, tiñe a la película de un onirismo y una trascendencia que rompe el equilibrio a una película que pedía más yoyas y aventura de las que luego nos da.

NO DISPONIBLE EN PLATAFORMAS

13. Black Death (2010), de Christopher Smith.

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En una Inglaterra asolada por la Peste negra, un joven e idealista monje debe guiar a Ulric y sus caballeros a una remota aldea donde se dice que los muertos regresan a la vida.

Tenebrosa aventura medieval con un retrato desolador de la sociedad de la época, repleta de podredumbre y vacía de moral. Ningún personaje se libra de la quema en esta película a reivindicar, protagonizada por unos Sean Bean y Carice Van Houten pre Juego de Tronos y un joven Eddie Remayne.

DISPONIBLE EN: AMAZON PRIME VIDEO, HBO, FILMIN, MOVISTAR +.

12. La pasión de Juana de arco (1928), de Carl Theodor Dreyer.

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Película fundamental en la historia del cine. No solo se adelantó a su época sino que el uso que Dreyer dio a los primeros planos aún hoy no ha sido superado.

Retrato del juicio a Juana de Arco narrado con ritmo pausado, un tan extremo como único blanco y negro y con una concatenación de primerísimos primeros planos cuya finalidad es dotar de intensidad al sufrimiento de la soldado, con el rostro (ya mítico) de Maria Falconetti. Así, La pasión de Juana de arco es el mayor reflejo de la victoria de la imagen sobre la palabra. En definitiva, es la película que marca la esencia del cine como cine, y no como teatro filmado.

DISPONIBLE EN: FILMIN.

11. Andrei Rublev (1966), de Andrey Tarkovsky.

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Primera película personal del sacralizado Andrei Tarkovsky, uno de los máximos ejemplos del autor total, adorado por todos los críticos habidos y por haber. El cineasta de ritmo extremadamente pausado con un magistral uso de la imagen. En su cine prima la forma por encima del fondo. Lo que se ve sobre lo que se dice.

De todas sus películas, la más “digerible” para el gran público es la mastodóntica Andrei Rublev, biografía de un creador de iconos que le sirve al director para plasmar la sociedad medieval rusa del siglo XV y el eterno papel del artista, figura concebida de manera natural cuyo trabajo se debe proyectar más allá de la mera supervivencia. Denunciar, inspirar, emocionar… Vivir más allá de sobrevivir.

DISPONIBLE EN: FILMIN

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10. El manantial de la doncella (1960), de Ingmar Bergman.

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Pocos directores han manejado mejor lo alegórico de la imagen que Ingmar Bergman, capaz de tratar sin tapujos los temas más profundos de la manera más sencilla. A través de la historia de un rey religioso y comedido que manda a su hija a dejar una ofrenda floral en un bosque y las terribles consecuencias de lo que ocurre en dicho lugar, Bergman teje una fábula sobre la religión, el rencor o la venganza.

Lo que comienza como un ingenuo drama de relaciones acaba degenerando en todo un thriller terrorífico de venganza cuya sencillez la convierte en una de las obras más accesibles del mítico director sueco.

DISPONIBLE EN: AMAZON PRIME VIDEO, FILMIN.

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9. Alexander Nevsky (1938), de Serguei M. Eisenstein.

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Poco tengo que añadir sobre Alexander Nevsky que no dijera en este artículo sobre las 20 mejores batallas de la historia del cine:

Serguei M. Eisenstein fue uno de los cineastas más legendarios de la historia del cine. Pionero en el uso del montaje, lo utilizó de forma magistral en El acorazado Potemkin (1925), su película más conocida.

Tras varios años sin dirigir, volvió al ruedo para Alexander Nevsky, una película propagandística al servicio de la URSS de Stalin, en la que se cuenta la historia del héroe homónimo ruso. Un líder que derrotó a los caballeros teutones en 1242, en una batalla sobre un lago helado. La película fue concebida para enardecer al público soviético frente a una probable invasión de los nazis, pero fue rápidamente retirada de los cines por la firma de un tratado de alianza entre ambas naciones. Volvió a ser repuesta cuando los nazis invadieron la URSS incumpliendo el tratado.

