Pues ya estamos en marzo de 2024 y Netflixsigue a lo suyo, estrenando sin parar. Y para eso estamos aquí, para adelantaros las novedades más significativas de nuestra plataforma amiga. ¿Verdad que es bonita la cabecera? Y es que donde esté Rocco Siffredi que se quite El problema de los 3 cuerpos. Vamos al lío.
Películas destacadas
El 1 de marzo se estrena El astronauta, con Adam Sandler viajando por el espacio y teniendo conversaciones con una araña espacial. No se, tiene pinta de rollazo pero igual le damos una oportunidad. Dirige el responsable de Chernobyl.
El otro plato fuerte de este mes es Damsel, con una habitual de la casa, Millie Bobby Brown, haciendo de damisela medieval emponderada y dirigida por Juan Carlos Fresnadillo.
El resto de películas destacadas queda tal que así:
El 1 de marzo. Tenemos un buen lote:
Me llamo Loh Kiwan, sobre un desertor coreano que se larga a Bélgica.
Capitán Phillips. La de Tom Hanks.
El cerdo, la serpiente y la paloma. Película taiwanesa sobre ladrones.
Los pasillos del juzgado, una sobre abogados indios.
Simón, que va de venezolanos huídos a Miami.
Miedo profundo.
Supernatural Academy.
Aníkúlapó. Es una de Nollywood que parece inspirada en Black Panther.
Quedamos después de clase. Película romántica japonesa. No se. Igual la vemos porque el año pasado hubo una que nos gustó bastante protagonizada por la misma actriz, Kasumi Arimura. Hablamos de Me llamo Chihiro.
Leyendas de pasión. Un clásico.
House Party (3 de marzo), va de dos pringados que montan una fiesta en la mansión de Lebron James.
Monuments Men (7 de marzo). O como George Clooney dirige un repartazo y no consigue gran cosa.
El insoportable peso de un talento descomunal (9 de marzo), cinta en la que un famoso actor que pasa por una mala racha se ve envuelto en un secuestro.
Un plan irresistible (11 de marzo). En esta veremos como un asesor político convierte las elecciones a la alcaldía de un pequeño pueblo en un circo mediático.
Muerte muerte muerte (11 de marzo). Una de miedito que va de unos ricos veinteañeros que se reúnen en una remota mansión y lo pasan mal.
Un ladrón romántico (14 de marzo). Pues eso, sobre un ladrón romántico.
Un deseo irlandés (15 de marzo), comedia románticona / ñoña con Lindsay Lohan que, por supuesto, no nos perderemos.
Los Casagrande: La película (22 de marzo), película de animación spin-off de esa joya que es Una casa de locos. No os la perdáis.
Shirley(22 de marzo) cuenta la historia de Shirley Chisholm (Regina King), la primera congresista negra y todo un símbolo político, y su rompedora candidatura a la presidencia de Estados Unidos.
Descansar en paz (27 de marzo) película en la que un padre de familia con problemas desaparece del mapa y regresa años después para ver que ha pasado con los que dejó atrás.
El juego bonito (29 de marzo), una sobre futbolistas sin techo que van a Roma. O algo así.
El salario del miedo (29 de marzo) es un thriller francés en el que un equipo tiene menos de 24 horas para transportar dos camiones llenos de explosivos por territorio hostil y evitar una horrible catástrofe.
Series destacadas
Vamos con algo de morbo. No es la serie del mes pero seguro que tendrá audiencia (que os conozco, que os gusta el picante). Se trata de la serie sobre el gran (en todos los aspectos) Rocco Siffredi. ¿Qué quién es ese? Venga, no disimuléis. Supersexse llama el invento.
El 7 de marzo se estrena The Gentlemen. La serie, basada en la película del mismo título dirigida por Guy Ritchie. Mantendrá el universo mafioso de la cinta aunque parece que serán otros personajes los protagonistas.
Mano de hierro es una serie que también va sobre mafiosos, en este caso catalanes, bajo la dirección de Lluís Quílez (Bajocero). El reparto cuenta con Eduard Fernández, Chino Darín, Jaime Lorente, Natalia de Molina, Sergi López y Enric Auquer.
Pero sin duda, el plato fuerte del mes (y puede que del año) es El problema de los 3 cuerpos, la serie con la que Netflixaspira a romper la banca. David Benioff y D. B. Weiss, responsables (para bien y para mal) de Juego de tronos, se juntan con Alexander Woo para adaptar el libro del autor chino Liu Cixin, que le valió el Premio Hugo. La serie no se qué tal será pero el tráiler es espectacular.
El resto de estrenos seriéfilos destacados queda como sigue:
Furias (1 de marzo), donde una joven que quiere vengar la muerte de su padre se ve envuelta en las maquinaciones de una jueza de paz de los bajos fondos de París. Serie francesa, por supuesto.
¿Cuánto pesa la sangre?(1 de marzo). Temporada 4.
Blood & Water (1 de marzo).Temporada 4
Hot Wheels ¡A correr! (4 de marzo). Serie de animación.
La señal (7 de marzo), miniserie alemana sobre una astronauta desaparecida.
Outlander(7 de marzo), temporada 6. Rodolfo de Bene es un gran seguidor de esta serie y seguro que nos trae sus análisis.
Trenes a todo vapor (7 de marzo). Serie de animación infantl.
La reina de las lágrimas (9 de marzo), serie romanticona coreana.
Jóvenes altezas (11 de marzo). Temporada 3 y última.
Bandidos (13 de marzo). Serie mexicana donde un excéntrico buscavidas reúne a una banda de inadaptados fuera de serie para una misión: encontrar el tesoro del rey Serpiente en la Riviera Maya.
Girls5Eva(14 de marzo). Temporada 3.
Nugget de pollo (14 de marzo). A ver, esto… no se cómo explicarlo. Resulta que es una serie coreana en la que una mujer adorable se convierte en un ‘nugget’ de pollo agridulce tras meterse en una extraña máquina y su padre y su hermano tienen que rescatarla. Si, hay series para todos.
Que así sea (27 de marzo). Serie tailandesa sobre unos empresarios que buscan hacer negocio con un templo budista poco conocido.
Terminamos destacando un evento especial: Nadal vs. Alcaraz en Las Vegas, un invento de Netflix que esperamos no tenga continuidad, que el deporte es malo. Os lo digo yo.
Y ahora si, con esto y un bizcocho nos vemos el mes que viene. Ahí va el video resumen del mes. Un saludo, sed felices.
Llevar a los niños al cine puede ser una excelente experiencia para ellos, ya que les permite disfrutar de historias imaginativas en la gran pantalla. Pero para los padres, también puede ser una preocupación asegurarse de que la película que verán los niños sea adecuada para su edad y madurez. Con las clasificaciones de películas que indican qué contenido puede ser inapropiado, es fundamental que los padres revisen estas clasificaciones con atención para tomar una decisión informada sobre lo que es más seguro para sus hijos.
En este artículo, exploraremos diferentes herramientas y estrategias que los padres pueden usar para controlar el contenido de las películas cuando llevan a los niños al cine, de modo que todos puedan disfrutar de una entretenida salida familiar de forma segura y sin preocupaciones.
La importancia del Control Parental en las películas
El objetivo del control parental en el cine es ayudar a los padres a tomar una decisión informada sobre lo que sus hijos pueden ver. Las películas están clasificadas por edades y ofrecen una guía general para los padres, pero cada niño es diferente y puede tener diferentes niveles de madurez. Aquí son razones más comunes:
Protección emocional: La exposición a ciertos temas y escenas en películas pueden tener un impacto negativo en la salud emocional de los niños. Por ejemplo, las imágenes violentas o el contenido perturbador pueden ser demasiado para algunos niños, especialmente para aquellos que son más sensibles.
Educación y valores: Las películas también pueden ser una forma de enseñar a los niños valores y lecciones importantes sobre la vida. Sin embargo, algunos contenidos pueden no ser adecuados para ciertas edades y es importante que los padres decidan qué mensajes son apropiados para sus hijos.
Influencias negativas: Algunas películas pueden contener mensajes o comportamientos que los padres prefieren evitar para sus hijos. Es importante que los padres tengan el control sobre lo que sus hijos ven para garantizar que no se expongan a influencias negativas.
Apps de control parental permiten a los padres como vincular un móvil a otro para supervisar lo que sus hijos están viendo. Si quieres probar tareas como esta, puedes acceder a https://www.eyezy.com/es/blog/eyezy-precio/ para conocer más sobre estas aplicaciones.
Cómo establecer Controles Parentales para el cine
Aquí hay algunas formas en que los padres pueden asegurarse de que sus hijos vean películas adecuadas para su edad y nivel de madurez:
Investigación previa: Los padres pueden investigar sobre la película antes de verla con sus hijos, leyendo reseñas o buscando información sobre el contenido específico de la película. Esto les ayudará a tomar una decisión informada sobre si la película es adecuada para sus hijos.
Revisar las clasificaciones: Las películas están clasificadas por edades y ofrecen una guía general para los padres. Es importante que los padres revisen estas clasificaciones y se aseguren de que la película sea apropiada para sus hijos antes de comprar los boletos.
Usa un rastreador de celular para monitorizar la actividad de tus hijos: Como se mencionó anteriormente, existen aplicaciones que permiten a los padres monitorear y controlar el contenido que sus hijos ven en el cine. Pueden bloquear ciertas películas o establecer límites de tiempo para la visualización.
Acompañarlos al cine: Aunque puede no ser siempre posible, acompañar a los niños al cine es una excelente manera de asegurarse de que estén viendo algo adecuado para su edad y nivel de madurez. Además, esto también les permite a los padres compartir la experiencia con sus hijos y brinda la oportunidad de discutir el contenido después de ver la película.
Las películas en línea también pueden ser un desafío para los padres, ya que no hay clasificaciones de edad como en el cine. En estos casos, los padres deben estar más atentos y utilizar aplicaciones o filtros para controlar lo que sus hijos ven.
