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Crítica de The Umbrella Academy (2019): los excéntricos superhéroes de Netflix

Por fin ha llegado a las pantallas de nuestros ordenadores The Umbrella Academy, la esperada adaptación en la plataforma Netflix del cómic homónimo creado por el guionista Gerard Way y el dibujante Gabriel Bá. Se trata de una serie más de superhéroes, en dura lid contra decenas de productos similares que amenazan con saturar al público: las iniciativas de DC en la CW y en su futura plataforma, las series de Marvel en Hulu y en la propia Netflix, la secuela de Watchmen de la HBO… en fin, este estreno se enfrenta a un aluvión de competidores. Sin embargo, se nos ha vendido como una serie diferente y rompedora dentro de lo que cabe, al estilo de la psicodélica Legión. Este logro es lo único que podría aportarle algo de relevancia en un mercado que ha acabado formando una burbuja a punto de estallar. ¿Ha conseguido alcanzarlo? Descubrámoslo.

Escuela para niños especiales

Un día, alrededor de todo el globo, nacen 43 bebés de madres que no habían dado signos de estar embarazadas. A través de un excelente y divertido montaje con narrador al comienzo del primer episodio descubrimos que Sir Reginald Hargreeves, excéntrico millonario e inventor, consigue adoptar a siete de estos niños y darles un hogar en la llamada «Umbrella Academy». A cada uno de ellos se les asignará un número, y pronto veremos que los seis primeros acaban desarrollando poderes fuera de lo común que les convertirán en auténticos superhéroes y en celebridades de la noche a la mañana. Mientras tanto, la pobre Número 7 pasa a segundo plano por su falta de habilidades especiales.

the umbrella academy niños las cosas que nos hacen felices

En principio, esta idea resulta muy familiar: una academia para enseñar a unos jóvenes variopintos a utilizar sus dones. Se ha aplicado a los superhéroes, con la Patrulla-X o la Academia Vengadores. A los magos, como el archiconocido Harry Potter. Y hasta a los asesinos. Entonces, ¿qué novedades aporta The Umbrella Academy? Para empezar, la acción se sitúa años después de que la Academia se haya disuelto. Algunos de sus miembros han muerto, algunos han desaparecido, otros se han exiliado. Pero una noticia repentina reunirá al grupo: Pogo, el chimpancé inteligente que tuvieron como criado en la infancia, les avisa del fallecimiento de su padre. A lo largo de la serie, tratarán de resolver el misterio de su muerte, pero pronto se encontrarán con un problema mucho más acuciante. Número 5, que había desaparecido en el futuro, vuelve para advertirles de que, en unos días, llegará el fin del mundo.

Asignaturas aprobadas

El argumento, que parece de lo más típico, se irá complicando a lo largo de estos diez capítulos de una hora para dar lugar a una enrevesada historia de superhéroes, asesinos, viajes en el tiempo y… ¿música? Sí: se nota que la serie está basada en una historia concebida por un cantante. La estética de videoclip que este producto adquiere en algunas de sus escenas más impactantes le aporta un toque original y propio. En realidad, todo el primer capítulo es un ejercicio de estilo que nos presenta de forma original a los protagonistas y a la situación en la que se encuentran antes de la defunción de su padre. Aunque no se logra replicar este impacto inicial, The Umbrella Academy consigue establecer una identidad visual propia, como ya hizo Legión. Además, a pesar de que se omiten o minimizan algunos de los aspectos superheroicos del cómic original, la serie lo compensa con ideas desquiciadas y giros del guión que dejarán a confuso a más de uno. Los poderes de los niños, por ejemplo, no supondrán ninguna novedad para los lectores de tebeos, pero pocas veces se ha visto algo parecido en el terreno audiovisual.

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El principal acierto de esta serie es retratar de forma magistral a unos personajes atormentados por su inflexible padre que, sin embargo, siguen intentando actuar como superhéroes. Cada uno de los seis miembros supervivientes de la Academia obtiene el mismo nivel de protagonismo: aunque el pasado de Número 5 en su exilio espacio-temporal es el catalizador de toda la historia, todos tienen un arco propio que acaba repercutiendo en la trama principal y desembocando en un cliffhanger que promete una segunda temporada. Las interacciones entre los miembros de esta familia disfuncional plagada de secretos son el elemento más conseguido de la serie, más allá de algún momento brillante de locura, pero no son los únicos que experimentan una evolución personal. Casi todos los personajes, desde los divertidos villanos hasta la camarera que le sirve un café a uno de los héroes, acaban suscitando cariño: son raros, pero se les quiere.

Por último, hablando de personajes, hay que destacar el trabajo de unos intérpretes que logran insuflar vida a estos excéntricos personajes. Robert Sheehan, conocido por la serie Misfits, destaca como el demente Número 4, y Ellen Page muestra la timidez necesaria para que nos compadezcamos de Número 7. El veterano Colm Feore refleja el misterio de un intrigante Reginald Hargreeves, pero no es el mejor actor de esta serie. No: ese honor le corresponde al soberbio Aidan Gallagher, de quince años, que le da vida a un adulto atrapado en el cuerpo de un niño. Tanto su tono de voz como sus modismos consiguen contribuir a la creación del mejor héroe de todos cuantos pueblan esta rara serie.

Asignaturas suspensas

Por supuesto, la serie tiene sus problemas: el final llega de manera algo apresurada, sobre todo teniendo en cuenta que los dos últimos episodios tienen 15 minutos de duración menos que el resto. Esto resta impacto emocional a algún momento que debería haber sido más épico, y resulta frustrante si consideramos lo bien que se habían dosificado los avances argumentales a lo largo de los primeros ocho capítulos para que no hubiera ninguno de relleno. Otro de sus fallos más relevantes es de coherencia interna: a juzgar por las reacciones de la gente a su alrededor, los miembros de The Umbrella Academy parecen vivir en un universo como el nuestro, en el que todavía no se conoce la gran cantidad de rarezas de la que sus habitantes son capaces. Sin embargo, los protagonistas se han convertido en estrellas, y se alude a antiguas aventuras que deberían haber abierto los ojos a una generación entera que ha crecido con sus muñecos. Sus futuras temporadas deberán explicar mejor cuánto se sabe en este mundo sobre estos niños raros con superpoderes.

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Además, aunque esto puede deberse a problemas de presupuesto, la serie podría haber mejorado su estética con algunos diseños más atrevidos o enseñando a algún supervillano variopinto en los primeros flashbacks en lugar de a unos simples atracadores de bancos. En este sentido, a este producto le perjudica la comparación con un tebeo en el que los protagonistas combaten a la Torre Eiffel y a una versión zombi de su creador, pero la ausencia de complejos a la hora de plasmar los elementos más ridículos y distintivos del género superheroico habría contribuido mucho a mejorar The Umbrella Academy y a diferenciarla de tantas competidoras. Aun así, estos complejos desaparecen por completo en algunos momentos de la trama, como en la historia de Número 1.

Conclusión

A medio camino entre la accesible Arrow y la extraña Legión, esta serie ha logrado suscitar el interés necesario como para contar con una renovación segura. Ofrece un divertimento relativamente original dentro del género de superhéroes, y conjuga de manera magistral el humor y el drama que rodea a este grupo de inadaptados. Tiene sus fallos, pero sus aciertos logran formar un magnífico paraguas para taparlos. Sin duda, merece la pena seguir las desventuras de la familia Hargreeves.

Reseña de La Ira de Eternal Warrior: Laberinto

«Espectacular … El dibujo es de otro mundo».

The A.V.Club

«Una inteligente combinación de fantasía y superhéroes modernos».

Uproxx

Introducción

En el mes de Febrero de 2019, Medusa Cómics publica el segundo tomo de la colección La ira de Eternal Warrior. Dicho tomo recopila el arco argumental Laberinto, que comprende los números 5 al 10 de la colección Wrath of the Eternal Warrior. Colección posterior a la cabecera Eternal Warrior de la que te hablé en mi Reseña de Eternal Warrior. Edición de Lujo 1. Puedes leer esta y otras reseñas de los personajes del Universo Valiant en los siguientes enlaces:

La historia que nos ocupa está contenida en el tomo Wrath of the Eternal Warrior: Labyrinth, La Ira de Eternal Warrior: Laberinto, que es el que Medusa ha editado en España incluyendo, a modo de extras, las portadas originales y alternativas de los números USA así como bocetos de uno de los dibujantes de la saga, Juan José Ryp.

Eternal Warrior Laberinto Cosas felices

Valoración de La Ira de Eternal Warrior: Laberinto

La Ira de Eternal Warrior: Laberinto es una historia que, atendiendo a los dibujantes que participan en ella, podríamos dividir en dos partes. Una primera parte, dibujada por el mencionado Juan José Ryp, que abarcaría los dos primeros números, Wrath of the Eternal Warrior #5 y #6 (16). Esto dos números son planteados por el guionista de Eternal Warrior, Robert Venditti, como un preludio de Laberinto. Para, a continuación, pasar a la saga propiamente dicha, a la que dedicaría los números restantes, Wrath of the Eternal Warrior #7 -#10 (16) pero con Patricia Martín y Raúl Allén a los lápices, más una ayuda de Robert Gill con Michael Spicer en el último número, que viene a ser como un epílogo de Laberinto así como una preparación de lo que está por venir.

Aunque Gilad Anni-Padda sea llamado el Guerrero Eterno eso no quiere decir que sea inmortal sino que puede renacer cuando quiera. Este hecho se nos mostró en el tomo anterior a este, La Ira de Eternal Warrior: Renacido, que contenía el primer arco argumental de este nuevo volumen del personaje. En él, La Tierra vuelve a reclamar a su protector, fallecido en la defensa de una Geomance, nombre que reciben los místicos a los que el Guerrero Eterno tiene la obligación de defender.