Lo que aquí nos interesa es la batalla en cuestión, ya que ha sido el espejo en el que se han mirado infinitas veces en todas las películas con batallas importantes. La mayoría de las que vendrán a continuación siguen la misma estructura y contienen varios de los planos con los que Eisenstein experimentó.

Como buena película propagandística, Alexander Nevsky tiene un gran simbolismo. Los rusos visten de negro. Los teutones, de un blanco fantasmal. No es una batalla entre iguales, ya que el director busca retratar a los villanos como si hubieran salido del mismo infierno. Los momentos previos a la batalla están cargados de tensión mientras contemplamos la horda blanca surgida del averno preparándose para embestir a los defensores terrenales vestidos de negro.

La batalla en sí tiene momentos más irregulares, pero lo que es interesante, por saltarse el enardecimiento patriótico, es el momento posterior a la batalla. Un campo plagado de cadáveres con la música lírica de Prokofiev. A Stalin le incomodó el contraste entre la épica de la batalla y la desolación de la guerra. Como a todos los dictadores, a Stalin le incomodaba la verdad. Y con esa secuencia, aparte de conseguir la animadversión del dictador soviético, Eisenstein convirtió en antibelicistas casi todas las películas con batallas.”

NO DISPONIBLE EN PLATAFORMAS.

  1. El último duelo (2021), de Ridley Scott.

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Más conocido por ser el director de obras maestras absolutas como Alien o Blade Runner, poco se habla de la capacidad de Ridley Scott para entregar películas extraordinarias en, prácticamente, todos los géneros. Solo así se explica que el director británico nos deje, ni más ni menos, que tres películas en este top.

Desgraciadamente, la película no ha tenido el beneplácito del público, que no ha acudido al cine en masa a contemplar esta estupendamente ambientada historia de abusos que derivó en el último duelo a muerte en la historia de Francia. Enorme cuarteto protagonista para esta Rashomon medieval en la que se repite la misma historia con ligeras variaciones repletas de significado. Y claro, el duelo. Uno de los mejores combates de la historia del cine.

DISPONIBLE EN: DISNEY PLUS

  1. El guerrero número 13 (1999), de John McTiernan.

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Una de las películas más perfectas en su imperfección que se han rodado. El guerrero número 13 fue un proyecto inconcluso y fallido dirigido por John McTiernan, previsto para estrenarse en 1996 pero que no vio la luz hasta 1999 porque el autor de la novela en que se basa, el gran Michael Chrichton (Parque Jurásico, Westworld), despreció la película.

Aventuras oscuras con vikingos y seres de otra época con tufo demoniaco, El guerrero número 13 es aventura pura. Un entretenimiento donde la credibilidad es derrotada por los adustos vikingos, interpretados por actores nórdicos semidesconocidos; por el carisma de Antonio Banderas y por la imponente sinfonía de Jerry Goldsmith.

DISPONIBLE EN: DISNEY PLUS.

6. Los vikingos (1958), de Richard Fleischer.

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La película definitiva sobre la cultura nómada marina por excelencia, la que asolaba las costas británicas, bebía cerveza en cuernos y se morían (nunca mejor dicho) por alcanzar el Valhalla.

En Los Vikingos, una de las mejores aventuras clásicas de todos los tiempos, pasa de todo: viajes en barco accidentados, amor, asedios, traiciones, duelos a muerte y concursos de hombría. Aparte, cuenta con uno de los mejores protagonistas antihéroes de la historia del cine: Einar, el belicoso príncipe interpretado por un Kirk Douglas tan imponente a la hora de enfrentarse a su hermano Eric como desconcertado ante la princesa.

DISPONIBLE EN: FILMIN

5.El séptimo sello (1957), de Ingmar Bergman.

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La partida de ajedrez más conocida de la historia del cine (y eso que hay unas cuantas). El duelo entre un desengañado caballero cruzado que vuelve a su Suecia natal y la muerte sirve a su director Ingmar Bergman para parir su película más reconocida a nivel internacional y un reflejo más de como el director sueco conseguía plasmar sus obsesiones en todas las películas que componen su dilatada carrera.