Herramientas y aplicaciones útiles para monitorizar móvil de tu hijo
Existen numerosas herramientas y aplicaciones diseñadas específicamente para ayudar a los padres a controlar el contenido en línea que sus hijos ven. Algunas de las más populares son:
Eyezy.com
Eyezy es una aplicación de control parental que ofrece una serie de características para ayudar a los padres a monitorear el uso del teléfono móvil de sus hijos. Proporciona informes detallados sobre qué aplicaciones y sitios web están utilizando los niños en su dispositivo, lo que permite a los padres tener una visión clara de la actividad digital de sus hijos.
Además, Eyezy permite establecer límites de tiempo para el uso de ciertas aplicaciones, lo que puede ser especialmente útil para garantizar que los niños no pasen demasiado tiempo en juegos o redes sociales. La función de bloqueo de contenido inapropiado también es una característica destacada de esta aplicación, permitiendo a los padres asegurarse de que sus hijos no accedan a contenido adulto o perjudicial. Por último, para vincular dos moviles, Eyezy ofrece una opción que facilita el monitoreo en tiempo real.
mSpy.com
mSpy es una aplicación de monitoreo de teléfonos móviles que permite a los padres controlar las llamadas, mensajes de texto, redes sociales y actividad en línea de sus hijos. La aplicación se instala en el dispositivo objetivo y registra todas las actividades, enviándolas a un panel de control seguro al que los padres pueden acceder en cualquier momento. Esto significa que los padres pueden revisar todas las conversaciones, publicaciones en redes sociales y sitios web visitados por sus hijos.
Además, mSpy incluye un rastreador GPS, lo que significa que los padres siempre podrán conocer la ubicación exacta de sus hijos. Esta función puede ser crucial para la seguridad de los niños, especialmente en caso de emergencia.
Moniterro.com
Moniterro puede ayudar a los padres a monitorear y controlar el uso de aplicaciones y juegos en dispositivos móviles. Esta aplicación permite a los padres ver cuánto tiempo pasan sus hijos en cada aplicación o juego, y establecer límites de tiempo para prevenir la adicción a los juegos o el uso excesivo del teléfono. Además, Moniterro ofrece la posibilidad de bloquear ciertas aplicaciones, lo que puede ser útil para evitar que los niños accedan a aplicaciones inapropiadas o perjudiciales.
Cómo tener diálogo abierto sobre el contenido de las películas
Además de establecer controles parentales, es importante tener un diálogo abierto con tus hijos sobre el contenido de las películas. Aquí hay algunos consejos:
Habla los temas antes y después: Antes de ver una película, tómese un tiempo para hablar con sus hijos sobre el tema o la trama de la película. Después de verla, discutan cómo se sienten acerca del contenido y si hay algún mensaje importante que quieran compartir.
Haz preguntas: Durante la película, haga preguntas a sus hijos para asegurarse de que están entendiendo el contenido y cómo se sienten al respecto. Esto les permite expresar sus opiniones y también da una idea de lo que están absorbiendo.
Enséñales a ser críticos: Enseñe a sus hijos a ser críticos con el contenido que ven y a cuestionar lo que están viendo. Fomente la toma de decisiones informadas y el pensamiento crítico sobre las películas y su contenido.
Seas un ejemplo: Finalmente, asegúrese de ser un buen modelo a seguir cuando se trata de ver películas y elegir contenido apropiado. Los niños aprenden de sus padres y si ven que usted es consciente de lo que mira, también aprenderán a serlo.
La supervisión del contenido de las películas para los niños puede ser un desafío, pero con herramientas y aplicaciones útiles, así como una comunicación abierta y honesta, los padres pueden asegurarse de que sus hijos estén viendo contenido adecuado para su edad y nivel de madurez.
Conclusión
Garantizar una experiencia de visualización segura para los niños puede parecer una tarea desalentadora, pero con las herramientas y estrategias adecuadas, es posible. Recuerda, el objetivo no es simplemente proteger a tus hijos, sino también empoderarlos para que hagan elecciones inteligentes y consideradas sobre lo que ven. Y siempre, monitorizar movil de tus hijos puede ser una gran ayuda en este proceso.
El nuevo proyecto de su particular concepción del viejo oeste, es una película que ha tardado 36 años en poder llevar a cabo. Warner Bros, ha lanzado el primer tráiler de Horizon: An American Saga, que ya se está vendiendo como uno de los grandes eventos cinematográficos de este 2024.
Siempre ligado al género western, Kevin Costner ya está listo para regresar a su naturaleza favorita, que es dirigir, protagonizar y también coescribir junto al guionista Jon Baird, el estudio profundo de personajes, llenos de polvo, que transitan por los terrenos baldíos y desérticos de las leyendas del oeste americano.
La película narra un lapso de 15 años antes y después de la expansión de la Guerra de Secesióny el asentamiento del oeste americano. En la que se mostrarán fragmentos de la alta tensión que se vivieron entre los colonos y los nativos americanos. La ficción nos trasladará a 1861para fotografiar el inicio del fin del Salvaje Oeste, todo ello a lo largo y ancho de diferentes personajes, familias y escenarios. El propio Kevin Costner espera que la historia que narra en Horizon: An American Saga, ofrezca una nueva perspectiva de las películas de vaqueros a través de su nuevo largometraje.
El actor, siempre ha tenido una especial predilección por el western. Ha dejado un puñado de películas interesantes sobre esta temática, tales como, Bailando con lobos, Wyatt Earp o la magnífica Open Range. Sin duda, regresará a un tipo de película que se le da bastante bien y con la que ha obtenido sus mejores réditos a lo largo de su carrera. Tras cinco temporadas de gran éxito en televisión, con la serie Yellowstone, ha decidido embarcarse en su proyecto personal más deseado a nivel cinematográfico, su apuesta más arriesgada que es Horizon, una colosal película dividida en dos partes.
Hago un inciso para recomendar, si eres fan del western, una de las mejores novelas gráficas que hay sobre este género y que podéis descubrir aquí, Reseña de El Sexto Revólver Vol 1.
Según palabras del propio Kevin Costner recogidas por el portal The he Hollywood Reporter, “Tenemos un montón de Westerns que no son demasiados buenos porque se han simplificado [pero] esto no es Disneyland”. “Estas son vidas reales. La gente intentando buscar su camino, mujeres tratando de que sus familias fuesen alimentadas… Me siento atraído por ello. Siempre voy a caer en un tiroteo, pero me atraen las pequeñas cosas que la gente tenía para sobrevivir. Para mí, Horizon merecía la pena porque sentía que quería hacerla”.
Coescrita, dirigida y protagonizada por Kevin Costner, Horizon: An American Saga, va a estar dividida en dos partes. La Parte 1se estrena en las salas de cine el 28 de junio de 2024. Mientras que la Parte 2 llegará el 16 de agosto.
Aquí os dejamos con el tráiler de la primera parte.
El próximo mes de junio llegará a los cines españoles Los Vigilantes, la adaptación de la novela de A.M. Shine que ha llevado a cabo la hija de M. Night Shyamalan.
Parece que los genes por los gustos del terror, la oscuridad del ser humano y los cuentos retorcidos, han sido heredados de padre a hija. Se demuestra, en que para su debut como directora, ha elegido una película del género thriller teñido de perturbadoras presencias. Espera con ello, como la buena tradición familiar exige, mantenernos intrigados, tensos e inquietos mientras estamos pegados a la butaca del cine.
Los vigilantes (The Watchers), esta siendo definida como un relato de terror gótico. El film, narra la historia de Mina, una artista de 28 años que se queda atrapada en un extenso bosque virgen del oeste de Irlanda. Un lugar que no figura en ningún mapa. Ante una presencia amenazadora, Mina encontrará refugio en un búnker junto a otros tres extraños. Todos ellos son vigilados y acosados cada noche por unas extrañas criaturas.Con un lema marca de la casa Shyamalan; “No puedes verlos, pero lo ven todo”.
Los vigilantes, está protagonizada por Dakota Fanning, Georgina Campbell, Oliver Finnegan y Olwen Fouere. M.Night Shyamalan se ha encargado de producir la película. Ishana aparte de dirigirla también es guionista de la misma. Cuenta con la experiencia de su trabajo previo en la serie Servant, como directora y guionista, o colaborando, en Tiempo o Llaman a la puerta, ambas dirigidas por su padre.
Buscar una definición para las películas de M. Night Shyamalan suele ser a veces complicado, ya que se mueven en un hilo fino en el que hay varias temáticas rondando a lo largo del metraje. Ya sea como, relato gótico, thriller, terror, suspense, lo que está claro es que ante todo, si sabe lograr grandes momentos de desasosiego con el que jugar con el espectador, gracias a su magnificas composiciones de atmósferas claustrofóbicas. En el tráiler de los vigilantes, se puede apreciar el influjo del padre sobre Ishana Night Shyamalan, que muestra un especial cuidado en el uso del sonido.
Se define la pesadilla, como una preocupación grave y continua que siente alguien a causa de alguna adversidad, sobre esto da buena cuenta el primer tráiler lanzado por Warner Bros, en el que no faltan las extrañas criaturas, trampas mortales y la constante inquietud que amenaza desde las tinieblas de la noche.
Aquí os dejamos el tráiler de Los Vigilantes, que se estrenará el 5 de junio.
El pasado 27 de febrero se estrenó en HBO MaxAquaman y el Reino Perdido y con ella se acabó el DCEU, todo hay que decirlo, con más pena que gloria. A la espera de ver lo que hace James Gunn con el universo cinematográfico de DC, he decidido cerrar este capítulo del difunto DCEU trayendo la manida lista de peor a mejor.
Quedan fuera películas como La Liga de la Justicia de Zack Snyder, al no ser canon y Joker y The Batman que no están ambientadas en ese Universo Cinematográfico. Antes de comenzar os dejo con artículos relacionados.
Recuerdo al director David F. Sandberg salir al quite de unas declaraciones por las críticas de la cinta pero es que vaya tela lo pesada que se hace esta película. Muchos personajes y una trama aburrida a más no poder. Además nos traen a un Shazam que lejos de madurar tras la primera parte es más infantil aun si cabe. Es la única película del DCU a la que le daría un suspenso. Aburrida.
