Movistar Plus+ sigue apostando por la ficción de calidad, especializándose en el thriller de acción (La Unidad o Antidisturbios) o de investigación (Hierro o Rapa). Ahora le toca el turno a Segunda muerte, un thriller rural protagonizado por Georgina Amorós y Karra Elejalde y en el que los protagonistas deberán descubrir qué hay detrás del hallazgo del cadáver de una vecina de un pequeño pueblo de Santander que supuestamente ya había fallecido hacía varios años.
Según la sinopsis oficial de la serie, Segunda muerte es un thriller de seis episodios de más o menos una hora de duración, lleno de secretos y situado en el enigmático y apabullante entorno de los valles pasiegos de Cantabria… También es la historia del viaje personal de una hija y su padre, distanciados por las heridas del pasado y las expectativas no cumplidas. «En una cabaña aislada del valle pasiego del Miera, Sandra (Amorós), una joven auxiliar de policía, halla el cadáver de una anciana que no debería estar ahí. Se trata de Juliana Cobián, una mujer que fue enterrada hace siete años. Enseguida surgen las preguntas: ¿cómo ha podido vivir esa mujer siete años en el valle sin que nadie lo supiera? Y si ella está ahí, ¿a quién enterraron en su lugar?»
Creada por Agustín Martínez (uno de los escritores ocultos tras el seudónimo de Carmen Mola) e Isa Sánchez, Segunda muerte es una historia en la que se parte de la investigación de un misterioso crimen para acabar ahondando (tal vez demasiado) en el drama familiar de los protagonistas.
Los elementos propios del thriller están presentes en el trabajo que los cuerpos de seguridad hacen para descubrir qué hay detrás del hallazgo del cuerpo de Juliana Cobián. En principio, la joven Sandra no tendría que dedicarse a su investigación, ya que no es más que una auxiliar de policía de pueblo, pero las circunstancias hacen que no le quede más remedio que usar sus peculiaridades habilidades para resolver el caso. Y es que Sandra tiene memoria fotográfica, un don que su padre Tello cree que está desperdiciando. Por su parte, Tello es un agente de la guardia civil retirado que es toda una leyenda en el cuerpo y que no dudará en meterse también en la investigación. Lo malo es que le han diagnosticado demencia senil y poco a poco está empezando a sufrir los efectos de tan terrible enfermedad.
Tello con su nieto
La serie tiene un arranque muy potente, con un caso interesante que capta rápidamente la atención. Lo malo es que con el trascurso de los capítulos los elementos propios del thriller van quedando de lado frente al drama familiar. La compleja relación entre Sandra y Tello, unida a la salida de la cárcel de la pareja de la mujer, se comen minutos y minutos del metraje dejando un poco de lado lo que de verdad debería importar, que es la resolución del asesinato y sus extrañas circunstancias. Esto hace que la trama no acabe de estar bien equilibrada y la investigación parece que vaya dando bandazos de un sospechoso a otro, con giros y más giros que acaban siendo pesados. Mención especial para el último capítulo, en el que las pertinentes explicaciones finales se acaban perdiendo en la trama de lo que le está pasando a Tello.
La belleza de los paisajes es un sello de las series Movistar
Por otro lado, los thrillers de misterio de Movistar Plus+ se basan normalmente en dos factores que dan personalidad a sus series y que ya podemos considerar un sello propio de la plataforma. El primero de ellos es apostar por parejas de actores con un gran carisma y personalidad.
Si en Hierro teníamos a Candela Peña y Darío Grandinetti y en Rapa a Javier Cámara y Mónica López, en Segunda muerte nos encontramos con Georgina Amorós y Karra Elejalde, que al igual que los ejemplos mencionados ofrecen un gran trabajo, sobre todo este último.
Karra está enorme, inmenso, se come la pantalla siempre que aparece logrando trasmitir todo lo que su complejo personaje lleva dentro. Es duro e implacable cuando tiene que serlo, pero a la vez tierno y cariñoso con su nieto, sin olvidar lo bien que actúa en las ocasiones en que la demencia se adueña de la mente del pobre Tello. Merece ver la serie solo por su trabajo.
El otro “sello Movistar” del que hablaba es el de la ambientación nacional de las historias. En Hierro la isla era prácticamente un personaje mas de la serie, mientras que en Rapa, los paisajes gallegos dotaban de alma a la historia. En este caso vuelve a pasar lo mismo, ya que los paisajes de la Cantabria pasiega encuadran perfectamente la historia, con una fotografía espectacular.