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El caso es que Gilad consigue volver al mundo de los vivos. Al hacerlo aparece en un extraño laboratorio donde es observado por un enigmático personaje, cuya identidad se nos revelará en el tomo que estoy analizando. Para hacerlo, Venditti se remonta al pasado, a una de las vidas de Gilad en la Antigua Mesopotamia. Con ello quiere mostrarnos que este sujeto lleva siglos observando al Guerrero Eterno. Para plasmar este preludio nada mejor que el estilo crudo y realista del dibujante de Britannia, Juan José Ryp, de cuyas virtudes ya hablé en mi Reseña de Britannia: Los que van a morir. Segundo arco argumental del detective romano creado por Milligan y Ryp.

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Pasados estos dos números volvemos de nuevo al presente, al laboratorio en el que había aparecido Gilad al final de La Ira de Eternal Warrior: Renacido. Su misterioso adversario le reta a superar el Laberinto en el que lo ha encerrado. Un Laberinto lleno de trampas mortales que harán que Gilad muera y renazca una y otra vez. De esta forma su enemigo espera descubrir el secreto de la inmortalidad de Gilad. Para mostrar esta mortal trampa en todo su esplendor nada mejor que el dibujo de Patricia Martín y Raúl Allén. Su estilo, del cual hablé en mi Reseña de Secret Weapons. Heisserer, Allén y Martín nos presentan a las Armas Secretas de Valiant, basado en atrevidas y variadas composiciones de páginas, alternando pequeñas y medianas viñetas, es perfecto para mostrar toda este asfixiante entorno mortal, elaborada por un adversario digno del Eternal Warrior en intelecto y experiencia.

 

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Cierre

Si a la capacidad de Robert Venditti para combinar elementos de Ciencia-Ficción con Fantasía heroica le sumamos los talentos mencionados de los tres grandes dibujantes españoles que participan en La Ira de Eternal Warrior: Laberinto, tenemos un producto redondo que no defraudará a los seguidores de este título. Uno de los más destacados del Universo Valiant por la calidad de los autores implicados.

Espero que te haya gustado este post. Si es así, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!

 

 

Análisis de Clase Letal (Deadly Class). Temporada 1. Episodio 4

Bienvenidos una semana más a la Sala de Estudios de King’s Dominion, el lugar desde el que vamos a analizar todos los capítulos de Clase Letal. Así que ya sabéis, si no queréis leer spoilers más os vale ver el capítulo antes de leer este post.

Aquí puedes ver los análisis de los capítulos anteriores

En este episodio vemos las consecuencias de las acciones de nuestros protagonistas en el capítulo anterior. El director Lin castiga a Marcus, Saya, Chico, Petra, Viktor y Jaden, no por sus acciones en sí sino por qué los pillaron. Seguimos viendo cómo en la escuela las lecciones que los muchachos tienen que aprender distan mucho de las enseñanzas tradicionales. Así que los castigados tendrán que pasar todo el fin de semana encerrados en la biblioteca sin poder salir y casi sin comida.

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Un castigo en la biblioteca, todo un clásico en la escuelas norteamericanas

Maria ve una gran oportunidad en la detención de Chico y le pide a a Willie que le consiga un pasaporte falso para poder escapar de él. A estas alturas ya tenemos muy claro que Maria no está precisamente enamorada de su pareja y su relación tóxica es una de los motores de la serie, cobrando más importancia cada capítulo que pasa.

El otro punto de interés lo tenemos en Billy, que recibe una llamada de su hermano anunciándole que hay problemas en casa. El joven punk sale de la escuela para ir de visita y conocemos a su padre, un policía corrupto y maltratador que tiene atemorizada a toda su familia. Después sabremos que el padre tiene una enorme deuda con la mafia y la única manera de pagarla es mandar a su hijo a King’s Dominion para convertirlo en asesino y que así trabaje para sus deudores. Poco a poco vamos conociendo más de los protagonistas y de las circunstancias que los han llevado a la escuela.

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Billy hace una visita a su familia, aunque será una visita no demasiado agradable

En la biblioteca, los castigados discuten sobre si somos cómo somos por naturaleza o si es el entorno y la sociedad la que nos hace ser determinada manera. Este es un tema que tiene mucha importancia en la serie. Todos son hijos de familias de asesinos o criminales en potencia, así que tienen que decidir si dejarse llevar por las expectativas depositadas en ellos y por el pasado terrible que muchos arrastran o ser algo más y buscar su propio camino en la vida.

Los pobres se mueren de hambre por lo que deciden salir y buscar el cuarto en el que están requisados todos los objetos de los alumnos que han sido castigados, un sitio que se supone también estará lleno de golosinas y comida insana. Además Saya quiere recuperar su katana, ya que en ella reside su honor según el código del bushido, un código moral y ético que Marcus no puede llegar a entender.

El problema es que ya habíamos visto en el episodio anterior que la yakuza iba a ir a por Saya. Dos asesinos entran en la escuela buscando a la joven japonesa aprovechando que Lin se marcha. ¿Y dónde va el director? Pues a ver a una amiga (y por ver me refiero a acostarse y tener un momento de intimidad lejos de una plaga de jóvenes con instintos homicidas). A ella le dice que sigue dándole vueltas a lo que pasó con Denke y le confiesa que él tenía otra cosa en mente para la escuela. A Lin siguen asaltándole las dudas y este puede ser un motor de conflicto que traiga cambios en King’s Dominion. La dudas que nos quedan es ¿quién es esta misteriosa mujer?¿A qué se refiere cuando le dice a Lin que ella sí consiguió escapar?

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Los asesinos de la yakuza dan mucho miedo y son tremendamente letales

Los asesinos de la yakuza logran llegar hasta los castigados en su búsqueda de Saya, hieren de gravedad a Petra y a Viktor y matan a Jaden (algo que se veía venir, es lo que tiene no ser uno de los protagonistas de la serie, eres carne caño). Los jóvenes consiguen atrincherarse en la biblioteca y Chico, Saya y Marcus salen por los conductos de ventilación para buscar ayuda.

Petra se queda con Viktor y el ruso le dice que siente haberse portado como un capullo en la fiesta (es lo que tiene ver de cerca a la muerte, se te ablanda el corazón) mientras que la joven gótica le cuenta su pasado, algo que, como es seña de identidad de esta serie, vemos a través de un gran secuencia de animación. Y si el pasado de Marcus, Willie o Bily parece horrible, el de Petra no se queda atrás. ¿Cómo van a ser buenas personas estos chicos con esos pasados?

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Petra y Viktor están al borde de la muerte

Saya por su parte confiesa que los asesinos van por ella. No salió bien de Tokio y tiene cuentas pendientes allí con varias personas, entre ellas su propio hermano.  Chico sugiere que habría que entregarla. Como no lo hacen, Chico acaba cerrando las puertas del pasaje de mantenimiento al que habían llegado por los conductos de ventilación, encerrando al resto con los asesinos. Una joya el muchacho. Y cuando Maria recibe el pasaporte falso que le proporciona Willie y va a su habitación a hacer las maletas, se encuentra a su novio, por lo que se acaban sus intenciones de huir.

Los asesinos dejan KO a Marcus para llevarse a Saya, pero justo cuando van a salir se encuentran a Lin que regresa a la escuela. Después de una dura batalla Lin, Marcus y Saya logran derrotar a sus oponentes. Uno de ellos escapa y el otro es asesinado por la joven japonesa y resulta ser su propio primo.

Al final Petra y Viktor sobreviven y Marcus y Saya se ven el tejado de la escuela, donde la chica demuestra que no es tan dura como quiere aparentar. La muerte de su primo y la situación que ha dejado en Japón la afecta y Marcus le ofrece todo su apoyo (y su joven corazón enamorado) de tal manera que los dos jóvenes estrechan lazos.

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Saya y Marcus cada vez son más cercanos

Otro punto de interés de capítulo es como el “follacabras caraquemada” que era el compañero de habitación de Marcus va estrechando el cerco, buscando a su antiguo compañero para saldar cuentas y llegando ya a tener conocimiento de la escuela. Sin duda el reencuentro entre dos personajes promete ser de gran importancia para la serie.

Y al final del episodio Marcus habla con Billy y este le cuenta todo lo que ha pasado con su familia. No ha podido matar a su padre a pesar de ser un cabrón maltratador así que le pide ayuda a su amigo. Quiere ir a Las Vegas con él para matarlo.

RECOMENDACIONES DEL CAPÍTULO. Una película: Robocop, de Paul Verhoeven. Un disco: The Head on the Door, de The Cure. Un comic: Grim Jack, de John Ostrander y Timothy Truman (¡Willie también lee comic independiente!).

El cómic de la semana: Harbinger Edición de lujo 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos Harbinger Edición de lujo 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Una edición a la altura de las mejores

Realmente tengo que admitir que me gustan las ediciones de lujo que Medusa, una editorial pequeña en España otorga a sus colecciones mas importantes. Medusa arriesga mensualmente con colecciones en grapa como XO-Manowar como gran referente pero no olvidemos otras tantas como Ninjak o Bloodshot por poner unos ejemplos rápidos que me vienen a la cabeza. Pero aún así se las arreglan para publicar casi mensualmente un cómic en rústica y otro en cartoné o lo que es lo mismo, en tapa dura en edición de coleccionista.

Y en estas estamos, en que Medusa está publicando varias colecciones de principios de década en tomos de lujo en tapa dura. Ya ha comenzado con XO-Manowar, con la colección de 2012 e incluso se ha atrevido con varios eventos como Armor Hunters o Book of Death entre otros. Ahora le toca el turno a la serie de Harbinger, la serie de 2012 que duró 25 números.

En este primer tomo tenemos los 10 primeros números y entiendo que habrá un tomo extra con las primeras Harbinger Wars que acotarán los números 11 al 14 de la colección regular más la limited serie. Y si no me fallan las cuentas y para finalizar habrá un segundo tomo de Harbinger con los números 15 al 25 que sería posterior al de Harbinger Wars. Así por tanto tendremos completa en edición de lujo en dos tomos con el extra de las primer guerras Harbinger.