Poco que rescatar de esta película, para mí lo de Margott Robbie con Harley Quinn es una auténtica pena. Borda al personaje pero no ha encontrado una película buena. Esta tiene momentos buenos pero cada minuto que pasa se va notando la ausencia de un guion y el bostezo se apodera del espectador. Ni Harley Quinn puede evitarlo. Regulinchi.
Se avecinaba un desastre decían. Una película pensada para emitirse en el streaming de HBO Max y al final fue a los cines. Y ni tan mal. Es una típica película de orígenes que entretiene. No es de mis favoritas pero no le pongo mayores pegas. Psé.
No me creo que James Wan quisiera hacer esta secuela. Quiero entender que esto es el resultado de todo lo que ha pasado en el DCU en la última época. Visualmente es espectacular pero la historia aburre y es deslavazada. Tiene un humor muy chorra que no casa con lo que hemos visto anteriormente del personaje. Aprobada por los pelos.
Lástima lo que pasa con esta película. Tiene una buena premisa, un buen grupo pero… ahí acaba todo. No hay mucho que contar, la villana interpretada por Cara Delevingne no me gusta nada. Y el Joker de Jared Leto pues… de lo peor. Eso sí, la mejor aparición de Harley en las tres películas del DCU.
Shazam es buena película pero me recuerda más a Marvel que a DC. Apuesta más por la comedia que por el drama. El villano es mmmm, ni fu ni fa y a estas alturas las escenas de acción ya no nos sorprenden después de ver El hombre de Acero, la Liga de la Justicia o Batman vs Superman. Entretenida.
Contigo empezó el fin. Una lástima. La película que debería haber sido una fiesta y acabó siendo una decepción mayúscula. Zack Snyder acabó fuera y Joss Whedon dirigió nuevas escenas y la montó a su estilo. A ver, la película está bien, tiene buenos momentos pero la falta de Superman se nota, Flash y Cyborg son un estorbo y la película va cayendo de la mitad hacia el final en la indiferencia. Una oportunidad perdida y el principio del fin.
Menuda somanta de palos injusta se ha llevado esta película. A mi me gusta mucho, más que por el propio Black Adam por el grupo que lo acompaña La Sociedad de la Justicia con Hawkman y Doctor Destino marcando las diferencias. No tengo pegas que ponerle a la cinta, quizás que el personaje principal me dejó con un pelín de ganas de más. Buena.
Muy buena película de orígenes. Tiene el típico desarrollo por lo que las alabanzas se las pondré en el imponente acabado visual. La Atlantis de James Wan no tiene ni punto de comparación con la de Snyder, luce muchísimo mejor la primera. Jason Momoa es desde luego un gran Aquaman. Espectacular.
Un paso atrás fue esta secuela después de todo lo andado en el DCU. La historia es floja, el villano aburrido a más no poder. Entonces ¿Por qué la pongo tan arriba? He de reconocer que Wonder Woman es para mí lo mejor de este DCU, o Gal Gadot. Y poco para mí ya es mucho. Después tiene dos buenas escenas de acción y una de las mejores escenas del DCU cuando Diana renuncia a Trevor. Y como olvidar la banda sonora de Hans Zimmer. De las mejores.
El Escuadrón Suicida fracasó injustamente en taquilla al igual que Wonder Woman 1984 por estrenarse ambas en contextos pandémicos (más la primera que la segunda obviamente). Esta película es un despiporre continuo con muy buenos personajes y en definitiva con un primer y segundo arco de muy buen nivel que para mi juicio se viene abajo en el tercer acto en la batalla contra Starro. Margott Robbie sigue brillando como Harley pero sale menos en pantalla y la echaremos de menos. Y como no mencionar a Peacemaker.
Muy buena película. Se nos cuenta el origen del personaje y nos lo llevan a la I Guerra Mundial. Tiene poca acción pero esas pequeñas dosis de aventuras y acción son suficientes porque queremos conocer más al personaje. Lástima que la película falla en un último acto que no está a la altura de lo que se ha visto anteriormente. Sorprendente.
Una de las mejores películas de superhéroes de los últimos años, vapuleada por el público por un hate que va más allá de la razón. Ezra Miller se supera interpretando al superhéroe. Y el regreso de Michael Keaton a Batman es sencillamente mágico e inolvidable. No le veo pero alguno a la película, ni las dichosas críticas al CGI. Muy buena.
Me gusta mucho esta película. Entiendo que no es el Superman de los cómics, pero para mí es el Superman de Nolan y Snyder. Y me sobra. Tiene momentos surrealistas los cuales no citaremos para no repetirnos pero se impone la épica y la emoción. El tercio final o lo que es lo mismo el enfrentamiento contra Zod a mí personalmente me parece impresionante y de un gran disfrute. Epiquísima.
1. Batman v Superman El amanecer de la justicia (2016)
Se le podrán poner peros a esta película pero es brutal. Claustrofóbica y superheróica. Grandísimo Ben Affleck como Batman e impresionante la aparición de Wonder Woman: – ¿Ella viene contigo? Y no olvidemos toda la trama de Lex Luthor maquiavelizando todo el tiempo desde las sombras consiguiendo hacer llevar a Superman al Congreso. Lo de Martha… pues lo dejaré pasar. Brutal y apoteósica.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de marzo. Un mes más, tendremos serios problemas para no comprarlo todo.
Novedades Dolmen Editorial de marzo de 2024.
Siempre que nos es posible, nos gusta hacer recomendaciones sobre los títulos que más nos llaman la atención, de las novedades editoriales que tienen previsto publicarse.
Mes tras mes, con Dolmen Editorial se hace muy difícil esa selección. Pero vamos a intentarlo …
«BEETLE BAILEY comienza su andadura en el mundo de los cómics como estudiante universitario, vago y poco amigo de los libros, toda una novedad que se adelantó a su tiempo. Pero entonces estalla la guerra de Corea y, como tantos otros jóvenes, Beetle acaba por enrolarse en el ejército.
Beetle no cambia de personalidad, sigue siendo vago y poco amigo del esfuerzo físico. Maniobras, servicio de cocinas, guardias, arrestos, escaqueos, permisos y búsqueda de chicas conforman a partir de entonces su vida.
La parodia de la disciplina militar, que no de la guerra, cala entre el público y se convierte en un éxito rotundo.
Porque Beetle nunca fue a la guerra, nunca pegó un tiro.
Y nunca le vimos los ojos».
Lo tendremos disponible el 14 de marzo en nuestras librerías,
«¡Cerramos con broche de oro la «etapa Rosy» de Tif y Tondu!
El presente volumen contiene las dos últimas aventuras largas de nuestros héroes escritas por el polifacético guionista, La materia verde y Tif el rebotante, en donde sus aventuras prosiguen un enfoque dominado por la fantasía y el nonsense, justo antes de que Tillieux tomara el relevo como guionista de sus posteriores hazañas.
Todo ello complementado con El fantasma del samurái, la última aventura que Will ilustró de sus personajes estrella antes de dejarlos temporalmente durante un periodo de seis años, y otras cuatro historias cortas más».
La Juez Cassandra Anderson es una telépata precognitiva de la División Psi del Departamento de Justicia. Su alto sentido de la justicia y una empatía psíquica abrumadora la convierten en una de los mejores jueces de Mega-City Uno.
Sin embargo, las tragedias recientes han hecho que su fe en el sistema empiece a derrumbarse.
Cuando un malvado brote psíquico aterroriza a todo el mundo, Anderson deberá dejar de lado sus dudas y viajar más allá de las puertas de la percepción para salvar a la humanidad.
Inédita hasta la fecha en España, este volumen incluye cuatro historias clásicas del personaje, entre ellas la aclamada Shamballa, el mejor trabajo firmado en la revista 2000 AD por Alan Grant y Arthur Ranson, maestro de las luces y las sombras.
Un volumen repleto de techno-thriller, noir, fantasía mística y fatalismo que examina las emociones y el espíritu del ser humano».
También lo tendremos disponible el 14 de marzo en nuestras librerías.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones del mes de febrero de las novedades de Dolmen Editorial.
No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de Dolmen, previsto para este mes de marzo.
Siguiendo en la línea de las docuseries históricas que la plataforma viene produciendo y estrenando en los últimos años, Netflix nos trae Alejandro Magno: La Creación de un Dios (Alexander: The Making of a God) que, creada y dirigida por Tony Mitchell, recrea el ascenso del célebre líder y militar macedonio desde su autoexilio hasta convertirse en mito viviente.
A Netflix le debe estar dando resultados el formato docuserie o no lo repetiría tanto. A los ya realizados sobre el Imperio Romano, el Otomano, La Reina Cleopatra o La Edad de Oro de los Samuráis (y la lista sigue),se agrega ahora Alejandro Magno: La Creación de un Dios que, combinando dramatización con documentación histórica y arqueológica, busca recrear el perfil de quien construyera el mayor imperio de la antigüedad a partir de un estado pequeño e insignificante como el macedonio.
La primera imagen que nos viene a la cabeza al momento de recordar las últimas experiencias en llevar a Alejandro a la pantalla es sin duda la fallida película de Oliver Stone de 2004 que, protagonizada por Colin Farrell, parecía más bien un folletín pornosoft que un filme histórico, salvándose la banda sonora de Vangelis y muy poco más.
Aun así, hay que reconocerle a Stone el poder de dejar instalada en la opinión pública la bisexualidad de Alejandro, algo prácticamente imposible de afirmar o comprobar tratándose de alguien que vivió hace más de dos milenios y de quien la documentación sobre su vida personal o sexual es más bien escasa. Pero esta docuserie vuelve a reciclar el mito y presenta una especie de triple relación entre Alejandro, Hefestión y Ptolomeo que, desde luego, carece de evidencia.
Dejando de lado ello, la serie ahonda algo más en temas que Stone casi ignoró, como el ascenso de Alejandro, las guerras de conquista y, de manera particular, el antagonismo con Darío III, siempre alternando la dramatización con el testimonio de historiadores.
En ese sentido, aporta bastante más que aquel filme y lo hace de manera didáctica y equilibrada, sin que los testimonios de especialistas abrumen, aburran o corten clima aunque, a decir verdad, tampoco es que aporten mucho a lo que las mismas imágenes muestran y parecieran, por momentos, guiados más por la admiración o fascinación que por la investigación.