Emparentando el fanatismo religioso y la desesperanza imperante en la Edad Media con el mundo dominado por la amenaza nuclear de los años 50 del siglo XX, Bergman nos regala una de las películas definitivas sobre la angustia existencial en una vida bajo la sombra de la muerte. De paso, gracias a su maestra capacidad alegórica, nos regala algunas de las imágenes más reconocibles del séptimo arte.

DISPONIBLE EN: AMAZON PRIME VIDEO, FILMIN

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  1. Robin de los bosques (1938), de Michael Curtiz y William Keighley.

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Junto con Alarma en el expreso, del mismo año, la película que lo empezó todo. No hablo de la historia del cine, sino de mi historia con el cine.

Puro cine de evasión y una de las cimas de la colaboración Michael Curtiz-Olivia de Havilland-Errol Flynn, Robin de los bosques es la película definitiva sobre el forajido inglés y su lucha contra el príncipe Juan. Por mucho Kevin Costner, Taron Edgerton, Russell Crowe o Sean Connery, Hood siempre tendrá la socarronería y el rostro del inimitable (tanto delante como detrás de las cámaras) Errol Flynn, el corazón de la película.

DISPONIBLE EN: AMAZON PRIME VIDEO, FILMIN.

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  1. El reino de los cielos, la versión del director (2005), de Ridley Scott.

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Visto lo visto, el montaje del director más justificado del cine reciente (no, no es el La liga de la justicia de Snyder). Esta vez no tenemos los recortes que los productores exigieron al incombustible Ridley Scott. Por tanto, nos encontramos ante la visión más ambiciosa de las Cruzadas. Una épica de tres horas con conflictos familiares, fanatismo religioso y tramas que, esta vez, sí tienen sentido.

Ah, y grandes batallas. La única pega, el protagonismo de un Orlando Bloom para un papel que pedía más carisma. Por comérselo, lo hace hasta un Edward Norton interpretado a un Balduino consumido por la lepra y que esconde su rostro tras una máscara (que también tenemos unas cuantas en la historia del cine).

NO DISPONIBLE EN PLATAFORMAS.

  1. Braveheart (1995), de Mel Gibson.

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Aunque yo era un tierno querubín con poco interés en algo que no fuera un sonajero, puedo imaginarme como Mel Gibson rompió las taquillas de medio mundo con un drama medieval, género de capa caída en los años 90.

Todo el mundo sabrá (y quien no, que se vaya corriendo a verla), Braveheart cuenta la historia del rebelde escocés William Wallace. La película es puro sentimiento, tanto que desborda las posibles inexactitudes y convencionalismos de su historia, que revienta a base de épica.

Y si no, quien diga que no se ha emocionado con las violentas escenas de acción y las dos historias de amor, todas ellas orquestadas por la inolvidable composición de James Horner.

DISPONIBLE EN: AMAZON PRIME VIDEO, HBO

  1. El nombre de la rosa (1986), de Jean Jacques Annaud.

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Mira que era difícil cumplir con las expectativas. Adaptar uno de los best sellers fundamentales de la segunda mitad del siglo XX, una fascinante reflexión filosófica medieval disfrazada de intriga holmesiana (por algo el protagonista es Guillermo de Baskerville). La jugada le salió perfecta a Annaud, con una película impecable que se centra totalmente en la intriga.

Sin embargo, El nombre de la rosa no es solo una película de suspense. También está su sombría fotografía. Jamás habíamos visto la Edad Media de esa manera, con unos actores asombrosamente caracterizados que conjugan perfectamente con el tono tenebroso de lo que nos cuenta. Y claro, como olvidar al inmortal Sean Connery como paladín de la razón en la era del miedo.

DISPONIBLE EN: AMAZON PRIME VIDEO, FILMIN.

¿Qué os ha parecido? ¿Estáis de acuerdo con el ranking?

Un saludo y sed felices!

Análisis de Tales of the Walking Dead. Temporada 1. Episodio 3

La tercera entrega de esta primera temporada de Tales of the Walking Dead nos ha contado el origen de Alpha con un episodio mucho más oscuro que los anteriores, una Samantha Morton brillante y un estilo más semejante a la serie principal.