En primer lugar tengo que dar gracias a que este tomo no sólo contiene los cómics propiamente dichos, sino que además presenta un sinfín de extras con bocetos de personajes e ilustraciones. Siempre es de agradecer un plus en estos tomos de lujo. Ademas, para todos los que seguís la edición de Valiant a través de Medusa, el formato el cómic respeta todos los anteriores publicados, haciendo uniforme el diseño. Para algunos es la mejor edición y para otros quizás hubieran preferido mayor variedad. Ese detalle es subjetivo. Y si alguien todavía tiene alguna duda del formato tengo que recordarle que son 280 páginas de lectura en una edición en tapa dura con solapas. Sin duda eso de edición de lujo se asemeja a la realidad: una edición de coleccionista.

La historia en sí es bastante correcta con tintes espectaculares. No hablo del mejor cómic del mundo pero si que puedo hablar de una historia superior a la media del cómic de superhéroes actual, lo cual ya sube enteros. Me recuerda un poco al concepto de los mutantes de Marvel, perseguidos y odiados con dos facciones muy diferenciadas. Bueno, para ser justos existe la facción de los malos, la Fundación Harbinger liderada por Toyo Harada hasta que finalmente se crea el grupo de los Renegades. Pero lo que si es cierto es que vemos la historia desde la perspectiva de un nuevo héroe circunstancial llamado Peter Stanchek que gracias a sus habilidades va reuniendo y despertando a otros con dones parecidos, o como dirían en La Casa de las Ideas, un factor X-tra. Creo que en el universo Marvel los llamarían mutantes, pero como esto es Valiant el nombre no lo utilizan, supongo que por derechos de autor.

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Reconozco que el cómic es muy entretenido y tiene una lectura muy amena. No conocía de nada a su guionista Joshua Dysart pero al menos creo que es un guionista que cumple con el expediente. Cuando me he metido en Wikipedia para ver sus otras obras me ha sorprendido su pobre bagaje. No hablo de calidad sino de cantidad, sobre todo en historias de Valiant o miniseries o tomos independientes. Supongo que en algún momento dará un salto a alguna de las editoriales grandes. Respecto al dibujo tengo más recelos porque el baile de dibujantes es constante y eso si que es la peor parte de la historia, ya que lastra en gran parte su lectura. Aún así creo que este tomo de Harbinger es un buen arranque para quien quiera conocer al personaje y un buen punto de partida para todo aquel que quiera profundizar en el universo Valiant ya que tocan muchos conceptos del mismo en esta serie.

Os dejo enlace a la editorial y portada de la edición española.

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Un saludo y sed felices.

Bravely Default (Nintendo 3DS): el combate nos hace olvidar la historia

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Ay, cómo echamos de menos el Final Fantasy VII, ya Japón no hace cosas así desde ni se sabe. O no. O puede que Final Fantasy VII le tengamos ese cariño desproporcionado por haber sido para toda una generación el primer juego de rol japonés que probamos. Puede que no sea el mejor de su género. Puede que ni esté entre los cinco primeros de su género. Puede que ni siquiera sea uno de los tres mejores de la saga Final Fantasy. Pero, como todo en la vida, demasiadas veces el cariño que tenemos a alguna cosa no tiene mucho que ver con lo buena o mala que ésta última fuera. Que conste, de todos modos, que a mí me encantó Final Fantasy VII. Lo tengo aún hoy para PC, en una de esas cajas enormes en que se vendían los juegos de ordenador en los noventa.

Como decimos, los juegos de rol llevan un estigma popular que tenemos que decir que es injusto: el de que no han evolucionado y el de que se han quedado desfasados. Desde Final Fantasy VII ha llovido muchísimo, y hemos tenido muchísimos videojuegos de rol japonés mejores. No me cansaré de decir la obra maestra que es Persona 5, lo divertidísimos que son los Etrian Oddyssey, lo especial que era Lost Odyssey, lo imprescindible que es el Fire Emblem: Shadows of Valentia, el originalísimo sistema de combate de Resonance of Fate o la maravilla hecha videojuego que es Dragon Quest XI.

En este caso hablamos de otro videojuego de Nintendo 3DS de rol japonés: Bravely Default, de Silicon Studio y publicado por Square Enix y Nintendo. Y es injusto decir que es simplemente otro. Aunque pueda parecerlo de primeras: más estética japonesa cercana al manga, más combate por turnos o incluso un elemento sospechoso de plagiar/homenajear a los Final Fantasy más clásicos como la inclusión de una búsqueda tras unos cristales mágicos.

Al principio lo parece. La historia de un protagonista que podría competir en el concurso de personajes que han protagonizado un juego más olvidables de la Historia teniendo probabilidades serias de vencer. Se compensa, en parte, por los otros tres personajes que forman el grupo, dos chicas y un chico. La principal gracia es el otro chico del grupo, Ringabel, enamoradizo incorregible, en sus relaciones con la muy monjil Agnes y la muy contundente Edea. Su relación es más o menos simpática, y el personaje de Ringabel es el clásico elemento gamberril para sacarnos un poco de vez en cuando de la teórica épica de la historia.

Al final yo reconozco que he desconectado por muchos momentos de la historia que se cuenta. Es en esencia más de lo mismo que hemos visto muchas veces en el género, acentuado por una estética en los combates que recuerda descaradamente a los primeros Final Fantasy, con esos protagonistas que son casi niños disfrazados de cosas contra monstruos o adversarios enormes. Los nombres de las magias, de los objetos, combates aleatorios, etcétera: es Final Fantasy sin mucho disimulo. Incluso tenemos barco volador en un momento del juego. Faltan los chocobos para tenerlo todo.

Pero si decimos todo esto, ¿a qué dedicar valiosísimo tiempo que podríamos invertir en buscar gifs de gatitos en leer todo esto? Es más, ¿de verdad quieres, visto lo visto, que alguien más se lo juegue? Sí, auténticos creyentes de esta sacrosanta página. Es necesario jugar, a pesar de todo lo dicho, a Bravely Default. Y lo es por la más básica de las razones de los videojuegos de rol: que los juegos de rol japoneses suelen tener un sistema de combate más elaborado, complejo y satisfactorio que los juegos de rol occidentales.

¿Qué es lo novedoso en este caso? ¿no son combates por turnos? Sí, pero se ha jugado con algo nuevo. Como siempre, al empezar un combate tenemos los clásicos comandos de atacar, habilidades, objetos, etcétera…pero además de eso podemos esperar un turno. Durante ese turno defenderemos y nos harán menos daño, pasando que al inicio del turno siguiente tendremos nuestro turno normal más otro turno adicional. Dos turnos. También podemos hacer todo lo contrario: decidimos usar dos o tres turnos (hasta cuatro máximo) por adelantado, echando una magia, haciendo un ataque especial o demás. El problema es que deberemos turnos, de tal modo que nos pasaremos varios turnos sin hacer nada: en concreto el número de turnos que hayamos gastado por adelantado. Hay muchas habilidades que se pueden aprender que se basan en esta estupenda mecánica: algunas nos hacen ganar turnos al esquivar un ataque, otras técnicas especialmente potentes usan varios turnos, otras son más potentes cuantos más turnos tengamos almacenados, otras restan turnos al rival, etcétera.

Pasamos del clásico buscar las debilidades elementales de los enemigos a sumar el elemento temporal: pensar si conviene gastar los turnos de una vez, si tenemos un aumento de fuerza y conviene gastártelo, si es mejor guardar turnos para cuando las habilidades del personaje que cura sean necesarias…las distintas maneras y formas de enfrentarse a los combates exceden en mucho la racionalidad humana, como el hecho de que exista alguien como Gonzalo Higuaín.

https://www.youtube.com/watch?v=xdBpAkoxt7A

Pero hay más. Cada vez que ganamos a ciertos jefes finales ganamos una clase nueva. Es decir, que en cualquier momento del juego el personaje que queramos puede tener esa clase. En un momento podemos llevar a tres ninjas y un mago blanco. En otro, a dos caballeros y dos magos negros. Subimos niveles con los puntos de experiencia, pero también niveles de cada clase. Así, cada subida de nivel de clase implica ganar habilidades, que podemos usar mientras cambiamos a otra clase. Es decir, podemos subir 4 niveles de mago rojo, adquirir sus habilidades, cambiar de clase a caballero y ponernos sus habilidades. O combinar habilidades de varias clases. El juego de maximizar estrategias y buscar el personaje perfecto e imbatible en todo momento es fascinante. Y más con la absurda cantidad de habilidades que se pueden combinar para convertirnos en auténticas máquinas de destruir sin ninguna posibilidad del enemigo de hacer nada (nota: llevad al menos un ninja y abusad de la habilidad Utsusemi).

Es tremendamente adictivo ese buscar las clases nuevas (que en el juego se llaman «trabajos»), irlas subiendo (cosa que se consigue muy rápidamente al principio), juntar habilidades, combinarlas con las habilidades, trabajos y subtrabajos de los demás, pensar en estrategias para mezclar todo eso con el hecho de poder guardar turnos o gastarlos de golpe…y todo eso sin, claro, hablar aún de los enemigos y los jefes finales, cuyas estrategias y poderes también tienen en cuenta absolutamente todo esto.

En este punto, vamos a decirlo, sufriremos algo clásico de los Final Fantasy: el asunto de los estados. Es decir, poder poner en un estado a los enemigos. Envenenado, sueño, etcétera. Como siempre algunas cosas especialmente malvadas que podríamos hacer están capadas o impedidas. Hay una habilidad que condena a un enemigo a morir, así sin más, en apenas unos turnos. Como es de esperar, eso no te funciona con jefes finales. Como esa habilidad otras tantas más o menos poderosas, con lo que se te queda un poco cara de tonto cuando la estrategia ganadora y molona no te funciona con tal jefe de final de mazmorra.