Mucho más interesante es el recorrido por las excavaciones actuales en Alejandría a cargo de la arqueóloga griega Pepi Papakosta, las cuales, a la búsqueda de la aún no hallada tumba de Alejandro, siguen arrojando al día de hoy nueva y sorprendente evidencia sobre los días en que la ciudad estaba bajo su influjo. Una lástima que no se le hayan dado más minutos en pantalla de los que tiene, pues se quedan escasos…
En cuanto a la parte dramática, también se recurre al testimonio, pero ficticio y a cargo de una anciana de la cual, ya avanzada la serie, nos enteramos que es la suma sacerdotisa del Oráculo deSiwa, en Egipto, hacia donde Alejandro decidió ir en busca de su destino en un momento en que sus generales le reclamaban redoblar la ofensiva sobre Darío.
Las actuaciones son en general buenas, aunque Buck Braithwaite no luce demasiado macedónico en el papel principal y se reitera mucho en su gesto severo y actitud de niño caprichoso. Recreado de ese modo, cuesta creer que Alejandro pudiera llegar muy lejos, pues no oye prácticamente a nadie de su entorno y termina obrando por decisión únicamente propia: un enfoque que, de tan individualista, termina casi dejando al personaje huérfano de contexto histórico y comportándose como una isla.
Más convincente está Mido Hamada en el papel de Darío, un hombre que ve ante sus ojos caer no solo su propio imperio sino también su mundo personal, lo que incluye a su esposa Estatira (Agni Scott) y a su hija Barsine (Nada El Belkasmi).
Por cierto, la serie acierta en rescatar el lugar que las mujeres tenían en esas sociedades en lugar de ceder al lugar común de decir que simplemente carecían de toda influencia: por el contrario, se puede apreciar que la tenían y mucha, aunque de modo diferente a los hombres.
Otro punto muy bien tratado es el sincretismo religioso como herramienta de dominación. Alejandro es convencido por su propia madre de ser hijo de Zeusy redobla la apuesta al presentarse ante Egipto como faraón e hijo de Amón. Y es interesante, en relación con ello, la apropiación de la cultura del vencido por parte del vencedor para poder gobernar, práctica que Alejandro supo ejecutar a la perfección y que luego harían suya los reyes bárbaros en Roma o Gengis Kan en China.
La reconstrucción histórica está bien lograda en los aspectos cotidianos, aunque cuesta creer que en esa época se utilizaran giros como “¿qué me perdí?”, al momento de ironizar sobre un plan que no se entiende, o recurrir a apócopes como Alex por Alejandro o, peor aún, Hef por Hefestión. O que uno de los generales descalifique la devoción por Alejandro como “histeria”, palabra que es de origen griego, pero no adquiría en esos tiempos ese sentido. Hay, eso sí, un buen trabajo en vestuarios, utensilios y armamentos.
Los paisajes de Marruecos dan un buen marco, pero la producción falla en las escenas más masivas, que es donde se notan las actuales políticas presupuestarias de Netflix. Se recurre, por ejemplo, a planos bajos, cortos y poco amplios para las escenas de batallas, de tal modo de apañárselas con solo veinte o treinta extras. Se supone que en Issos o Gaugamela combatieron cientos de miles, pero esas legendarias batallas ni llegan aquí a parecer escaramuzas…
Ya sé que no estamos en los tiempos de Serguéi Eisenstein en que se utilizaban cien mil extras para recrear cien mil soldados, pero sí estamos en los del cgi, que con muy poco puede milagrosamente multplicar los panes y los peces. Otro tanto ocurre con las ciudades: Babilonia y Alejandría apenas lucen como decorados pintados.
En cuanto a la propia historia de Alejandro, están sorprendentemente omitidas algunas cuestiones dignas de desarrollar, como su temprana relación con Aristóteles o el legado que este pudiera haberle dejado. De hecho, se afirma en un momento que Alejandro era no solo guerrero, sino también poeta y filósofo, pero nunca se profundiza en ese aspecto y las más de las veces parece ser alguien que obra por instintos o presentimientos.
Más sorprendente aun es la ausencia de mención a la falange macedónica, formación táctica que había sido ideada por Filipo II y luego continuada y perfeccionada por su hijo Alejandro. Oímos todo el tiempo discutir planes estratégicos y a los especialistas explicar con bastante detalle el desarrollo de las batallas, pero extrañamente la falange solo está presente de modo tácito cuando fue factor fundamental en la conquista de Persia.
En Conclusión…
A pesar de su enfoque excesivamente individualista, Alejandro Magno: La Creación de un Dios es una digna docuserie que cumple muy bien con la doble función de entretener y educar, además de construir una imagen del conquistador macedonio bastante más interesante que la que nos dejara la película de Oliver Stone. A lo largo de sus seis episodios, nunca aburre y es muy didáctica, pero no hubiera venido mal un poco más de presupuesto para que la reconstrucción histórica fuese más creíble. No obstante y con lo justo, aprueba…
¿Habrá segunda temporada? Pues estos seis capítulos no llegan a la muerte de Alejandro ni tampoco hay sobre el final ninguna leyenda o relato en off al respecto. Es de creer entonces que la historia aún no está concluida y, de hecho, hay todavía mucho por contar tras la caída de Persia. No es, por lo tanto, para descartar una segunda temporada y, de ser así, esperemos que Netflix desembolse un poco más porque esto no es una serie sobre Taylor Swift sino sobre Alejandro Magno.
Continuamos analizando Los Amos del Aire, miniserie que, producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, retrata los eventos y personajes ligados al 100° Grupo de Bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, tocándonos hoy el sexto episodio, cuyo título es simplemente Parte 6. Creada y desarrollada por John Shiban y John Orloff, la miniserie es emitida semanalmente por Apple TV+.
Bienvenidos nuevamente a un nuevo análisis de Los Amos del Aire, con un sexto episodio que confirma lo que parece ser regla en la serie: a cada entrega que es pura adrenalina le sigue una más relajada y con tiempo para la reflexión y procesar culpas. Efectivamente es lo que ocurre en una entrega que, en tres arcos, sigue los caminos separados de John en Westfalia, Crosby en Oxford y Rosenthal en una finca de la campiña inglesa.
Vayamos pues a ver qué ha pasado no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Oxford
Crosby no logra aún procesar la muerte de su amigo. Siente culpa porque era él y no Bubbles quien debía estar en esa misión, pero su ascenso obligó a reemplazarlo. A los fines de participar en una serie de conferencias con oficiales de distintos países aliados, es enviado a Oxford, donde se sorprende por lo antiguo que es todo en comparación con su país de origen y debe soportar el ninguneo de los británicos, que le corrigen su pronunciación y hasta le dan lecciones sobre el nacimiento de los derechos individuales en Inglaterra con la Carta Magna cuando los Estados Unidos aún no existían.
No todas son malas: la gran sorpresa se la lleva con su compañero de cuarto A. M. Westgate (Bel Powley), de quien la imprecisión de las iniciales le impiden inicialmente saber que es en realidad compañera. En efecto, se trata de una oficial de la RAF (“subalterna”, como la llaman allí), que le informa que su primer nombre es Alessandra mientras que el segundo prefiere llevárselo a la tumba; las iniciales, por otra parte, son para la RAF una forma de ocultar al personal femenino.
Afable, extrovertida y bastante pueblerina, viene de Cambridge pero no ha asistido a la universidad y dice ser terrible escribiendo: claro contraste con la esposa de Crosby, que no para de enviar cartas. Le convence de no seguirse torturando por lo de Bubbles, ya que la culpa de que este estuviera a bordo de un B-17 no fue suya, sino del “maldito Hitler”.
Hay buena química y a Crosby pareciera estar por un momento cruzándosele por la cabeza engañar a su esposa. De hecho, ella parece hasta arrojarle un guiño al defender a los americanos cuando, en una de las tantas chicanas británicas, un oficial critica la forma desinhibida en que asumen la sexualidad, así como su tendencia a la bebida y la juerga. Crosby, con la calma que le es habitual, replica que para los suyos cada noche puede ser la última y no hay por qué impedirles disfrutarla…
Si tenía en mente llegar a algo más serio con Westgate nunca lo sabremos, pues la cosa se interrumpe cuando ella es citada por un oficial superior, lo que vuelve una vez más a marcar lo efímero o trunco de las relaciones en tiempos de guerra. Tampoco sabremos ya nunca su segundo nombre…
La Campiña
También Rosenthal está atormentado por las culpas, pues le aqueja el “síndrome del sobreviviente” por haber liderado el único avión que regresara a territorio británico tras lo de Münster. Por tal razón, se le envía a un centro de descanso de la Cruz Roja en plena campiña inglesa, donde tiene la oportunidad de encontrarse con otros que vienen de experiencias similares.
Todo es muy británico y el ambiente distendido: se juega al croquet, al backgammon o al badminton y se practica la caza del zorro. Rosenthal no se siente cómodo allí mientras otros viven el horror de la guerra, pero pronto descubre que no es el único y por debajo del despreocupado disfraz que el lugar aparenta, los dramas y horrores subsisten, tal como se percata al descubrir a un hombre llorando en soledad.
Le plantea al doctor Huston (Jamie Parker), a cargo del lugar, la posiblidad de regresar a sus funciones antes de lo previsto, pero este objeta que debe cumplir sus cinco días. Rosenthal lo compara con sacar de ritmo a Gene Krupa (uno de los mejores bateristas de la historia).
Resignado entonces a permanecer hasta que expire su licencia, se reúne a jugar apuestas con otros oficiales, algunos de los cuales le acompañaron en la acción sobre Münster. Con sorpresa, descubre que el tarareo de Artie Shaw que en su momento hiciera durante la misma se ha hecho famoso e incluso uno de los suyos dice que le sirvió para levantar el ánimo en medio del desastre.
La culpa entonces retrocede, pues toma conciencia de lo importante que ha sido o puede ser para otros y le vemos luego con decisión, y ya de regreso en la base, volver a apearse a un avión.
¡Amerikaner!
En Westfalia, John cae en cercanías de una granja y, descubierto por gente del lugar, está a punto de dispararles pero se detiene al comprobar que son niños, así que solo les hace seña de guardar silencio y se marcha. Es inútil: al grito de “¡amerikaner!”, estos dan alarma a los agricultores locales que salen armados a cazarle.