Bienvenidos otra vez, amigos de los apocalipsis zombies, para analizar una nueva entrega de Tales of the Walking Dead. Si algo tienen las series de formato unitario y autoconclusivo es que cada episodio puede ser una caja de sorpresas y, justamente, Dee (tal el título del tercero), nos ha traído una entrega oscurísima que nos ilustra sobre el pasado de una de las villanas más emblemáticas de TWD con un par de revelaciones ajenas a nuestros cálculos.

Este episodio de la serie de AMC creada por Scott M. Gimple y Channing Powell cuenta con la dirección de Michael Satrazemis, responsable de algunos de los mejores episodios tanto de la serie principal como de Fear the Walking Dead y que ya había tenido a cargo el anterior, pero este es enteramente diferente.

Pasemos sin más a conocer y analizar el pasado de Alpha advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y dejando links a nuestros análisis de esta y otras series de la franquicia.

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

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Dee

“Déjame contarte cómo morí…”

Eso es lo que apenas comenzar nos dice una voz que nos suena familiar pues no es otra que la de Samantha Morton. O Alpha, si lo preferís. O Dee, pues esta entrega nos retrotrae a los días en que aún tenía pelo y era conocida por ese nombre.

Brooke (Lauren Glazier) es la propietaria de un vapor fluvial de estilo Mississippi en el que tanto ella como sus pasajeros estables viven en permanente fiesta y en un mundo ideal mientras navegan el apocalipsis zombie. Entre ellos se encuentra nuestra ya conocida junto a su hija Lydia, interpretada, en versión infantil, por Scarlett Blum.

Se trata, por lo tanto, del pasado de Dee (Alpha) y de su hija, historia de la que sabemos largo y tendido por la serie principal desde la novena temporada en adelante, pero poco sobre sus orígenes. Dee ya ha matado a su esposo Frank delante de la niña y ello hace que esta le rehúya y prefiera, por el contrario, la compañía de Brooke, quien la apaña entre cuentos de hadas y le da todos los gustos al punto de organizarle una fiesta de cumpleaños como la que hubiera tenido cualquier niña antes de que comenzaran a despertar los muertos.

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Ello molesta sobremanera a Dee, no solo por el celo de que alguien “externo” tenga tal ascendente sobre su hija, sino porque además le está mostrando un mundo ideal en lugar de enseñarle a sobrevivir en el real. De talante permanentemente circunspecto y depresivo, Dee luce una imagen de loser que lleva al menosprecio del resto y, en particular, del cantinero Billy (Nick Basta).

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A Dee no le gusta el tipo: no solo por el ninguneo sino porque además le ha visto hacer señales con un espejo para alguien en los alrededores, fuera del barco. Cuando le plantea a Brooke que no confía en él, esta minimiza el asunto y simplemente la ve como rencorosa. Pero pronto desaparece del barco un tal Langston y ello reaviva las sospechas de Dee.

Cuando saca un cuchillo en su presencia, Billy se arroja a las pantanosas aguas y los desaparecidos pasan a ser dos, lo cual provoca contra Dee una lluvia de recriminaciones y culpas, por lo que, temiendo ser expulsada y separada de su hija, oculta a esta en un bote para llevársela de allí.

Sus sospechas acaban por ser ciertas. Mientras permanece a escondidas, ve a Billy retornar al barco acompañado con cinco compinches para poner de rodillas a todo el pasaje. Quieren lugar a bordo y están decididos a eliminar a seis pasajeros para tenerlo: más aún, comienzan a hacerlo, en una escena que remite a Negan al final de la sexta temporada de TWD.

Pero Dee acecha cuchillo en mano desde las sombras y tras rebanar el cuello de uno de los miembros de la banda, genera tal revuelo que los pasajeros se rebelan y la cosa termina en gresca con tiros incluidos. En la confusión, escapa con su hija mientras otros hacen lo propio a bordo de los botes pero, claro, en la orilla no desaparece el peligro y son atacados por caminantes. Dee protege a su hija bajo el cuerpo de uno de ellos y, para camuflarse, embadurna tanto su rostro como el de la niña con sangre: vemos así nacer la costumbre casi ritual de lo que después será su grupo…

Al salir de su escondite, da cuenta de los caminantes que quedan en la escena y está a punto de hacer lo mismo con Brooke, pero el desesperado ruego de Lydia la hace preferir, en cambio, tajearle la cara como marca recordatoria de que nadie le saca lo suyo.