Al final el sistema de combate dinámico a más no poder mezclándose con las decenas y decenas de habilidades, sus combos, sus subidas de nivel y los combates tramposos con los jefes de final de mazmorra hacen que este videojuego sea disfrutable y encantadoramente adictivo. Tantísimo que le perdonamos todo lo demás, que suelen ser cosas en las que su propio género tiene casi por convención. Ningún aficionado a los juegos de rol debería perdérselo, más aún ahora que ha pasado un buen tiempo desde su lanzamiento y está más barato.

Sed felices.

Mushishi, una obra obligatoria

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Hoy, queridos lectores, vamos con una recomendación obligatoria si queréis ser personas de bien, de fiar, a las que mirar a los ojos y asentir con solemnidad, he decido traeros la recomendación de Mushishi

Ahora completamente enserio, en primer lugar he de decir que Mushishi no es una serie para todo el mundo, lo que no quita que por lo menos tal obra merezca una oportunidad. A aquellos que únicamente busquen peleas y acción en una obra manga no encontrarán tal cosa en esta serie, que les aburrirá soberanamente. Sin embargo, a aquellas personas que les gustan las series donde se respira paz, donde «no pasa nada», es decir, los famosos Slice of life de las que ya hablé en este artículo, entonces Mushishi es una buena opción.

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Entre otras cosas es una buena opción porque es una especie de Slice of Life, pero realmente yo no sé si la clasificaría como tal, puesto que no son historias de una vida corriente, sino de Ginko, un maestro de Mushi, criaturas sin conciencia y semejantes a bacterias que danzan entre la vida y la muerte y cuyas propiedades también se difuminan en el límite entre la realidad y lo mágico. La tarea de Ginko consistirá en ayudar a las gentes de los pueblos por los que pasa a tratar con estas criaturas invisibles al ojo de casi todo el mundo y que causan estragos en lo que parece el s.XVII japonés.

Fácilmente podríamos decir que Mushishi es más una apuesta artística que una obra de entretenimiento. Cada capítulo, autoconclusivo y con escasa o nula relación con el resto, es un oasis artístico particular. El único elemento constante que acompaña al espectador a través de toda la serie y que nos explica cada vez más de los Mushi es Ginko, personaje con carisma y del que te encariñarás fácilmente, elemento final que armoniza toda la serie y que cuenta con unas características que lo hacen muy particular, tanto en su aspecto como personalidad. Y aquí es donde paso a nombrar otro de los puntos fuertes de esta serie: el apartado técnico.

mushishi cosasfelices animacion

Hiroshi Nagahama, director de la serie, era un fiel seguidor del manga antes de que se le encomendase dirigir su adaptación animada, cosa que se nota. En primer lugar la atmósfera e historia de la obra original se mantienen intactas y se consigue plasmar su estilo perfectamente, lo que incluye una preciosa estética japonesa con fondos a acuarela y una envolvente música con instrumentos tradicionales,  música que por cierto suma un total de 4 horas junto con dos singles al estilo occidental preciosos y que se mimetizan de manera fenomenal al resto del estilo. Pero Nagahama no se quedó ahí, sino que incluso se decidió a hacer virguerías con la animación, como es por ejemplo el que Ginko tenga un tempo diferente al de todo el resto de personajes de la serie, que también tienen el suyo, y se mueva de una manera tan característica, tan original y tan impactante. O que las melodías cambien según cuál sea el estado de ánimo de Ginko. Y es que hasta el más mínimo detalle está cuidado, porque Mushishi es una obra donde precisamente porque no ocurre casi nada, cada matiz, enfoque, frase o movimiento se hacen con toda la atención del espectador.

Un mérito único de la serie y por el que merece todas las ovaciones posibles es que al ser, como hemos dicho, una obra donde lo pequeño se hace grande en la pantalla, necesita ser muy equilibrada en todos sus aspectos. Y lo logra. Un caso es su argumento, claramente una oda a la naturaleza y al orden que la rige desde un punto de vista puramente oriental, y en la que la mitología japonesa aparece de manera recurrente, pero que sin embargo deja que alguien completamente alejado de esa estructura de pensamiento la entienda y se sienta identificado con ella, con ese sentimiento. Es como si la filosofía asiática, que tan poética, bivalente y abstracta nos parece, se hubiese hecho serie para que nosotros, occidentales y por tanto con una forma de ver el mundo tan distinta, pudiésemos entenderla. Como si de un río se tratase, Mushishi nos envuelve con sus aguas, aveces turbulentas, aveces tranquilas, pero en cualquier caso, parte de la naturaleza. Eres consciente en todo momento de que es un río, de que es agua, no es más que eso, pero te sientes empequeñecido e insignificante a su lado, ante su exuberancia, ante su belleza. Y a la vez te sientes en paz, y sabes que no necesitas más.

mushishi ginko cosasfelices

La exuberancia de los paisajes que se nos muestran en la serie, sus montañas, campos, bosques o playas nos dejan sin aliento, su fauna, su flora. Y como en la naturaleza, la variedad de Mushis es enorme. Desde algunos que son completamente inofensivos a otros cuya influencia es terrible, de pequeños a grandes, y de útiles para el ser humano (son fuente de medicina o herramientas) hasta completamente inocuos. Estos son los verdaderos protagonistas de la serie y el elemento central a partir del cual todo gira. 

Algo que me sorprendió de Mushishi fue lo bien estructurados y desarrollados que están todos los capítulos en tan corto periodo de tiempo. Cada capítulo es capaz de presentarte a un personaje con unas preocupaciones, obsesiones y miedos, contarte su caso, relacionado con los Mushi, desarrollar el conflicto y resolverlo en escasos 20 minutos, y todo ello con una narrativa excelente y con un estilo muy particular que jamás he vuelto a encontrar. Y si bien es cierto que la calidad de los capítulos oscila entre magnífico y mediocre, en lo que se refiere a argumento, el cómputo final es absurdamente bueno.

mushishi paisajes cosasfelices

Y aunque los diseños de los Mushi, fondos, atmósfera o música hacen de la serie algo hipnótico, lo mismo no se puede decir de los seres humanos, que parecen legos a los que les cambias el pelo, porque además el estilo a la hora de dibujar a sus personajes es minimalista. Algo malo tenía que tener esta obra.

Bien, a riesgo de parecer, merecidamente, pedante de cuidado, debo decir que el punto fuerte de Mushishi es su dualidad. Es sencilla, pero ahí radica su complejidad, pocas series he visto con tantos elementos tan bien equilibrados. Es infantil y madura a la vez, es melancólica, es esperanzadora, es realista, es mágica. Dice poco, pero transmite mucho. Definitivamente es nostálgica. Y precisamente por esto recomiendo a quienquiera que se decida a verla que vaya como un lienzo en blanco, que no busque información, que simplemente se la ponga y se relaje, que disfrute.

Así que en conclusión: qué haces que no la estás viendo.

Análisis de Counterpart. Temporada 2. Capítulo 9

Esta semana ha resultado ser una triste para el mundo de Counterpart, ya que la cadena Starz ha anunciado oficialmente que no renueva la serie para una tercera temporada. Esta súbita noticia ha venido dada por los bajos números de audiencia que, tras una primera entrega no especialmente popular, se ha encontrado con un nuevo descenso numérico en la segunda. Parece ser que a pesar de lo críticamente aclamada que ha sido y del alta estima en que sus seguidores la tienen, Counterpart puede estar en las últimas. Pero es posible que quede esperanza, pues el creador de la serie ha dejado caer por Twitter la posibilidad de que su estudio (MRC) haga posible encontrar una nueva casa para la serie como ya pasó con The Expanse.Captura de pantalla 2019 02 14 a las 16.34.01

Sea como sea, todavía nos queda el final de temporada y mucha tela que cortar en el universo de Counterpart, por lo que no vamos a perder más tiempo y, tras dejar un link a los análisis anteriores, nos sumergimos de lleno en el penúltimo capítulo de la temporada.

Infiltrada en casa

En el anterior episodio vimos cómo Clare se enfrentaba por primera vez de manera textual a su mayor temor: que su vida haya sido una mentira. Tras una emotiva discusión con Peter en su regreso a su antiguo hogar en La Escuela, se dio cuenta de las proporciones y estragos de la causa a la que le había jurado una devoción ciega. Es por eso por lo que ahora han confesado y se han sometido a la voluntad de Naya, albergando así la esperanza de prevenir la inminente debacle en la que puede caer su lado al ser expuesto al temido virus.

Por desgracia para Peter, que ha visto recientemente redescubiertos sus sentimientos hacia su mujer, Clare va a tener que infiltrarse para sonsacarle a su amante una confesión grabada con la esperanza de desvelar por completo el plan de Mira, ya que las células de Índigo están compartimentadas, por lo que rara vez un agente tiene acceso a la totalidad del plan. La cosa no sale bien y Clare es descubierta, iniciándose así una persecución que termina con la inesperada irrupción de Howard Prime y Baldwin, que capturan a ambos.0 3 2

Hogar dulce hogar

Mientras tanto, en el otro lado la relación entre Ian y Emily se resiente todavía más si cabe tras el tiroteo. Ella no logra comprender qué ha pasado y los motivos por los que muestra este cambio de actitud tan repentino, obteniendo como respuesta fríos y escuetos monosílabos. Al llegar a La Oficina, vemos cómo Ian termina por asumir un mayor rol en la confianza de Dirección, atribuyéndose los méritos del éxito parcial de la misión, consiguiendo así reforzar su estatus y mantener la seguridad que el agente York le había arrebatado.