Se produce una escena de persecución en el agua que, con la cámara siempre al ras de la misma, consigue un logrado clima de suspenso, pero lamentablemente queda desaprovechado por lo rápido que se define todo con la captura de Egan.
Junto con otros prisioneros, es llevado por soldados alemanes en un recorrido del terror por entre edificios recientemente bombardeados por la RAF. “Por fin los británicos le pegaron a algo” ironiza para sí mismo, reviviendo aquel debate sobre la conveniencia de bombardeos de precisión o zonales.
Entre los destrozos, toma contacto directo con el daño y las víctimas, pero esta vez desde otra perspectiva, pues para los civiles alemanes bombardeados, los monstruos son ellos. Enardecidos por su presencia, se arrojan sobre el grupo y les golpean hasta casi matarles sin que los guardias hagan nada. O sí: uno de ellos se encarga de disparar a la cabeza de cada uno de los americanos y si no lo hace con John es porque justo (muy conveniente) se le acaban las balas…
Egan recibe, no obstante, un golpe en la cabeza y, dado aparentemente por muerto, despierta en un carro y camino de ser enterrado junto al resto. No es el único que sigue vivo, pero uno de sus compañeros comete el error de hablar y es rápidamente liquidado con un golpe de pala. Más astuto, John se mantiene callado y espera al momento del enterramiento para echar a correr por los bosques. Acaba, no obstante, recapturado por soldados alemanes, lo que extrañamente se siente con alivio como la mejor de las opciones…
En un centro de detención es interrogado por un tal teniente Haussmann (Louis Hoffman), habiendo un clima de tensa cordialidad entre ambos: el hombre conoce su trabajo y, buscando crear identificación recíproca, le convida whisky y cigarrillos además de ponerle al tanto de los resultados de las ligas de béisbol, deporte que dice nunca haber entendido.
Más hondo golpea cuando le informa que no hay registro suyo a bordo de los bombarderos que atacaron Münster (recordemos que John se incorporó a último momento tras interrumpir por propia voluntad su licencia), por lo que podría ser entregado a la Gestapo como espía, destino por demás incierto.
Aun así, Egan se mantiene impertérrito y cuando el interrogador le pide datos sobre la cantidad de reemplazos que para los aviones derribados pudiera haber en la base inglesa, solo dice una y otra vez su nombre, rango y número de identificación.
La amenaza de Haussmann, no obstante, parece solo espuma y John termina conducido al centro de prisioneros Stalag Luft III, habiendo por el camino tomado horrendo contacto visual con quienes parecen judíos llevados en tren a campos de concentración. Una vez llegado a destino, se reconoce mutuamente con varios hombres del 100° que están allí y, en momento cumbre, con su amigo Gale Cleven.
“¿Por qué diablos tardaste tanto en llegar?” – le pregunta este en una frase que, al parecer, también fue dicha en la realidad.
Balance del Episodio
Como dijimos al principio, a cada episodio adrenalínico de la serie pareciera sobrevenir uno de calma y este ha sido el caso, además de que los diferentes arcos, desconectados entre sí, hacen que parezcan tres episodios en uno.
Contrariamente a lo que podría haberse pensado a priori, el arco de John ha sido el más flojo y el de Rosenthal el más interesante, con el de Crosby a mitad de camino. Hay algunos huecos en la trama alemana y no solo por la rápida resolución de la persecución en el pantano, sino por un par de casualidades demasiado convenientes, como el oficial alemán que se queda sin balas o los campesinos que le dan equivocadamente por muerto. Ignoro cómo habrán sido esos pequeños detalles en la realidad, pero al menos en la serie se vieron poco creíbles…
El momento del interrogatorio dio lugar a un diálogo sumamente interesante en el cual la mezcla de amabilidad y cinismo por parte del oficial alemán me trajo recuerdos de Malditos Bastardos (Bastardos sin Gloria para América Latina). Pero la resolución fue débil: no se sabe si Haussmann mentía al mencionar la posiblidad de la Gestapo o solo fue un ardid del momento, pero está claro que no tomó represalias contra John y ello aumenta la sensación de que allí había una cierta identificación que merecía ser más explorada. Tal como lo veo, sin embargo, ya no sabremos de Haussmann y es una pena.
Uno de los momentos más potentes de ese arco ha sido el cruce con el tren de los judíos, pues tanto John como sus compañeros parecieron por primera vez tomar contacto con una faceta de la guerra que desconocían, situación que en algún punto retrotrae a aquel desgarrador noveno episodio de Hermanos de Sangre (Band of Brothers). No fue tan crudo, pero la sola imagen de las manos por entre los vagones ha tenido fuerza desde un lugar diferente, pero igual de estremecedor…
En cuanto a Stalag Luft III, es un campo de prisioneros que existió en la realidad y en el cual, efectivamente, se produjo el reencuentro entre Egan y Cleven. Administrado por la Luftwaffe, cobró especial fama a partir del célebre episodio de fuga que diera lugar a la película La Gran Evasión (John Sturges, 1963), protagonizada porSteve McQueen. No teman que no es spoiler: no hubo americanos en esa famosa fuga, la cual fue tanto tramada como llevada a cabo por prisioneros británicos, así que ni John ni Gale participarán de ella.
Lo que sí está claro es que se viene una larga reclusión para ambos y ello abre a la serie la puerta para explorar un tema que había casi quedado sin tratar en Hermanos de Sangre o en The Pacific, como lo es el de los prisioneros caídos en manos del enemigo.
Y la inminente ausencia de John y Gale en el frente de lucha por algún tiempo lleva a que aumente el protagonismo de Rosenthal, quien muy posiblemente esté a cargo de las próximas acciones aéreas, tal como la última escena demuestra. Su arco en la campiña inglesa ha sido de lo más jugoso y de algún modo espejo de una sociedad británica tradicionalista en la que todo parece estar bien, pero por debajo subyacen traumas, fantasmas y monstruos.
Es interesante asimismo el modo en que Rosenthal descubre la respuesta a por qué debe estar a bordo de un avión y no allí. La melodía de Artie Shaw que tarareó y sirvió de estímulo para sus hombres es la prueba de que, por encima de cualquier culpa, él ha sido importante para ellos y muy posiblemente estén esperando tenerlo nuevamente al mando, aunque más no sea para tararear una de sus canciones…
En cuanto al arco de Crosby, tuvo algunos puntos de interés, pero acabó en poco. La relación con Westgate abrió una buena posiblidad, pero no termina de entenderse por qué bastan apenas unas palabras de consuelo de ella para que él se sienta liberado de culpas. Y en cuanto a lo trunco de la relación, no hace más que redundar con el cuarto episodio, que prácticamente tuvo como eje a los caminos sentimentales cercenados por la guerra. En todo caso, y al igual que con Haussmann en el arco de Alemania, hemos perdido en Westgate a otro personaje que pintaba interesante…
Por último, la música ha actuado como una especie de eje vertebrador en un episodio tan fragmentado. Cuando Crosby recomienda a un oficial británico escuchar algo “realmente libre”, pone a girar un disco de Duke Ellington, del mismo modo que Gene Krupa funciona para Rosenthal como ejemplo de alguien que no debe ser sacado de lo suyo y el tarareo de Artie Shaw como modo de sentirse importante para sus hombres.
Y hay algo más: durante la fiesta en Oxford, Crosby y Westgate oyen a una cantante supuestamente llamada Ella Walsh interpretar una canción llamada “Tear the facists down”, la cual llama a la unidad a las distintas naciones para combatir los autoritarismos. La misma fue compuesta por Woody Guthrie y hay un pequeño desliz temporal, ya que estamos en 1943 y él grabó esa canción al año siguiente. Lo que queda claro, de todas formas, es que la música termina siendo un refugio ante el horror de la guerra.
En conclusión, ha sido un episodio correcto pero claramente no el mejor de la serie y, de hecho, quizás hasta aquí el más flojo. No tanto por el clima relajado, ya que ello también había ocurrido en el cuarto y sin embargo tuvo una alta intensidad, sino más bien por la débil forma de cerrar alguna de las subtramas aun cuando la de Rosenthal haya sido brillante y llena de alegorías, además de mostrar un gran trabajo de Nate Mann.
A ver con qué nos encontramos en el próximo episodio. Hasta entonces y sean felices…
Alto Knights es el próximo estreno de Robert De Niro, al menos el próximo que nos interesa que lo mismo antes de que se estrene en noviembre nos cuela alguna comedieta de mal gusto.
Evidentemente Robert De Niro si que cumple con creces en El irlandés y en Los asesinos de la luna pero considero que ambas interpretaciones hubiesen sido mucho mejores años atrás. No obstante, es sobre todo en El irlandés donde se le puede poner más pegas sobre todo por lo del rejuvenecimiento por CGI que no le hizo ningún bien.
Pero ha llamado poderosamente mi atención la película que os comentaba, Alto Knights y lo ha hecho por varias razones, por un lado la sinopsis: Vito Genovese y Frank Costello, un par de italoamericanos que dirigen dos familias criminales separadas a mediados del siglo XX. Genovese intentó asesinar a Costello en 1957, aunque Costello se retiró de la mafia.
Luego están los nombres asociados, Barry Levinson en la dirección, quien dirigiese Sleepers y alguna que otra joya más (como Rain Man), dejo su filmografía aquí. Y en el guion tenemos a… Nicholas Pileggi, el guionista de Uno de los nuestros y Casino, ahí es nada. Pero es que el colofón lo tenemos en Robert De Niro interpretando a.. ¡los dos personajes principales! Si, a Genovese y a Costello.
A mí esto me ha llamado mucho la atención. Esperemos que Robert de Niro no nos decepcione como lo hizo Tom Hardy intepretando a los hermanos Kray.
La lástima es que la edad dorada de todos los implicados pasó hace ya muchos años, De Niro sigue en primera línea pero lejos de los esplendorosos 70, 80 y 90. Pero ¿Qué tal un último baile? Los nombres merecen la pena desde luego. A ver si tenemos suerte y tenemos una gran película.