En resumen, Segunda muerte es una serie interesante que tiene mucho que ofrecer. La ambientación rural, el gran trabajo de sus protagonistas y una muerte misteriosa deberían ser bazas suficientes para estar ante una gran historia. Por eso es una pena que los responsables no hayan sabido equilibrar de manera adecuada la parte del thriller con el drama familiar, que acaba comiéndose la historia. A pesar de todo, es una serie que logra enganchar y que merece la pena, aunque dejando claro que esperábamos más, tanto de la productora como de los guionistas.
Max dio a conocer el nuevo adelanto de Dune: La Profecía, serie que hace de precuela a la saga principal de Dune y a las adaptaciones cinematográficas de reciente estreno.
Cada vez falta menos para que llegue a Max (ex HBO Max) el esperado estreno de Dune: La Profecía, serie que amplía el universo de las películas de Denis Vileneuve al adaptar una precuela que trancurre diez mil años antes de los sucesos principales de Dune (aquí nuestra crítica).
Ya en mayo habíamos tenido un primer avance (aquí pueden verlo) y acaba de ser lanzado un segundo teaser tráiler que, como se puede apreciar, hace especial hincapié en los orígenes de las Bene Gesserit.
La serie, recordemos, se basa en la novela Sisterhood of Dune, la cual, escrita porBrian Herbert y Kevin J. Anderson, permanece inédita en España a pesar de llevar ya doce años de publicada, situación seguramente subsanada en breve a la luz del estreno.
Según la sinopsis oficial, la serie “sigue a las hermanas Harkonnen mientras combaten fuerzas que amenazan el futuro de la humanidad y establecen la legendaria secta conocida como Bene Gesserit”. Como el primero, este segundo teaser tráier pinta bien y hace ilusionar. Y aunque no se dice todavía la fecha específica, sí sabemos que la cita es en noviembre y damos por descontado que de aquí a entonces habrá nuevos adelantos.
Los dibujos animados de la infancia, de la nostalgia a la madurez: parte 2.
Continuamos con este repaso por las series que disfrutamos de niño. Los dibujos animados se han convertido en una parte importante del crecimiento y desarrollo de nuestras vidas. A través de sus personajes podemos descubrir las diferentes dimensiones que nos ofrece la construcción de nuestro relato. En la animación, se produce un choque contracultural que nos invita a plantearnos el mundo en el que vivimos, nos enseña a tener una opinión propia sobre las cosas, y lo más importante, rellena los huecos de nuestra conciencia transformándola en una identidad.
La principal causa de nuestra fascinación por los dibujos animados, es que entramos en un mundo con infinitas posibilidades, donde no hay muros, y los obstáculos se aprenden a superar, pero sobre todo, por nuestra capacidad para identificarnos con los protagonistas de las series. Una identificación que se convierte, en el mejor reflejo que podemos tener sobre nuestra percepción como personas, que nos ayuda a aspirar a ser mejores y encontrar nuestras metas. Metas, que a través de los sueños, componen un puzle madurativo en el que ofrecemos la mejor versión de nosotros mismos, de acuerdo a nuestras potencialidades. Por todo ello, seguimos con esta lista sobre los dibujos animados de nuestra infancia.
Dibujos animados de los 80. Segunda parte.
Thundercats
Una de mis dibujos animados favoritos de niño, una auténtica explosión de fantasía, espadas y aventuras, que conseguía que la imaginación reventara los límites de la realidad. Estos felinos cósmicos tuvieron que escapar de su tierra natal; Thundera. Un planeta que estaba a punto de explotar, lo que obliga a los ThunderCats, la casta más alta de nobles Thunderianos, a establecerse en un nuevo mundo donde se desataran toda clase de acontecimientos.
Como enfrentarse a los mutantes del planeta Plun-Darr, que quieren capturar la legendaria Espada del Augurio, donde esta incrustado el Ojo de Thundera, la fuente de poder de los ThunderCats y que permite al mirar a través de su abertura, «ver más allá de lo evidente». Los mutantes se unirán a un hechicero momificado, Mumm-Rael inmortal, creando un sinfín de confrontaciones y batallas intensas.