A su vez, Emily Prime se enfrenta a su contrapartida en un ansiado cara a cara. Ambas protagonizan una tensa conversación en la que, poco a poco, se van sincerando y enfrentando a un pasado oculto durante años. Emily Prime consigue obtener una respuesta a los incesantes e intrusivas visitas de su contrapartida a su hija, a la vez que Emily Alpha, a pesar de mentir un poco, obtiene un mínimo de tranquilidad mental al sincerarse sobre su parcial implicación en la creación de Índigo y sobre su dicotomía como madre frustrada. Finalmente, tras una última advertencia sobre Mira, ambas se dan la mano en lo que ha sido un acercamiento sin cierre ni clausura.

Por último, Howard se despide de una Emily que nunca fue la suya pero con la que ha experimentado la cercanía y conexión que antaño tuvo con su mujer. Ambos han reavivado en cierto modo la chispa que en su momento encendió su relación pero la tesitura en la que se encuentran hace de ese acercamiento algo imposible, viéndose condenados a asumir su gris realidad ya que por mucho que sean en esencia las mismas personas, en el fondo, tanto en lo literal como en lo metafórico, son de mundos completamente distintos.0 1 1

Counterpart hasta ahora

Algunos apuntes interesantes:

  • Por si en algún momento alguien había dudado de la competencia de Mira, este capítulo ha servido sin duda como recordatorio de lo impasible y capaz que es. No solo ha vuelto a demostrar lo planificadora que puede llegar a ser, sino que nos ha revelado el profundo conocimiento de la toma de decisiones de Dirección, incluyendo la de poner a Ian al cargo.
  • «Los buenos» se encuentran más contra las cuerdas que nunca, habiendo Mira jubilado de manera prematura a la Dirección de ambos lados, la única opción que queda para evitar la hecatombe recae en la necesaria confluencia de fuerzas del resto del casting. Una confluencia que, más allá de lo probable que sea, podría encontrar en Yanek un aliado inesperado al haber presenciado la fría masacre de todos sus antiguos compañeros a manos de su hija. El desamparo en su rostro tras semejante acción, refleja un claro atisbo de duda que podría traspasar el shock del momento y llegar a sus antaño férreas creencias…
  • Peter parece haberse vuelto a enamorar de su mujer pero la actitud de Clare no termina de estar del todo clara. Aunque haya afirmado quererle a él, en el momento en el que lo hace no parece si quiera lo suficientemente convencida como para mirarle a la cara. Es evidente que está en un momento emocional delicado y tras la reciente aventura con Spencer, es más que probable que ese amor que dice profesar hacia Peter no sea cierto. Lo que sí es cierto es que la seguridad de su hija prima por encima de todo y, de momento, eso pasa por estar con su actual marido y dejar su pasado terrorista atrás.
  • Antes de la visita de Howard Prime, Balwin se había sumido en su particular viaje al pasado en lo que parece ser un intento de metamorfosis en la antes conocida como Nadia Fierro. Está bastante segura de quererlo dejar todo atrás pero un categórico discurso de Howard parece intimidarla y persuadirla para, como mínimo, posponer esa tentativa.
  • La antigua alumna de Clare, Ethel, ha sido apartada de la célula al principio del capítulo al serle asignado un nuevo papel: ¿Estará Mira previniendo una posible traición de Clare? Spencer no puede dar el chivatazo pero ¿quién nos asegura de que no sospechó ya el pasado capítulo?

0 2 2Un capítulo que ejemplifica a la perfección la sutil belleza de Counterpart, que a través de una tópica premisa de ciencia ficción, consigue abordar una gran diversidad de temas imperecederos. Con la excusa de ambos mundos y las contrapartidas, la serie es capaz de canalizar algunos de los problemas más acuciantes de la psique humana: desde sueños frustrados, pasando por fanatismos y paranoia política, hasta debates existencialistas sobre la esencia del ser; Counterpart tiene la capacidad de no dejar a nadie indiferente y es una lástima ver que por la audiencia no sea capaz de llegar a una conclusión satisfactoria.

Counterpart nos ha regalado un sesudo rompecabezas que ha sido pensado y armado con mimo que, si bien no hará las delicias de todos, ha refrescado thriller y ciencia ficción a partes iguales con una sutileza y elegancia que ya no abunda. Parece que el tiempo se nos agota y la serie nos dice adiós, solo el tiempo dirá si la despedida que nos da esta temporada será la definitiva o si será satisfactoria. Hasta entonces espero la posible clausura uno de los productos con más personalidad de estos últimos años. 0 6

Novedades ECC Ediciones Abril 2019

Ya tenemos las novedades de abril de 2019 de ECC Ediciones.

Os dejamos a continuación la nota de prensa con el correspondiente PDF con todas las novedades.

Estimados amigos:

Aquí os mostramos el listado de novedades que saldrán a la venta el próximo mes de abril:

http://www.ecccomics.com/ComunicadosNovedades/201904_ComunicadoNovedades.pdf

Como veis, en abril inauguramos la flamante línea XP, que ofrecerá la experiencia completa de cada evento editorial en varios tomos, con todos los preludios, capítulos principales y cruces, ordenados cronológicamente, en formato de lujo. El libro que inaugura esta línea es el primer volumen de Flahspoint, que en su primera edición contará con portada, lomo y contraportada lenticulares.

Destacamos también el lanzamiento de la primera edición cartoné de Batman: Caballero Blanco, que presenta una particularidad muy especial: se trata de una edición limitada en blanco y negro, ideal para disfrutar del talento de su creador, Sean Murphy.

Todo esto y mucho más, ¡a tan solo un clic de distancia!

Novedades ECC Ediciones Marzo 2019

Novedades ECC Ediciones Febrero 2019

Novedades ECC Ediciones Enero 2019

Novedades ECC Diciembre 2018

Novedades ECC Noviembre 2018

Novedades ECC Octubre 2018

Novedades ECC Septiembre 2018

Novedades ECC Agosto 2018

Novedades ECC Julio 2018

Novedades ECC Junio 2018

Novedades ECC Mayo 2018

Novedades ECC Abril 2018

Un saludo y sed felices

NECA anuncia dos nuevas figuras de Karate Kid

¨Dar cera, pulir cera ¨. Todos los que rondamos los cuarenta crecimos con ese axioma rondando nuestra cabeza como remanente del recuerdo de una de las películas que marcó una época. Ahora la conocida marca de figuras de acción NECA anuncia el lanzamiento de los dos protagonistas de Karate Kid, Daniel y Johnny.

Capturar los recuerdos de mi infancia y adolescencia en figuras de acción es algo que llevo haciendo desde hace tiempo. Hay momentos cinematográficos que se quedaron grabados en mi retina a fuego lento y que me acompañarán de por vida y es algo que me enorgullece. Y si además de mi memoria esas escenas también pueden adornar mi expositor del salón mejor que mejor. Uno de esos momentos eternos es la imagen de Daniel con su cinta en el pelo sobre el tapete elevándose en el salto de la grulla para derrotar al malvado Johnny y demostrar que los débiles no lo son tanto. NECA quiere alcanzar hasta nuestras manos la posibilidad de reproducir esa escena ya que el paquete que ha anunciado se compone de las figuras de los dos protagonistas, trofeo y tapete del torneo de All Valley.

Neca 3 Las cosas que nos hacen felices

Según se puede apreciar en las imágenes , las figuras no mantienen el nivel de detalle que pueden ofrecer las de Hot Toys u otras marcas top. Los puntos de articulación tampoco son tan numerosos ni la calidad de los materiales. Su altura alcanza las ocho pulgadas.38 Pero la idea es magistral y estoy seguro que les garantizará un buen número de ventas si ajustan el precio a una cantidad razonable. Ya sólo me queda por ver una figura que recree el momento en que la bola gigante de piedra persigue a Indiana Jones y mi alma quedará tranquila.

Ser fiel a los gustos y aficiones que tenía de pequeño es algo que me enorgullece y llena de alegría. Y no tiene nada que ver con resistirse a madurar, ni con el síndrome de Peter Pan ni demás tonterías. Todo lo contrario. Se trata de demostrar que se puede tener la edad que sea y seguir disfrutando de las cosas que nos hacen felices. Ni más ni menos. Y este tipo de noticias animan a mi espíritu porque, al margen del claro objetivo del negocio, veo que hay más personas que se resisten a dejar en el olvido los momentos vividos. Aquellos que nos hicieron felices. Los que de verdad merecen la pena y por eso aguantan el paso del tiempo.

Neca Las cosas que nos hacen felices

Soy coleccionista de figuras. Los que me seguís lo sabéis. Aún no sé si me haré con esta oferta. La calidad de las figuras y el detalle no me acaban de convencer pero la escena que subyace es tan representativa que casi iguala la balanza. A veces lo que se cuenta es más importante que la calidad de lo que se ofrece pues el espíritu siempre prevalecerá sobre lo tangible. Por tanto esta vez no me atrevo a dar un veredicto firme como he hecho otras veces. Dejaré a vuestro yo interior que decida por cada uno de vosotros. Calidad o recuerdo. Tangible o intangible. Para algunos será una elección fácil. Para otros no tanto. Supongo que lo que decantará la balanza será el significado que tuvo la película en su momento para cada uno. Spiderman fue tan importante para mí en mi infancia que cualquier cosa que lo evoque me atrae irremisiblemente. Tal vez para muchos pase lo mismo con el bueno de Daniel venciendo al bullying y a los miedos adolescentes. Y conquistando nada menos que a Elizabeth Shue. Casi igual de importante que ganar el torneo de Karate de la comarca. Así que ya sabéis. Tal vez sea el momento de romper la hucha o tal vez prefiráis aguardar a una oportunidad mejor. O puede que tengáis la suerte de poder permitiros todos los caprichos que se os antoje. Aunque si es así dudo que disfrutéis de estas adquisiciones como lo hacemos el resto de mortales. Cuando cada compra significa un pequeño regalo a nuestro sacrificio y devenir diario. Y cuando nuestros ojos cansados reposan la mirada en esa leve recompensa tras el cristal de la vitrina una sensación de tenue bienestar nos baña el alma.