De momento no tenemos imágenes así que toca esperar. ¿Vosotros tenéis ganas de este proyecto? Un saludo y sed felices.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de marzo. Además … Este año, la editorial madrileña cumple cinco años. Debemos estar muy atentos.
Novedades Nuevo Nueve marzo de 2024
Sin pretender desmerecer ningún título de la editorial, para mí, el título estrella de este mes es:
«El parque de atracciones Zombillénium, que mantiene prisioneros a decenas de visitantes, es codiciado por numerosos demonios, todos deseosos de convertirse en accionistas mayoritarios.
El único método de arbitraje aceptado por todos: el Sabbath Grand Derby, un evento deportivo tan violento como inventivo donde compiten cinco brujas a las que se dará de comer a los visitantes del parque…
Entre las candidatas, una tal Gretchen, decidida a dar lo mejor de sí, ya que no puede contar con la ayuda de Aurélien-Baphomet…
¡Los espectadores del Sabbath Grand Derby, retransmitido como un reality show cualquiera, quedarán asombrados! Gretchen, por su parte, corre el riesgo de sufrir un golpe…
Descubre en este integral el final apoteósico que todos esperabais».
Lo tendremos disponible el 4 de marzo. Más información en la web de Nuevo Nueve, pinchando aquí.
Pero eso no es todo …
¡Ya os hemos dicho que Nuevo Nueve cumple 5 añitos!
«Nuevo Nueve cumplirá durante este 2024 sus primeros cinco años de vida. ¡Qué rápido ha pasado todo!
¡Cuánto hemos vivido y leído juntos! Más de ciento ochenta títulos publicados, decenas de asistencia en diferentes ferias, multitud de sesiones de firmas y actos culturales. Una dedicación al cien por cien al servicio de la magia del cómic.
Trataremos de haceros ver durante este año del quinto aniversario la gran calidad que se esconde detrás de cada obra, de cada autor y de cada promoción efectuada. Os lo contaremos puntualmente.
Para empezar hemos seleccionado diez obras de nuestro catálogo que se os han podido pasar desapercibidas. Bien por ser editadas durante la pandemia, en el mismo mes que otras que impactaron más o, simplemente, porque no las viste en las estanterías de la librería.
Cada mes, desde ahora mismo, se redistribuirá un título. Todos ellos tienen una camisa diseñada a modo de colección. Las veis aquí abajo.
¿Os gusta el diseño? Queremos leeros todo tipo de opiniones y de ideas para este año de celebración. Trataremos de contentaros.
Nos veremos en todos los saraos.
No faltéis a vuestra cita mensual con Nuevo Nueve, ya sabéis que nunca defraudamos!»
Ricardo Esteban lleva más de 40 años vinculado al mundo editorial en España. Creó Nuevo Nueve Editores el 9 de septiembre de 2019, justo antes de la pandemia.
En estos (casi) cinco años, nos ha traído cómics de grandísima calidad a precios muy competitivos, vestidos con unas ediciones espectaculares.
Brindamos por los siguientes cinco años, amigo Ricardo. Salud y fuerza.
Pero no nos olvidemos de las novedades de Nuevo Nueve, previstas para este mes de marzo. Más abajo, os dejamos el pdf completo. Echad un ojo, disfrutad y …
De la mano de Albert Kim ha llegado a Netflix con su primera temporada la serie Avatar: La Leyenda de Aang, que adapta a formato live-action la ya clásica serie animada de Nickelodeon. Aun con sus defectos y algunos cambios necesarios, el resultado es más que aceptable y muy respetuoso del material original.
Cinco años han pasado desde que Netflix anunciara que Avatar: La Leyenda de Aang sería llevada a live-action en formato de serie. En el medio hemos tenido una pandemia e incluso la salida del proyecto por parte de los autores de la serie de animación original, pero finalmente la adaptación está aquí y puede ser visionada en la plataforma desde el pasado jueves.
Ese último antecedente, precisamente, no favorecía expectativas, ya que la película Airbender, el Último Guerrero (para Latinoamérica El Último Maestro del Aire) estuvo lejos de ser una feliz experiencia y fue bastante odiada por los fans debido al “blanqueo” de los personajes, a los flojos efectos digitales y al tono depresivo y desesperanzado que contrastaba con la alegría y optimismo de la serie animada.
Si a ello sumamos la partida de los autores originales por “diferencias creativas”, poco halagüeño podía pintar el panorama, pero los impactantes tráileres que vimos respectivamente en noviembre de 2023 y enero de 2024 nos devolvieron algo de esperanza, como también la magnífica adaptación que Netflix hizo de One Piece, exorcizando una larga y desafortunada historia de adaptaciones a live-action.
Vista la primera temporada, cabe preguntarse si cumple con las expectativas que nos habían subido en este último tiempo o, por el contrario, nos regresa a los viejos temores del día en que supimos de la realización. La respuesta sería que ni lo uno ni lo otro, aunque el resultado es por demás positivo y ayuda a olvidar el trago amargo que fuera la película de 2010.
La Historia
Aun trastocando el orden de ciertos sucesos, así como también cambiando o comprimiendo algunos tiempos, esta primera temporada sigue básicamente a su equivalente de la serie animada, es decir el libro 1: Agua. El mundo está, por lo tanto, dividido en cuatro grandes dominios que se corresponden con cada uno de los elementos aristotélicos: tierra, agua, aire y fuego, habiendo maestros especializados en cada uno de ellos y solo uno, el avatar, capaz de dominar los cuatro.
Cuando un avatar muere, nace inmediatamente otro, pero ha pasado un siglo completo sin noticias del último y no nay reencarnación alguna a la vista. Ello ha provocado un fuerte desequilibrio entre los elementos y que, bajo el liderazgo de su tiránico soberano Ozai, la Nación del Fuego haya ganado terreno sobre el resto y lleve camino de dominarlo todo.
A diferencia de la serie original, en donde tomábamos conocimiento a partir de los hechos ya consumados, vemos aquí a los ejércitos de Ozai arrasar el Templo del Aire del Sur y masacrar a sus miembros. Cree haberlos eliminado a todos, pero no: hay solo uno que se ha salvado por no estar presente y es un niño de doce años llamado Aang, quien justamente estaba destinado a ser el nuevo avatar y recibía entrenamiento como tal…
Un accidente le ha dejado congelado en un iceberg del lejano sur y allí es donde, también por accidente, le encuentran Sokka y Katara, hermanos pertenecientes a la Tribu Agua del Sur, de los cuales la segunda es justamente la última maestra en dicho elemento que queda en la aldea, pero el dato es mantenido en secreto para evitar que los esbirros de la Nación del Fuego vayan por ella.
El encuentro de los hermanos con Aang pondrá tristemente a este al corriente de lo ocurrido con los suyos y le llevará a un viaje de descubrimiento personal en el cual, acompañado por ambos, buscará entrar en contacto con el legado de los anteriores avatares para saber cuál es el porvenir que le espera y cómo enfrentarlo, responsabilidad pesada de la cual en su momento huyera. Y, siendo maestro del aire, aprender especialmente a dominar los otros tres elementos…
Paralelo a ello, la Nación del Fuego sigue con sus guerras de conquista y destrucción, pero no sin problemas internos. Zuko, el hijo de Ozai, ha sido no solo desterrado sino también marcado con una cicatriz de quemadura por su propio padre luego de haberle puesto en ridículo y desautorizado. Por tal razón y en compañía de su tío, el general Iroh, patrulla en barco a vapor los más lejanos mares a la espera, quizás vana, de dar con el avatar, pues solo eso le permitiría reincorporarse a su nación y a la línea sucesoria del trono que lo tiene en primer lugar.
Tal tarea, por supuesto, suena imposible y esa es la razón por la cual su padre se la ha asignado, pero al comprobar que en el lejano sur hay aún una maestra del agua, ello le lleva por extensión a saber de la reaparición del avatar.
No obstante, hay otros que ambicionan el poder en su ausencia, como el almirante Zhao, quien le quiere arrebatar el hallazgo del avatar en beneficio propio, o Azula que, siendo hermana menor de Zuko, creyó quedar como única heredera tras el destierro de este, pero esa posición pareciera ahora en peligro al haber su hermano, contra todo pronóstico, encontrado el rastro del avatar.
Cambios para Bien y para Mal
Entre las críticas y objeciones que hacia la serie encuentro por estos días en redes sociales, hay una que se reitera y me llama la atención: que han comprimido viente episodios en ocho. Con el debido respeto, no logro entender el argumento desde las matemáticas: veinte episodios de veintitrés minutos promedio dan un total de cuatrocientos sesenta minutos, en tanto que ocho de cincuenta y cinco suman cuatrocientos cuarenta; no es, por lo tanto, una gran diferencia…
No obstante, sí estoy de acuerdo en que se advierte un cierto apresuramiento, pero no creo que tenga que ver con la duración o cantidad de episodios, sino con algunos cambios que son necesarios por el tipo de adaptación de que se trata, lo cual no es lo mismo que decir que estén siempre resueltos de manera satisfactoria.
No hay que olvidar que la serie original estaba concebida como producto infantil, mientras que esta tiene como destinatarios, por un lado, a los ahora “niños grandes” que crecieron con aquella y, por otro, a un público más “mainstream” que quizás nunca la haya visto ni tan siquiera oído hablar. En cualquiera de ambos casos, estamos ante un público más adulto y ello implica reformular algunas cuestiones.
Solo por decir algo: en la serie original había muchísimas explicaciones que aquí huelgan, razón por la cual se ha optado por trabajar más la imagen o el sentir de los personajes desde una perspectiva más oscura, pero sin llegar (por fortuna) al tono casi suicida que diera M. Night Shyamalan en su adaptación cinematográfica. Si hay algo para destacar, justamente, es que esta serie recupera mucho del espíritu de humor y alegría que irradiaba la original, cosa que se agradece y mucho.
Algo parecido ocurre con los diálogos que deben, necesariamente, asumir otro tono. Pero no siempre se acierta a la hora de reemplazar las palabras y así es como algunos terminan pareciendo anodinos, inconducentes o de relleno, mientras que otros, por el contrario, están muy bien logrados en intensidad, particularmente la mayoría de los que implican al príncipe Zuko, ya sea cuando es encarado con Aang o con su tío Iroh.