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Dee quiere enseñar a su hija a sobrevivir, pero al ser acechadas por caminantes en un parque de casas rodantes y dar cuenta de ellos, ve que esta permanece sin reacción y con ojos aterrados. Llega a la conclusión de que el mundo no es lugar para ella y está a punto de darle muerte, como en su momento hiciera con Frank o, inclusive, con su propio padre, tal cual nos ha confesado en off que hizo a los nueve años.

Pero se escuchan voces entre los árboles y Lydia relaciona con las hadas de las que Brooke le ha hablado. Lejos de ello, son los Susurradores, quienes lucen sus clásicas pieles de caminantes y son liderados por una mujer de cabello platinado llamada Hera. A partir de allí, tenemos un final abreviado y prácticamente en off, pero sabemos que la niña huyó y que Dee terminó tomando el lugar de Hera, tal como lo demuestra la cabeza zombificada que, con cabellera platinada, tiene en una cueva.

Vaya: parece que finalmente no fue Dee la fundadora de los Susurradores y, por cierto, ya no es Dee sino Alpha; a su modo, ella también ha revivido…

Balance del Episodio

Tal como fue dicho al inicio, esta ha sido, de las tres entregas que llevamos, la más cercana al tono de la serie principal de la franquicia y hasta agregaría superior a muchas de la misma. Incluso puede considerarse como precuela o gran flashback sobre los orígenes de Alpha.

Tal vez muchos fans la vean, por lo tanto, como la mejor hasta aquí y coincido, pero no porque se parezca más a lo conocido (en lo personal, valoro siempre el intento de construir algo diferente) sino por ser también el episodio más sólido y mejor cerrado desde lo narrativo.

Lejos del optimismo en que acababan los dos anteriores, aquí solo se nos ha ofrecido oscuridad y pesimismo, alejando así los temores expresados por este redactor de que los episodios pudieran volverse previsibles en su planteo final: ni la luz ni la felicidad ni los cuentos de hadas sirven en ese mundo… Solo adaptarse a la realidad por dura que sea y allí es donde entra Dee o Alpha, que hasta ha deslizado un par de frases exaltando la capacidad evolutiva y supervivencia del más apto.

Ahora sabemos que no solo asesinó a su esposo sino también a su padre y ello nos hace pensar en una probable infancia de abusos que haya después hecho extensiva a su hija: la vamos entendiendo (no justificando). No sorprende que lo haya matado ni que haya estado a punto de hacer lo propio con la niña: la verdadera sorpresa es que no fue la fundadora de los Susurradores (a cambiar la información en todos los sitios fandom) sino que usurpó el liderazgo a través del asesinato y la selección natural a la que rinde culto.

El trabajo actoral de Samantha Morton ha sido realmente notable, luciéndose mucho más que en la serie principal al estar el episodio prácticamente centrado en ella: no en vano tiene dos nominaciones al Oscar sobre su cabeza.  Y es muy interesante el antagonismo con Brooke como metáfora de mundos en conflicto (la pareja de Brooke, en cambio, fue un personaje que no aportó absolutamente nada).

Lo del barco fluvial es una gran idea y recuerda a La Máscara de la Muerte Roja, clásico relato de Edgar Allan Poe en que el príncipe Próspero vive de juerga con su corte mientras se aísla (a la larga en vano) de la peste que está asolando la comarca.

Se nota, por otra parte, la mano de Michael Satrazemis, quien ya tiene larguísima experiencia en una franquicia en que se mueve como pez en el agua o caminante en el apocalipsis. Quizás podamos preguntarnos por qué, siendo las entregas unitarias, no se eligió esta para abrir la serie, pero creo que dos cuestiones lo explican: por un lado, la presencia de Terry Crews y Olivia Munn en el episodio inicial podía atraer a una franja de público quizás ajena a la franquicia; por otro, abrir con este hubiera generado la expectativa equivocada de que la serie se asemejaría a la principal cuando, a la vista de los tres episodios ya vistos, está claro que no es así.

Veremos qué nos depara el siguiente y les espero aquí para analizarlo. Gracias por leer y sean felices…