Un abrazo a todos.

Novedades Planeta Cómic Marzo 2019 y catálogo completo de Aftershock

Ya tenemos las novedades del mes de febrero de Planeta Cómic.

A continuación os dejo la nota de prensa con el pdf.

Buenas,

Contando los días para la primavera, toca anunciar las novedades Planeta Cómic para marzo. Este repaso está protagonizado por la llegada de los títulos Aftershock a la colección USA, con Animosity y Jimmy’s Bastard como series inaugurales. Este flamante aterrizaje bien merece un dossier propio (y adjunto) con el plan editorial para todo 2019.

El resto de lanzamientos americanos también tendrán mucha fuerza: Paper Girls, American Gods, Los Muertos Vivientes y más entregas grapa de Star Wars.

En la Oscuridad, novela gráfica de Sara Soler (basada en el relato de Antonio Pampliega) será la joya de producción propia. La trama se centra en el secuestro que el periodista sufrió en Siria y sumerge al lector en lo más profundo de su ser. Una adaptación que no dejará indiferente.

Finalmente, las obras japonesas estarán capitaneadas por Mirai, la novela de la nueva película de Mamoru Hosoda. Le acompañarán nuevos capítulos manga de One Piece, SAO, Doraemon, Black Jack, Daytime Shooting Star o La Espada del Inmortal.

Más información en los pdfs adjuntos.

• Fecha de salida SW/cómic USA/BD: 5/3

• Fecha de salida Manga: 19/3


Un saludo y sed felices.

Cinco películas de zombis para San Valentín

Seguro que muchos ya conocen las típicas películas que se suelen recomendar para el 14 de febrero, día de San Valentín. Sin embargo, si estás harto de que sigan reponiendo Pretty Woman en la televisión, quédate con nosotros para disfrutar de cinco alternativas que visionar junto a tu pareja, tus amigos, o simplemente como burla irónica hacia esta festividad. Y no hay monstruo más burlón y transgresor que los zombis: desde que George Romero utilizara a su criatura para criticar el consumismo en la magnífica Zombi (1978), la sátira ha estado asociada a estos cadáveres que el éxito de series como The Walking Dead demuestra que siguen muy vivos. Pocas celebraciones hay más consumistas que San Valentín, así que coge las palomitas y disfruta de estos cinco largometrajes repletos de vísceras entre las que quizás haya algún que otro corazón.

Tu madre se ha comido a mi perro (1992)

Damos comienzo a esta lista con una de las primeras películas del cineasta Peter Jackson, que luego obtendría fama mundial por El señor de los anillos. Es la culminación de una hornada de cintas gore que incluye su ópera prima Mal gusto y la infravalorada El delirante mundo de los Feebles. A pesar de un presupuesto algo mayor de 3 millones de dólares, tuvo que reutilizar recursos de sus anteriores películas, como algunas piezas de la banda sonora. Sin embargo, esta producción de zombis con el título original de Braindead logró triunfar en el mercado doméstico, a pesar de darse de bruces con la censura en algunos países.

san valentín braindead las cosas que nos hacen felices

¿De qué trata esta sátira de terror? Cuenta la clásica historia de un joven burgués que se enamora de Paquita, una inmigrante que trabaja en una tienda. Su dominante madre, sin embargo, no acepta su relación, e intentará separarlos por todos los medios. Lo que distingue a esta cinta de otras comedias románticas es que estos medios aumentan considerablemente cuando recibe la mordedura de un mono que proviene de una isla exótica. Este animal la convierte en un zombi y, desde ese momento, nuestro sufrido protagonista tendrá que cuidar de su enferma progenitora y de los infectados que va dejando a su paso.

Sorprendentemente, si tu pareja soporta bien el gore, esta opción resulta de las más adecuadas. Cuenta una historia de amor más que correcta con sus momentos tiernos, y sus escenas descacharrantes de malentendidos la convierten en una comedia muy meritoria que nos hace desear que Jackson hubiera hecho una trilogía de zombis en lugar de El Hobbit. Las escenas de casquería se van introduciendo de manera paulatina hasta estallar en un sangriento clímax que hará que te duela la mandíbula de tanto reír, pero nunca deja de ser una bonita historia de amor.

Zombies Party (2004)

Esta es la desafortunada traducción de Shaun of the Dead, la primera película de la trilogía del cornetto del cineasta Edgar Wright, que luego sería complementada con Arma fatal y Bienvenidos al fin del mundo. Esta comedia de terror bitánica también lanzó a la fama al actor Simon Pegg, que colaboró en el guión, y al comediante Nick Frost que le acompañaría en películas como Paul.

san valentín shaun of the dead las cosas que nos hacen felices

Su argumento es sencillo: el protagonista, Shaun, trabaja cobrando una miseria en una tienda de electrónica, y su vida es un desastre. No solo odia a su padrastro, sino que su novia le ha abandonado por su falta de compromiso para largarse con un cretino, y tiene que convivir con un compañero de piso del que lleva siendo amigo toda la vida pero que empieza a cansarle. Su vida carece de objetivos y se considera un fracasado. Por si esto fuera poco, una infección zombi llega a Londres, y tendrá que proteger a sus seres queridos de la horda de muertos vivientes. Pero quizás esta sea la oportunidad que esperaba para recuperar a su ex…

Esta gamberra película recibió críticas positivas, tanto por sus elementos de comedia negra como por unos toques de drama que resultan escasos pero que, cuando se dan, tienen un fuerte impacto emocional. Entre las escenas cumbre del filme, nos vemos obligados a destacar el momento en el que nuestro héroe se encuentra con las consecuencias de esta invasión zombi, y su reacción a la misma, por no hablar de un final brillante y sorprendentemente realista.

Poultrygeist: La noche de los pollos vivientes (2006)

Dos años después del impactante documental Super Size Me, que ponía en el punto de mira a la cadena de restaurantes McDonald’s, las empresas de comida rápida estaban recibiendo una serie de críticas sobre la calidad de sus productos que hicieron tambalearse seriamente su imagen de marca. El sátiro Lloyd Kaufman, presidente de la empresa de películas de serie B Troma y director de cine, no dejó escapar la ocasión. Así, el creador de obras maestras del gore barato como El vengador tóxico se puso manos a la obra y, junto a los guionistas Daniel Bova y Gabriel Friedman, parió una de las películas más desmadradas de la compañía. Quienes les conozcan sabrán que este logro no es moco de pavo.

san valentín poultrygeist las cosas que nos hacen felices

El protagonista de esta cinta es el joven Arbie, que decide trabajar para una compañía de comida rápida al enterarse de que su exnovia Wendy se ha unido a una protesta multitudinaria contra sus malas prácticas. Intentará recuperarla, pero hay un problema: el restaurante ha sido construido encima de un cementerio indio, y eso hace que los pollos utilizados como alimento vuelvan a la vida convertidos en zombis y empiecen a infectar a los clientes.

Al igual que sucedía en Zombies Party, nuestro héroe deberá recuperar a su amada mientras tratan de sobrevivir… pero este largometraje se diferencia en un humor mucho más grosero y desagradable que el anterior, con numerosas escenas escatológicas, ofensivas y sangrientas acompañadas de números musicales que le aportan un delicioso toque de locura a esta hamburguesa de pollo podrido. No es apta para personas susceptibles al humor negro o de estómago débil pero, si quieres probar, te encontrarás con una descabellada y entretenida cinta sin complejos.

Bienvenidos a Zombieland (2009)

Muchos ya conocerán esta película, que fue parcialmente responsable del período de extrema popularidad que los zombis vivieron hace aproximadamente una década, y cuyas manifestaciones más notables fueron la novela de Max Brooks Guerra mundial Z y la serie The Walking Dead. Dirigida por Ruben Fleischer y protagonizada por un Jesse Eisenberg cuya carrera despegaría del todo con La red social, logró recaudar 102 millones de dólares frente a los 23 de presupuesto. Tras años de promesas sobre una posible secuela, finalmente se ha confirmado su rodaje con el reparto original.

san valentín zombieland las cosas que nos hacen felices

El héroe de esta aventura no lo es ni por asomo, al menos al comienzo de la misma: se trata de un pobre pringado cuya vida ya estaba vacía antes del apocalipsis zombi, y que ha logrado sobrevivir gracias a su pragmática cobardía. A lo largo de su camino hacia una prometida zona segura, se encontrará con el demente Tallahassee, un tipo duro cuya obsesión es volver a probar los twinkies. La fijación por estos bollos tan característicos de la peculiar gastronomía estadounidense enmascara la verdadera naturaleza de un hombre cuya historia es más trágica de lo que parece. Cuando esta extraña pareja acabe cruzándose con otras dos supervivientes, surgirá el romance con una de ellas, pero también la desconfianza.

Frente al fatalismo y la crítica social de una buena parte del género zombi, este largometraje ofreció un disfrute desenfadado que conectó con el público. Sus solventes escenas de acción, combinadas con una comedia ligera y un drama correcto pero bastante predecible (por no hablar de cierto cameo brillante) la convirtieron en una película ideal para un encuentro informal entre amantes o amigos.

Memorias de un zombie adolescente (2013)

Tenía que llegar. La respuesta de los zombis a la moda vampírica propiciada por productos como Crepúsculo o Crónicas Vampíricas. Basado en una novela de Isaac Marion y dirigida por Jonathan Levine, este filme gozó de un éxito moderado, pero ha sido olvidado con los años. Supuso en su momento un nuevo giro a esta fórmula romántica que tan bien funcionó con los chupasangres.

san valentín memorias de un zombi adolescente las cosas que nos hacen felices

El apocalipsis zombi ha llegado, pero estos no son los caminantes de toda la vida. No son los cuerpos sin voluntad propia del vudú ni los animales sin conciencia de Romero, sino que siguen manteniendo recuerdos de su vida anterior, enterrados bajo su enfermedad. Nuestro protagonista es un no-muerto que se enamora de una superviviente y la protege de sus congéneres. Pronto, ella empezará a recordarle lo que supone ser humano, y tratará de convencer al resto de los supervivientes de que todavía puede haber salvación para estos muertos, a pesar de las reticencias de su inflexible padre.