La otra gran diferencia necesaria con la serie original es el grado de violencia. Al estar aquella destinada a un público infantil, había ciertos hechos de los cuales nos enterábamos en off o, por lo menos, no de manera tan explícita. Aquí, en cambio, la masacre en el Templo del Aire del Sur, ocurre “en vivo” y otro tanto sucede con la muerte de la madre de Katara o cuando Zuko es marcado por su padre. Pero volvemos a lo mismo: hay esta vez un público más adulto al otro lado de la pantalla…
Un Elenco Interesante
El primer gran acierto a la hora de elegir actores es la multiplicidad étnica. Aclaro que soy de los primeros en protestar cuando la misma es utilizada sin sentido, fuera de todo contexto y respondiendo mayormente a tomar la inclusión como mera moda, pero por el contrario la exijo cuando justamente el material original que se adapta así lo requiere. En el mundo de Avatar conviven elementos culturales que remiten a la antigua China, al Japón imperial, a la cultura tibetana y a los pueblos esquimales o nativos americanos. Y esa misma heterogeneidad se transmite a los rostros de los personajes, algo que M. Night Shyamalan ignoró por completo.
El elenco en general está muy bien y en algunos casos particulares brilla. Gordon Cormier, actor infantil que interpreta a Aang, tiene un par de años más que su personaje pero no lo aparenta (aunque, congelamiento mediante, Aang tiene en realidad ciento doce) y logra llevar muy bien los momentos de remordimiento y conflicto interno, ya que se echa a sí mismo la culpa de lo ocurrido con su templo y no se cree capaz de asumir la responsabilidad que en algún momento rehuyera ni aceptar alejarse de sus amistades para no exponerlas.
Muy sólido también Ian Ousley como Sokka, rescatando lo esencial del personaje original y sobre todo su toque humorístico, sin por ello caer en el exagerado histrionismo que caracterizaba a aquel y que, desde luego, quedaría muy fuera de lugar o sobreactuado en un live-action.
Del trío principal, la que se queda algo por detrás es Kiawentiio en el papel de Katara: no refleja eficazmente los cambios del personaje y su expresión facial es la misma cuando flexiona el agua, cuando recuerda a su madre o cuando es atacada por un tejón-topo. Dato de color: dos de los tres actores juveniles que componen el trío principal son canadienses.
Pero lo mejor, sin duda, está del lado de la Nación del Fuego, que adquiere en la serie un desarrollo muy especial y es tratada con mucho esmero. Daniel Dae Kim (Perdidos, Divergente) compone a un frío y formidable Ozai, estando muy bien también Ken Leung (Red Dragon, Saw) en el papel del almirante Zhao, villano igual de despiadado pero más impulsivo, de tono místico y con propósitos propios.
Las mayores palmas, no obstante, se las llevan los hijos de Ozai y su tío, tanto por el tratamiento que el guion da a sus personajes como por las actuaciones. Dallas Liu es un impecable príncipe Zuko, lleno de dudas e inseguridades, así como atormentado por la sombra de su padre y por lo que de él se espera. Y Paul Sun-Hyung Lee construye para él un perfecto complemento como Iroh, militar venido a menos que busca, por un lado, ayudar a su sobrino, pero por otro evitar que se convierta en lo mismo que su padre.
Y he dejado para el final en La Nación de Fuego a Elizabeth Yu, que está fantástica interpretando a una princesa Azula igual de cruel y despiadada que su homóloga de la serie animada, pero menos desquiciada y más maquiavélica. Por cierto, es de destacar que el personaje no aparecía en la misma sino hasta la segunda temporada y el hecho de que aquí se haya adelantado su presencia enriquece la historia de la familia real al permitir visualizar desde temprano los roces y conflictos que la carcomen por dentro. Viendo además cómo está actuada, ha sido una gran decisión el traerla antes…
Es también para destacar la presencia de Tamlyn Tomita, quien alguna vez fuera el interés amoroso de Ralph Macchio en la secuela del Karate Kid de 1986 y desarrollara luego una larga carrera que la llevaría incluso a volver a interpretar a ese mismo personaje en la tercera temporada de Cobra Kai. En este caso da vida a Yukari, alcaldesa y protectora de la isla de las guerreras Kyoshi, que adquieren especial protagonismo en el segundo episodio.
Otro rostro que puede resultar conocido es el de Amber Midthunder, actriz de origen sioux que, tras pasar por series como Legion o Banshee, fuera hace un par de años protagonista de Depredador: La Presa (aquí crítica de un servidor), hasta el momento última entrega de la franquicia dedicada al cazador interplanetario.
Digna también de mención es la aparición de George Takei, el querido oficial Sulu de la serie original de Star Trek, quien da aquí voz al Ladrón de Rostros y no es, por cierto, su primera conexión con el universo de Avatar, pues ya había interpretado la de uno de los guardianes de la Nación de Fuego en la primera temporada de la serie original.
Por último, pero no menor considerando la fuerza que tiene como guiño para los fans, alto impacto emocional tiene la presencia de James Sie, quien fuera la voz del famoso mercader de coles (o repollos según traducción) en la serie original y a quien aquí vemos en carne y hueso dando vida al mismo personaje e incluso gritando a los cuatro vientos su célebre e icónica frase: “¡¡¡Mis coles!!!”…
Una Estética Formidable
La parte visual es deslumbrante. El maravilloso mundo creado por los autores en la serie original es recreado de manera magnífica, ya sea en paisajes (especialmente los helados) o en templos y ciudades, que tienen su mayor expresión en Omashu, ciudad del Reino Tierra que toma especial protagonismo en el tercer episodio. Todo ello es realzado por una bella fotografía y una gran puesta en vestuarios y diseños, tanto de artefactos como de criaturas.
Pero también es cierto que, en una adaptación de este tipo, toda ganancia implica una pérdida: a lo que me refiero es a que buena parte del encanto del universo de la serie original estaba en el toque personal que le daba el dibujo a mano y que lógicamente se pierde al llevarlo a cgi y hacerlo más semejante a muchos productos de hoy en día.
Los combates, no obstante, están muy bien recreados y logran una interesante combinación entre coreografía real y cgi (aunque la cámara lenta hace que a veces se vean algo Matrix) y lo mismo las flexiones de los elementos, de las cuales la del agua me parece la menos lograda, no por mal hecha sino porque no consigue el efecto de la serie original, en que la misma golpeaba con una contundencia que no se condice con el mero chapuzón a que aquí pareciera dar lugar, dejando en todo caso su mayor fuerza para el momento del hielo.
Las criaturas y espíritus están hechos con gran realismo, siendo particularmente impactantes los encuentros con el ya mencionado Ladrón de Rostros o con el Espíritu de la Sabiduría en forma de enorme búho. Appa, el bisonte volador, está también muy bien recreado aunque, comparado con la serie original, es más una montura que acude al ser requerida que el personaje completo que allí era. Mejor logrado en expresividad está Momo, el lémur volador.
Y eso sí: me irrita particularmente que las ropas o el cabello de los personajes (no el de Aang, desde ya, je) no se agiten siquiera un poco cuando viajan a lomo de Appa, un defecto que muchas series y películas de hoy en día siguen tendiendo a repetir y que en este caso quita realismo a la escena, ya que se contradice con el pelaje de la criatura, que sí se mece al viento. No hacía falta tanto cgi: alcanzaba con un buen ventilador; si me decían les prestaba el que estoy usando en este mismo momento…
La banda sonora del gran Takeshi Furukawa, por otra parte, está a la altura de la épica y emoción necesarias, adquiriendo especial lucimiento en el primer episodio, donde toma ribetes cinematográficos. Ayuda un poco a mitigar la pena de que Jeremy Zuckerman, quien fuera el compositor de la música original en la serie animada, se bajara del proyecto siguiendo los pasos de los autores de la misma.
Balance de Temporada
Es sabido que una adaptación como esta y con los cambios que conlleva, más allá de que sean necesarios o no, no va a gustar a todo el mundo y espero en ese sentido que los fans más acérrimos y fundamentalistas no se terminen cargando a la serie. Ni los costos, por supuesto, pues yo quiero ver en live-action los tres libros y quizás también La Leyenda de Korra.
Creo que es un esfuerzo inútil tratar de determinar si alcanza la estatura del material original porque la respuesta es obvia: la serie animada es inigualable. Sin embargo, estamos ante un digno y respetuoso live-action que, más allá de sus carencias o pérdidas, deslumbra visualmente y por momentos emociona. Si alguien me dice que no le produjo nada ver los ojos de Aang tornar al azul en el episodio de cierre, sencillamente no le creo. Como también fue una gran emoción escuchar la mención inicial de los cuatro elementos al comienzo de la serie y es una lástima que no lo hayan mantenido como presentación durante todos los episodios.
Es cierto que la serie tiene un ritmo irregular y por momentos, valga la paradoja, un gran apretujamiento en la historia contada. Pero sale en general airosa de una apuesta difícil gracias a una increíble puesta visual y a un elenco que en su mayoría está a la altura, además de una Nación de Fuego que, brillantemente recreada, hasta supera en profundidad a la del material de origen.
Y más allá de que Avatar: La Leyenda de Aang no sea One Piece en lo que a adaptaciones live-action se refiere, tampoco es Cowboy Bebop y supera con creces no solo a la fallida película de M. Night Shyamalan, sino también a muchas reinvenciones que de sus clásicas historias animadas ha hecho en los últimos tiempos Disney. No es decir mucho, dirán algunos y se los concedo, pero es decir bastante…
El live-action de Avatar: La Leyenda de Aang, cumple en definitiva su objetivo, que además estará largamente logrado si consigue que alguien que nunca haya echado ojo al material original, se vea llevado a hacerlo. Que haya otra temporada. Y otra. Y quizás otra…
Este viernes 23 de febrero se estrena en España Desconocidos(2023), la nueva película del británico Andrew Haigh con protagonismo de Andrew Scott y Paul Mescal. El director de Weekend (2011) y 45 años (2015), deleita con una historia de amor homosexual poco convencional con una profundidad y carga emocional enormes, que se mueve en una atmósfera de extrañeza y aislamiento sorprendente con un toque fantástico.