Una gran serie, con unos impresionantes personajes animados que tenían un diseño novedoso, ya que para su creación, se realizó una mezcla entre el estilo de dibujos estadounidenses y el anime japonés, dando lugar a una estética maravillosa. Una trama absorbente, que involucraba misticismo, tecnología, fuerzas sobrenaturales y feroces combates cuerpo a cuerpo. Sus historias también eran educativas, nos enseñaba a ser amables, respetuosos con los demás y con la naturaleza, fomentando valores como la amistad, el trabajo en equipo y la honestidad.
Aunque para que nos vamos a engañar, lo que realmente disfrutabas era pelear con la Espada del Augurio contra las fuerzas de mal, mientras tenías un sinfín de aventuras increíbles luchando contra Mumm-Ra que era un poderoso enemigo. Lo mejor de todo, es que la aventura comenzaba en el silencio de tu cuarto, cuando levantabas la espada y susurrabas…»thunder, thunder, thunder, thundercats hoo».
Estos magníficos dibujos animados se emitieron a partir de 1985, constan de cuatro temporadas y 130 episodios.
Patoaventuras
El acierto de una buena historia radica en coger una trama trillada y reinventarla de una manera nueva y sorprendente, logrando despertar el interés por lo que nos cuenta. Y esta serie lo consiguió de sobra, utilizando a un personaje que ya era archiconocido, pero dándole una nueva capa de modernidad. El éxito fue instantáneo, las aventuras de Scrooge McDuck y sus tres sobrinos, Huey, Dewey y Louie, fue uno de los grandes aciertos que tuvo Disney en su década oscura de los años 80.
Una serie que lograba hacer del encanto un arte, en la que el tío Gilito y sobrinitos vivían intensas correrías mágicas. Una serie que apostaba por los valores, el entretenimiento y la aventura. Una aventura con aroma a los viejos clásicos del cine, que eran capaces de transportarnos desde el sillón de nuestras casas hasta el corazón de la selva, logrando involucrarnos como un personaje más de la serie (tal y como cautivaba Indiana Jones, todos queríamos ser como el señor del látigo con sombrero). Un ritmo frenético con situaciones ingeniosas que estaban repletas de paisajes misteriosos, leyendas y personajes históricos. Unos dibujos animados con los que disfrutabas durante horas.
Se empezó a emitir en 1987 con cuatro temporadas y 100 episodios.
My Little Pony
Otra serie financiada por Hasbro, que arrasó en popularidad gracias al encanto de estos Ponis. Tenían los cuerpos dibujados de bonitos colores, unas melenas seductoras y un símbolo en sus flancos, la Cutie-Mark, que representaba su esencia y su elemento. Por ejemplo, Rarity tiene forma de unicornio y es diseñadora de moda. Representa al Elemento de la Generosidad.
Unos dibujos animados sencillos que apelaban a valores positivos y mensajes inspiradores, que la hacían perfecta para disfrutar en familia. La virtud de la serie es su atractivo universal para varias generaciones, gracias a su animación colorida, personajes entrañables e historias que abordan temas importantes como la amistad, la empatía, la resolución de conflictos y la importancia de ser uno mismo.
El éxito de la marca, aparte de la venta de juguetes, ha logrado generar especiales animados, un largometraje de animación y cuatro series de televisión. Siempre bajo el formato de sumergir a los espectadores en un mundo mágico, donde las aventuras sirven como lecciones valiosas para toda la familia. Unos dibujos animados que apuestan por hacerte sonreír, mientras aprendes que la amistad puede ser un viaje emocionante al lado de estos pequeños ponis.
Su retransmisión se inició en 1986, con dos temporadas con 65 episodios.
Osos Gummy
Unos personajes con el toque Disney, con sus típicos diseños caricaturescos adorables. Solo en los locos años 80 se podía hacer una serie basada en un caramelo, los ositos de goma. La serie seguía las aventuras de siete osos antropomórficos, que vivían en una época que intentaba replicar la edad media, llamada Cañada Gummi. El enemigo principal de estos dulces osos, perdón por el chiste, es el duque Igthorn, que cuenta con la ayuda de unos infames ogros para gobernar Drakmor.