La película es una pastelada, dejémoslo claro desde el principio, y probablemente sea la peor de la lista. Sin embargo, resulta valiente en algunas escenas de gore y a la hora de mostrar cómo el personaje principal devora a seres humanos al comienzo de la cinta. El diseño de cierto tipo de zombis también es bastante atractivo. Por lo demás, esta actualización de Romeo y Julieta contiene escenas indeciblemente estúpidas que provocan rubor, pero logra mantener un interés moderado gracias a una trama simpática y a actores como un infrautilizado John Malkovich. No revolucionará el mundo del cine, ni siquiera el de los zombis, pero tampoco lo pretende.

Conclusión

Sorprendentemente, un monstruo tan poco glamuroso como el zombi da para unas cuantas cintas que, de forma más o menos tangente, tratan temas románticos. Podríamos ponernos a debatir sobre las razones, pero lo importante es que aquí están estas cinco películas que ofrecen una alternativa algo más transgresora a las películas de sobremesa con la que muchas cadenas nos castigarán durante estas fechas.

¿Qué opinas? ¿Son una buena opción para ver estos días? ¿Nos hemos dejado alguna? Nos lo puedes decir en los comentarios, y… ¡feliz San Valentín!

Análisis de True Detective. Temporada 3. Capítulo 6.

Bienvenidos una semana más a los Ozarks. Los niños Purcell han desaparecido y asistimos a la investigación dirigida por Wayne Hays y Roland West. Bienvenidos a True Detective III.

Análisis de todos los capítulos de True Detective

1980: EL PRINCIPIO DEL FIN.

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Conforme avanzan los capítulos, van desapareciendo las ínfulas de Pizzolatto por querer enredar la trama con líneas temporales y traumas internos para centrarse en lo que realmente se le da bien en esta temporada: la investigación de los niños Purcell.

Es por ello que apenas hay escenas dedicadas a la línea temporal de 1980, aunque sí que tienen importancia porque suponen el inicio del descenso a los infiernos de Wayne Hays.

Tras el tiroteo, Hays y Amelia comienzan su relación de forma apasionada. Las cosas parecen ir bien al detective, hasta que, como ya sabíamos, las autoridades políticas deciden cerrar el caso e imputar a Woodard. Algo con lo que no está de acuerdo nuestro protagonista.

Como bien se aprecia en la escena de la rueda de prensa, el caso adquiere eco nacional y apenas se presta atención a la familia. Los padres Purcell abandonan la sala por separado sin que (casi) ningún periodista se percate de su marcha, centrados en el discurso del fiscal.

1990: COMENZAMOS A VER LA LUZ

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La mayor parte del capítulo se enfoca en esta línea temporal.

La llamada de Julie centra la atención de la policía en Tom Purcell, algo con los que la pareja de detectives no está muy de acuerdo, pese a que el fiscal está muy interesado en acusarle como cómplice de Woodard para volver a quitarse el caso de encima.

Remover en el pasado de Tom Purcell da sus frutos: iba a ser despedido antes de la desaparición de sus hijos por sospechas de homosexualidad. Parece ser que Will y Julie no eran sus hijos, lo que se refuerza con la vuelta de uno de los grandes sospechosos de los primeros capítulos: Dan O´Brien, el primo de Lucy. Ofrece información sobre quien compró a Lucy a cambio de su silencio y, finalmente, acabó con ella en Las Vegas a cambio de dinero.

Por desgracia, las medidas de seguridad de la oficina de la investigación dejan mucho que desear y el padre de los Purcell vuelve a obtener información que no debería de conocer. En este caso, la localización de Dan O´Brien. Teniendo en cuenta que el primo de Lucy Purcell acabó enterrado en una presa, las cosas no pintan muy bien para el chantajista.

Tras una emboscada, Tom obtiene la información que necesita: Dan solo iba a decirle a Hays y West el nombre de quien compró a Lucy y, por tanto, de alguien que quería silenciar el caso. Es decir, el principal sospechoso.

No sabemos qué nombre le dice, pero sí dónde va Tom tras atacar a Dan: a la residencia Hoyt, la familia que lidera la principal empresa del pueblo. Una vez allí, Tom accede a una habitación rosa tras una puerta blindada, donde es atacado por Harris James.

¿Y quién es Harris James? El policía que participó en la investigación del tiroteo de Woodard y que, presuntamente, colocó la mochila de los niños para acusar al indio. Tras esto, fue contratado como responsable de seguridad de Hoyt Alimentación con un sueldo que ya quisiera yo como médico.

Por otro lado, Amelia tiene su propia trama al comenzar a escribir una secuela de su libro sobre el caso Purcell aprovechando la reapertura de la investigación. Por primera en la serie, su conflicto se desprende del de Hays para centrarse en sí misma y en la cuestión de si es ético aprovecharse del dolor ajeno para conseguir el éxito propio.

2015: ¿TE HE INCULCADO LO DE REPRIMIRTE?

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Poco que añadir en la última línea temporal. Hays le dice a West que ha recordado un detalle de 1990: el agujero que comunicaba la habitación de Will y Julie actuaba precisamente de eso, de vía de comunicación. Ambos se apoyaban mutuamente frente a la situación familiar en casa.

Por último, aquí tenemos la segunda entrega de las conversaciones importantes en True Detective III. Tras la charla sincera entre West y Hays, contemplamos la conversación entre padre e hijo donde Hays le pide que jamás reprima ningún sentimiento, que no sea como él. Parece que esta última línea temporal es la única que se empeña en resolver los conflictos internos de un protagonista que, cada vez, es menos protagonista.

CONCLUSIONES

Pizzolatto pisa el acelerador. Algo de agradecer, pero que podría haber compensado en los cuatro primeros capítulos. La serie encuentra su lugar a medida que el relleno de la vida de Hays desaparece y se centra más en el caso.

¿Cuál es mi teoría? Dado que Lucy Purcell trabajó en Hoyt Alimentación durante años, es posible que se quedara embarazada por dos veces de algún cargo importante, o incluso del jefe de la empresa, el cual, obviamente, no está interesado en relacionarse con gente de clase social baja y decide comprarla para que no diga nada. Puede ser que ese hombre se arrepintiera de su decisión y quisiese lo mejor para sus hijos. De ahí el llevarles a los aposentos rosas. Probablemente, su fijación era mayor con Julie. De hecho, Will puede ser hijo natural de Tom y Lucy y se sintió celoso o bien quiso proteger a Julie, por lo que fue asesinado.

Un saludo y sed felices!

El Batman de Tom King (II): Yo soy suicida y Azoteas

Tras la notable presentación que supuso el Yo soy Gotham de Tom King, el escritor parecía decidido a continuar indagando en la psique del hombre murciélago. No en vano, el título de este cargo vuelve a empezar nuevamente con un yo.

Todos los artículos por orden de lectura del Batman de Tom King

Entre medias, King participó en uno de los primeros crossover de la Batfamilia, La noche de los hombres monstruo, cuya reseña tenéis en esta insigne web.

En un ejemplo claro de lo que supone ser el autor principal de una colección con tanto valor comercial como Batman, King tuvo que amoldarse a las exigencias de la editorial con un título que iba a rebufo del estreno de la fallida Escuadrón Suicida. De ahí la presencia secundaria de Amanda Waller en la trama. No obstante, King hace suyo ese obstáculo y nos otorga un arco más interesante y conseguido que Yo soy Gotham. Una trama que conjuga la acción con el desarrollo interno del personaje.

MISIÓN SUICIDA EN SANTA PRISCA

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El psicopirata con el coronel Kurt…con Bane

La trama es bastante simple: Gotham Girl ha sido desquiciada por el psicopirata, actualmente un huésped de Bane en Santa Prisca, su isla-estado privada. Batman, con la ayuda de Waller, decide reunir un equipo de fugitivos, a la manera de un Escuadrón Suicida, para internarse en Santa Prisca y llevar al psicopirata de vuelta a Gotham con el fin de tratar a la superheroína caída en desgracia.

Así, Batman orquesta un plan algo rocambolesco, en el que algunos personajes bien podrían sobrar en la trama. Pero lo que importa, una vez más, no es lo que vemos, si no lo que piensan. Especialmente Batman y Catwoman. En un número 11 que transcurre a la manera de un plano secuencia lleno de acción, la relación entre ambos se analiza a través de una conversación epistolar en el que ambos se ven como un reflejo el uno del otro. Al fin y al cabo, son dos figuras que han afrontado el dolor de forma similar pero con objetivos opuestos: Batman como una figura contra el crimen y Catwoman como una ladrona de los poderosos que se aprovechan de la gente a pie de calle.

King insiste en mostrarnos a un Batman de extremos. El “no es imposible, es Batman” vuelve a repetirse una y otra vez. El héroe que calcula todas las probabilidades. Exceptuando su diálogo con Catwoman, Batman apenas se limita a repetir el mismo mensaje a Bane, un reflejo de su voluntad inquebrantable, casi demencial. Y aquí llega el quid de la cuestión y de todo el arco. ¿Es Batman una figura suicida? ¿Es una figura autodestructiva?

BATMAN, EL JUGUETE ROTO

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El héroe inquebrantable

En una sorprendente revelación, Bruce Wayne admite haber intentado suicidarse con once años tras la desgracia de perder a sus padres. Pero, y esto es muy importante, tomó la decisión de sacrificar su vida, de morir internamente, con tal de que nadie volviera a pasar por lo que él vivió. En resumen, consagró una vida contra el crimen sacrificando una vida normal. Por lo tanto, él, que se siente muerto por dentro, está dispuesto a morir porque no tiene vida. Lo que ocurre es que, gracias a esa negativa a rendirse y a su obsesión patológica, siempre gana.