Tráiler de Desconocidos (2010) de Andrew Haigh
Una noche, Adam (Andrew Scott), tiene un repentino encuentro con su vecino Harry (Paul Mescal): ambos viven en un edificio casi vacío de Londres. Mientras su relación se estrecha, a Adam le persiguen los recuerdos de su pasado y decide regresar a su casa familiar después de mucho tiempo. Para su sorpresa, sus padres están vivos y lucen el aspecto de 30 años antes, cuando murieron en un accidente.
Póster de Desconocidos (2010) de Andrew Haigh
Derroteros inesperados. El uso del punto de vista
La película comienza planteando una relación amorosa incipiente entre dos vecinos que viven solos en su edificio. Un encuentro fortuito, tierno e ingenuo, que pone partida a un camino a priori reconocible y manido: la tópica historia romántica con un desarrollo narrativo predecible. Sin embargo, pronto se desliga de esta idea para estudiar la psicología de su personaje principal, articulando la película desde su punto de vista. Mediante este planteamiento subjetivo, la proyección del mundo interior de Adam configura el tono general de la película.
La soledad y aislamiento que inundan al personaje, fruto de una inseguridad adquirida por la concepción social de su sexualidad y sus traumas familiares, se materializan en la película: Adam vive solo en un enorme edificio vacío y no interactúa con nadie más que con su único y misterioso vecino Harry. Aunque el reflejo más notable de este punto de vista es la representación física de sus padres, fantasmas del pasado a los que Haigh da un protagonismo tangible y que, lejos de atormentar a Adam, sirven como terapia y medio de diálogo en una metáfora sobre cómo tras la muerte, los seres queridos perviven en el recuerdo y el corazón (Adam ve a sus padres con el aspecto, edad, ropa y mentalidad del momento en que murieron). Amor y muerte.
Adam conversa con sus padres, se sincera ante ellos y confiesa secretos como nunca pudo hacer. No obstante, la película plantea que, por muy bonito que sea el pasado, es necesario avanzar para darlo todo en el presente. Así es como tiene lugar una de las escenas más emotivas de la cinta, en que los padres se despiden de su hijo y le instan a luchar por su amor con Harry.
Escena de Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas (2010) de A. Weerasethakul
Dos vías narrativas
La profundidad que adquiere la película y el motivo que le da mayor interés es la manera en que deja de un lado el puro romance homosexual más convencional que puede dibujar en un principio, para llevarnos al terreno ciertamente fantástico en que los padres del protagonista viven y sirven de refugio al perdido Adam. La narración se bifurca y alterna continuamente entre sus dos caminos: la relación con Harry y su retiro con los padres.
A pesar de que finalmente estos caminos se unen, hay durante la película cierta sensación de distancia anticlimática entre las escenas de los padres y las de Harry, y de brusquedad en el cambio de unas a otras. No es algo muy acusado ni continuo, pero si notable en algunos momentos. Podría decirse que es lo mejor y lo peor de la película al mismo tiempo, sin ser lo segundo cosa mayor: un simple apunte crítico.
Desconocidos es una película sobre la homosexualidad que va mucho más allá, para hablar del amor a través de la muerte y de los fantasmas del pasado que cargamos. La película construye una gran sensación de soledad, proyectada del propio protagonista, aislando a sus dos personajes en un edificio vacío y reduciendo al mínimo las interacciones interpersonales de Adam (solo tiene relación con Harry y con sus padres, no hay más personajes).
Es una película interesantísima, que rompe lo esquemas de lo esperado rápidamente, y que permite ricas lecturas existenciales al tiempo que deleita en lo visual. Habrá quien la acuse de pedante por su tono más contemplativo y críptico por momentos, y habrá quien se conmueva profundamente. Pero para eso antes, hay que verla.
Muy buenas. Joker en el 2019 fue un exitazo. La película, dirigida por Todd Phillips con un espectacular Joaquin Phoenix que se llevaría el Oscar por ese trabajo, estaba pensada como una cinta independiente alejada de todo lo que se estaba haciendo en ese momento en el género en el DCU. Pero tal fue el éxito de taquilla y de público que Warner finalmente en 2022 dio luz verde a una secuela.
Joker: Folie à Deux, vuelve a contar con Todd Phillips y Scott Silver como director y guionista y con Joaquin Phoenix como Joker. Al actor se le suma la artista Lady Gaga que interpretará a Harley Quinn.
Recordemos que la película se estrena el próximo 4 de octubre de 2024, justo cinco años del estreno de la primera película.
El manido recurso de hacer la segunda parte más grande
En Warner no están muy lúcidos, sino no se entiende que inviertan 200 millones (de momento) en una segunda parte cuando la primera tuvo un presupuesto que osciló entre los 50 y 70 millones. Es normal que en una secuela el presupuesto se dispare pero ¿tanto? ¿Era necesario? Es verdad que el caché de los actores no es moco de pavo, así para la secuela Phoenix se va a meter en el bolsillo 20 millones de dólares y su paternaire 12 millones. Ahí es nada.
El manido recurso de hacer la segunda parte más grande
Es verdad que Joker con aquel presupuesto fue uno de los mayores éxitos de los últimos años al generar mil millones en taquilla y Warner espera con la secuela ir a lo seguro por lo que no ha escatimado en el filme.
Yo si creo que la película volverá a ser un éxito, pero veo disparatado el presupuesto además de que ya le está restando mucha rentabilidad a la película. La original fue un bombazo y esta tiene pinta que con Lady Gaga puede incluso mejorarla, otra cosa es la taquilla. Yo para las predicciones soy malísimo pero veo complicado repetir la taquilla de la primera desde luego, todo depende del primer fin de semana y el feedback del público.
Del argumento nada se sabe, se ha especulado que va a tener partes musicales, quizás derivados de esas mentes dañadas, pero de momento son eso meras especulaciones.
En cuanto tengamos más noticias de la película os la traeremos, hasta entonces, un saludo y sed felices.
Norma Editorial nos trae Thorgal: Adiós, Aaricia, la primera entrega de la colección Thorgal Saga, donde diversos autores aportarán una nueva visión del personaje creado por Jean Van Hamme y Grzegorz Rosinski. Esta primera entrega nos llega de la mano de Robin Recht (guion y dibujo, apoyado por Gaétan Georges en los colores), autor al que ya conocemos por tratar las aventuras de Conan en versión francesa.
La muerte de Aaricia
Aaricia ha muerto y un Thorgal ya anciano se despide de ella al estilo vikingo. Thorgal no concibe su vida sin ella pero una vieja conocida, la serpiente Nidhogg le ofrece una última oportunidad de reunirse con su amada. Desesperado y roto de dolor, Thorgal caerá en la trampa, viajando a su propio pasado para rescatar, una última a vez, a su amada Aaricia.
Y hasta aquí llegamos para no chafar la lectura de este magnífico álbum, una historia crepuscular donde Robin Recht se adentra en la mitología que rodea al personaje y le da un toque algo hollywoodiense, con ecos de Centauros del desierto e Indiana Jones y el templo maldito.
Thorgal: Adiós, Aaricia es una historia de lectura fácil, ágil, donde predomina el dibujo de Recht, acercándose al de Rosinki en cuanto a la planificación de página y el color. El álbum destila un gran amor por el personaje y su historia, revisitando lugares y personajes conocidos para el lector habitual. El que no lo sea tampoco debe preocuparse ya que la historia puede seguirse sin dificultad.
Recht también aporta un nuevo personaje al grupo de secundarios que ha acompañado a Throgal desde hace más de cuarenta años. Se trata de Skraeling, guerrera de ébano que dice ser la hija de Surtur, rey de Muspelheim, el reino de fuego. Skraeling se erigirá aquí como una nueva figura paterna/materna para Thorgal y su destino marcará de forma profunda al personaje.
La vida sin Aaricia
Es difícil explicar lo que es Thorgal. Siempre he dicho que si se quemase mi casa y solo pudiese salvar una colección de cómics de la estantería, seguramente sería Thorgal(quizás junto a Blueberry, Astérix y Spìderman si tuviese tiempo). La serie combina de forma maravillosa la ciencia ficción con las historias de vikingos, con unos personajes que evolucionan y crecen, con historias épicas y sobre todo con una gran historia de amor eterno, la de Throgal y Aaricia.
No resulta extraño que este primer álbum de Thorgal Sagase centre en ese aspecto porque no se entiende a Thorgal sin entender lo que Aaricia ha significado para él. Y ojo porque para entenderlo se necesita leer 32 álbumes con cuarenta años a cuestas. Robin Recht lo ha entendido perfectamente. Quizás demasiado.
Y es que Thorgal: Adiós, Aaricia te deja con un regusto amargo si eres un seguidor de la saga, tanto que el propio autor pide disculpas al llegar al final. La historia es trágica, desde el principio hasta el final. Está bien que así sea para mantener la esencia de un personaje que vive en las viñetas y más allá de ellas pero uno no puede evitar pensar que Thorgal ya ha sufrido demasiadas desgracias como para añadir una última al final de su existencia.
Por lo demás, Thorgal: Adiós, Aaricia es un álbum que nos llega con una edición excelente, en tapa dura, formato cartoné. 23,5 x 31 cm, con 120 páginas a color y unos extras al final, un breve making off de la historia. Un álbum que perfectamente podría cerrar la historia de Thorgal, sin duda para ponerlo al final de una colección que sigue añadiendo números. Un saludo, sed felices y larga y feliz vida a Thorgal.
En el otoño de su vida, un Thorgal ya anciano apura en soledad
su trago más amargo: la muerte de Aaricia. Invadido por sentimientos de soledad, de frustración, de pena, se pregunta cómo será su existencia a partir de ahora. En ese preciso instante se le presenta la serpiente Nidhogg con un regalo envenenado: la posibilidad de viajar a la época en que Aaricia aún estaba viva.
Adiós, Aaricia es un volumen muy especial. El historietista belga Robin Recht plasma en él su visión personal del vikingo venido de las estrellas en una historia ajena al canon de Thorgal, pero muy respetuosa con el universo creado por Jean Van Hamme y Grzegorz Rosinski.