Unos dibujos animados algo descafeinados, pero que tenían el sello Disney, con lo cual su colorido diseño resultaba atractivo. Entretenían gracias a su brebaje mágico, el jugo de gummibaya, que les daba la capacidad de saltar muy alto y una fuerza sobrehumana. A destacar, que la serie escondía temas musicales pegadizos, un buen diseño de personajes que rezumaban inocencia por sus cuatro costados, lo que otorgaba a los episodios un aire divertido y momentos de jovial ternura.
Los dibujos animados se emitieron en el año 1985, con seis temporadas y 71 episodios.
Bravestarr
Nos ponemos serios para hablar de estos dibujos animados. Con una historia apasionante y unos diseños que fusionaban el viejo oeste con la tecnología, ¡en el espacio! Una auténtica virguería visual que avivaba la imaginación de los niños. Con una trama bien construida y unos diálogos sutiles, que transmitían mensajes repletos de lecciones morales. Una narración que te transportaba hacia la madurez a través de la ciencia ficción. Puede que esta serie fuera una de las pioneras de su tiempo, prepararando el terreno para que los guiones de las series de dibujos animados estuvieran más elaborados.
La serie está ambientada en un planeta desértico llamado Nuevo Texas, que orbita alrededor de tres soles: rojo, amarillo y azul, siendo gobernado por un régimen multiplanetario. A pesar de ser casi desértico, el planeta tiene un valioso recurso natural, un mineral llamado kerium, que es un raro cristal de energía.
Por supuesto, esto despierta la codicia de los ladrones, siendo el motor de las aventuras del Marshall Bravestarr, un sheriff que es capaz de invocar a los espíritus de los animales. Estos poderes eran: la vista de halcón, que le facilitaba ver a grandes distancias, el oído de lobo, le permite oír lo que otros no oyen, la fuerza de oso, le proporciona una gran fuerza, y la agilidad de puma, le provee de rapidez.
Toda esta mezcla, humanos, robots y extraterrestres, en un contexto de ciencia ficción envuelto de una notable influencia del Viejo Oeste Americano, conseguía que la imaginación se elevara hasta límites insospechados. Con unos diseños de personajes atrayentes y unos efectos especiales que lucían en pantalla, como cuando el sheriff invocaba sus poderes o en los gráficos de los campos de energía, así como, a la hora de representar los vehículos o los artilugios tecnológicos. Unos dibujos animados vibrantes, unos personajes llenos de matices (el protagonista es nativo americano), con historias contundentes plagadas de agudos diálogos y una acción trepidante, gracias a unos combates estelares.
La serie se emitió en 1987, constando de una temporada y 65 episodios.
RoboCop: La serie animada
Otra serie de Marvel Productions, que se basaba en el personaje de la película RoboCop. Como curiosidad, esta serie obtuvo una Rated R, que hace referencia a películas u otros multimedios audiovisuales que incluyen contenido con temáticas para un público adulto, con un lenguaje soez y una violencia salvaje. Pero quizás por esta razón, estos dibujos animados molaban. Como decíamos, la historia está basada en la película del mismo nombre, contándonos las andanzas de Alex Murphy, un oficial de policía de Detroit que al ser herido de muerte en el cumplimiento de su deber, se convierte en un poderoso ciborg, Robocop. Siendo su misión primordial, proteger a los inocentes y hacer cumplir la ley.
La serie tenía guiones un poco más oscuros de lo normal, apostando por seguir con las ideas subversivas de la trama que tenía la magnífica película en la que se basa. No obviaba temas candentes como el racismo o los prejuicios en el trabajo, también se arriesgaba con temáticas de fantasía científica como la reprogramación de los asesinos. Los guionistas consiguieron trasladar el concepto de Robocop a la serie, que era una película extremadamente violenta, gracias a una rebaja en su tono agresivo. Consiguieron una buena adaptación por medio de unos dibujos animados muy disfrutables, manteniendo la idea del ciborg policía. Destacando, que su trama madura cazaba perfectamente con el sentimiento de diversión que ofrecían las luchas entre robots.
Aunque el coste elevado de los capítulos, fue su tumba, e hizo que solo se hiciera una temporada. Sin embargo, son unos dibujos animados a rescatar del olvido, porque sus tramas sombrías abrirían las puertas, años después, a dibujos animados más maduros que obtendrían el éxito del público y crítica, como los X-men o el Batman de Bruce Timm.
La serie se emitió en el año 1988, consta de una temporada y 12 episodios.