Podríamos ver esta esencia como algo pueril o inmaduro. Pero recordemos que la decisión de Bruce Wayne de convertirse en una figura fundamental en la cruzada contra el crimen es la de un niño. Lo del murciélago que irrumpe rompiendo la ventana viene después.

En resumen, para King Batman es una figura tan imbatible por fuera como rota por dentro. Y, por primera vez, se insinúa que Catwoman puede ser fundamental a la hora de recomponer las piezas de su interior.

En lo que respecta al dibujo, King está acompañado de un (mucho mejor) Mikel Janín, que dota a la historia de diversos “planos secuencia” comiqueros y de unos diseños más apropiados para la historia que los aportados por David Finch.

En definitiva, Yo soy Suicida es un arco muy completo en el que se opone la acción constante con una enorme reflexión psicológica sobre un personaje que tanta historia editorial tiene. Superior a Yo Soy Gotham, King no alcanza todavía la perfección, pero deja retales de ella. Le falta rematar más en lo que respecta a los villanos (ese Bane a lo coronel Kurtz de Apocalypse Now está muy muy desaprovechado), pero puede entenderse dando que King, de momento, solo quiere centrarse en Batman.

BONUS: AZOTEAS

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Tras el final de Yo soy Suicida y la intuición de que Bane volverá a Gotham a vengarse, el número 8 huele a especial tan solo con ver esa portada rojo pasión con Batman abrazando a Catwoman. Que el compañero de King sea el magnífico Mitch Gerards, con quien el escritor colaboró en la obra maestra El sheriff de Babilonia.

La figura de Batman como amante ha sido tratada muchas veces en los entresijos de esta insigne web, donde se forja el destino del mundo. Pese a que Bruce Wayne es un don Juan de cara al público, lo cierto es que el personaje suele decantarse más por la vida contemplativa acompañado de su mayordomo que por los escarceos amorosos a lo Daredevil, el atormentado más ligón del mundo del cómic.

Todo lo ocurrido con Gotham Girl y la muerte de Tim Drake hace que nuestro protagonista se replantee los principios que han guiado su vida. El epílogo de Yo soy suicida lo dejaba bien claro: Batman es un juguete roto y, por primera vez, se percata de que Selina Kyle, Catwoman, es la única persona que le comprende y le acepta tal y como es.

El primer número es un reflejo de lo que siempre ocurre entre los dos personajes. Batman se dedica a zurrar a enemigos menores mientras persigue a una Catwoman inalcanzable y con la actitud ambigua que tanto pirra a nuestro hombre murciélago. Finalmente, al final del primer número, los dos se desnudan, tanto física como metafóricamente.

En una escena con bastante encanto, ambos recuerdan el momento en el que se conocieron. Lo curioso es que rememoran momentos diferentes: Batman el primer encuentro clásico, guionizado por Bill Finger en 1940, y Catwoman su encuentro en el Año Uno de Frank Miller.

Camino al tercer arco argumental, este Azoteas es un magnífico coitus interruptus que desarrolla enormemente la relación entre Batman y Catwoman. De momento, King sigue sin revolucionar nada, únicamente remoldear y asentar los cimientos del personaje de cara a…todavía es difícil saberlo.

Un saludo y sed felices!

«Nioh» (PS4, PC): tú no has venido aquí a cazar (otra vez)

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Los videojuegos, como tantas cosas, tienen éxito cuando venden lo suficiente. Luego por otro lado está la crítica. Puede que en videojuegos el éxito comercial y el crítico vaya en general bastante unido, cosa que en el cine no estaba tan claro hasta hace poco. Desde luego en los años 80 o 90 del pasado siglo había toda una legión de críticos encantados con dar golpes a las películas más taquilleras. Todos coleccionamos euros y no hay nada malo en ello, pero hay una fase superior en el éxito a la que pocos llegan: que te imiten. Cuando es rompedor o novedoso y a la vez tiene éxito aparecen los imitadores. Es la cumbre del éxito: eres tan novedoso y tan exitoso que te imitan. Las razones de que esto pase son muchas, entre ellas que cuando se abre una nueva forma exitosa de hacer las cosas los primeros suelen ser los que se llevan más mérito, dinero y reconocimientos. Esto funciona también en lo tecnológico, por supuesto.

El caso de Dark Souls es uno de ellos. Un videojuego, por cierto, inicialmente visto por la prensa especializada como vulgar al que se le criticó por no ser muy bonito o por ser algo confuso. Uno que empezó a jugarse más y más por los que lo jugaban, que empezaron a ver que aquello era algo diferente a lo antes visto (con perdón de su juego antecesor, menos pulido). Fue raro, porque al revés de la mayoría de juegos de éxito la subida en ventas vino bastante después de su salida al mercado. Este juego de rol respondía a un hueco que casi no existía: el de los juegos que te desafían de verdad. En el que vencer a un jefe final te da satisfacción real, ya que antes te ha machacado durante a saber cuanto tiempo. Pero no sólo eso: es el diseño de los niveles y el tratarte como un adulto y no un niño al que llevar de la mano lo que era totalmente distinto. Tanto éxito ha tenido que hay varios imitadores, entre ellos el juego del que hablamos hoy, Nioh, que está para Playstation 4 y Windows. Realizado por Team Ninja, creadores de Dead or Alive o del dificilísimo y grandísimo remake de Ninja Gaiden. El mejor resumen de lo que era ese Ninja Gaiden está en este no menos enorme vídeo parodia (o no):

Nioh es, dicho a lo bruto, un Dark Souls pero ambientado en un Japón medieval, con samurais, criaturas fantásticas clásicas de Japón, personajes mitológicos nipones, muchas katanas, muchas ropas de ninja y etcétera. Es innegable que el juego pertenece al mismo género que puede que empezara Dark Souls (y los españoles podemos decir, quizás, el género empezó con un videjuego español: Blade, the Edge of Darkness, del que hablaremos algún día).

La cosa empieza en Inglaterra y allí empezaremos en modo tutorial. Se puede morir, por supuesto, y resucitar, cosa que como era de esperar haremos muchas veces. Los primeros contactos con el personaje dan lugar a poca personalización de inicio, y como es marca de la casa seremos nosotros con las subidas de niveles los que haremos con el personaje lo que queramos: un ninja que usa shurikens y trampas, un samurai especialista en desenvainar como el mítico Hitokiri Battōsai, una mezcla loca de varias cosas, un pesado guerrero con una pesadísima arma que da yoyas como panes, una especie de mago y muchas más. Enseguida veremos cómo el control es mucho más fluido y responde mejor de lo acostumbrado en el juego de referencia. Después de todo han aplicado su experiencia en Ninja Gaiden para hacer el juego mucho más rápido, ágil y, en cuanto a control del personaje, mucho más justo y mejor.

En este punto hay que decir que desde Dark Souls a Bloodborne hay dos escuelas: la del combate como algo defensivo en el que cada error se paga (Dark Souls) o el ofensivo, en el que defenderse a ultranza para esperar el fallo del contrario no es tan buena idea (Bloodborne). En general, en los videojuegos el enfoque ha sido históricamente el primero: esperamos el fallo en el patrón de movimiento o ataque del enemigo controlado por el ordenador/consola y atacamos en consecuencia. En este caso, sin ser un exceso de apología del contragolpe como modo de vivir, es cierto que tiende más al enfoque clásico, sobre todo en los enfrentamientos con los jefes finales. Quizás en determinadas partes con enemigos menores el juego sí esté diseñado para premiarte por ser ofensivo, rápido y encadenar movimientos y ataques de modo coordinado y ágil.

La variedad de armas, como puede verse en el vídeo antes enlazado, es grande. No tanto en el tipo de armas que puede haber, sino en lo muy diferentes que son al usarlas. Hay armas potentes y de corto alcance, potentes de largo alcance, rápidas de corto alcance, otras con radio de ataque y así todo. Cada una te pide un modo de jugar diferente, porque cada enemigo tiene rutinas diferentes. Y jugamos con las mismas cartas. La famosa barra de «energía», la que se agota al correr o atacar, funciona para nuestro personaje pero también para los enemigos. Hay ataques o habilidades basados en recuperar al instante parte de esa barra o agotar la del contrario. Los enemigos también, quiero decir. Quedarse sin fuerzas en medio del combate ya sabemos todos lo que implica. Team Ninja ha conseguido refinar la formula original y, mediante todos estos elementos, dar una apariencia de mayor justicia a los combates. Es decir, cuando nos maten hay pocas excusas: el diseño del juego es muy cuidadoso con el balance del combate y si nos la pegamos es por nosotros mismos.

Como juego basado sobre todo en el combate, la subida de niveles y el diseño de niveles poco más se puede decir. Es un juego que retoma la forma Dark Souls con otra ambientación diferente, refinando el combate para hacerlo más ágil. Sigue siendo exigente pero no imposible, a pesar de las leyendas urbanas sobre Dark Souls, pero es cierto que hay algo de gustarte los retos en jugarlo y disfrutarlo. Se disfruta sufriendo, palmando y pensando mejores estrategias para superar un combate o una trampa, no tanto por lo elaborado de la historia (que existe, está ahí, aunque en este caso no es el trabajo de creación literaria o musical de Dark Souls).

 

En ese sentido es una vuelta más a esencialmente lo mismo pero con el combate mucho más pulido y dándonos más descanso entre fases: aquí al acabar una mazmorra o misión salimos a un mapa del mundo donde podemos descansar, subir niveles o demás. Hay una ruptura del contínuo agobio tan del Dark Souls y en ese sentido la experiencia no es tan claustrofóbica y tan «el mundo contra mí». Un buen juego que ahora mismo está muy barato. No cambiará la industria pero es un buen producto con el que disfrutar si, como dijimos al analizar el primer Dark Souls, nosotros no hemos venido a cazar.

Sed felices.