Rambo, la fuerza de la libertad
Otra adaptación de película a dibujos animados. Aunque con una sutil diferencia, esta vez Rambo está acompañado de un grupo de héroes, conocidos como la Fuerza de la Libertad. También sale el Coronel Samuel Trautman, que es quien dirige las misiones alrededor del mundo en su lucha contra la organización paramilitar y terrorista llamada, S.A.V.A.G.E. Unos dibujos animados que también recibieron la Rated R, por su tono agresivo cargado de acción pura y dura. Que generaron debates polémicos sobre la violencia de los dibujos animados.
La serie tenía un montón de personajes con los que disfrutar, siendo un auténtico espectáculo de granadas, tanques y explosiones, que te hacían emocionarte en el salón de casa. Los dibujos animados intentaban ofrecer un enfoque más suave y educativo del personaje de Rambo, al que le gustaba cuidar de los animales. A destacar, que su equipo de compañeros era multirracial.
Estos dibujos animados eran pura acción, no quedaba espacio para la comedia, que tenían unos villanos intimidantes capaces de ofrecernos batallas feroces. Sus tramas no eran inocentes, pero creaban la suficiente emoción como para disfrutar de sus espectaculares secuencias de acción. Como curiosidad encontramos a dos grandes artistas de cómics, Gil Kane y Jack Kirby, como creadores consultivos, lo que da una idea de la calidad que tenía la animación.
La serie se emitió en el año 1986, con una temporada y 65 episodios.
G.I. Joe (a real american hero)
Seguimos por este repaso de la testosterona animada ochentera en la que la acción era la reina. Nos encontramos ante otra línea de juguetes de Hasbro, ¿Qué hubiera sido de nuestra infancia sin esta compañía de juguetes? En esta ocasión se lanzó paralelamente junto a una colección de cómics creados por Marvel. Los G.J Joe tuvieron un gran éxito en todos los formatos, fundando una saga longeva que dura hasta nuestros días.
A diferencia de la serie sobre Rambo, las tramas eran más ligeras y sencillas, que buscaban dar brillo a los personajes para que los niños se identificaran con ellos, la idea era que se vendieran los muñecos. Los diseños de las armas y los vehículos estaban cuidados con detalle, apostando más por una aventura ágil, alegre y divertida, que por la acción. Con todo, unos dibujos animados entretenidos que te hacían pasar una buena tarde.
Como curiosidad, la BSO fue compuesta por Johnny Douglas, un compositor que creó algunos famosos openings de series animadas como: Dragones y Mazmorras, The Transformers, o Spider-Man y sus superamigos.
La serie se emitió en el año 1983, constando de 2 temporadas y 95 episodios.
Dragon’s Lair
Esta serie es recordada por los fans del videojuego en el que están basados. Los dibujos fueron animados por Don Bluth (que también diseñó el videojuego), director de películas como NIMH, El Mundo Secreto De La Señora Brisby, Todos Los Perros Van Al Cielo, Anastasia o la infravalorada Titan A. E. La serie narra las aventuras de Dirk the Daring, que efectúa todo tipo de hazañas heroicas mientras protege el reino del malvado dragón Singe. Entre tantas aventuras, todavía tenía tiempo para cortejar a su gran amor, la Princesa Daphne.
Los dibujos animados, son considerados una de las primeras películas interactivas de la historia. Antes de la publicidad, Dirk se enfrenta a una situación dramática, se daban varias opciones y se preguntaba al espectador; ¿Qué haría usted? Después de la pausa comercial se mostraban los resultados de las distintas opciones. Los capítulos intentaban mantener la calidad gráfica del videojuego, ofreciendo unos diseños de las secuencias animadas sorprendentes. Dirk era un personaje opuesto a las series de acción del momento, ya que era bastante torpe y siempre estaba envuelto en situaciones humorísticas. Esto propiciaba que la narración apostara por la comedia de aventuras, pero respetando a la perfección el espíritu del juego.
La serie se emitió en 1985, teniendo una temporada y 13 episodios.
Thundarr, el bárbaro
Un bárbaro en un yermopostapocalíptico, dividido en reinos que estaban gobernados por magos. Una Tierra abanderada por el salvajismo, la supervivencia y la hechicería. Un mundo caótico donde nuestro héroe se alza para romper las cadenas de los opresores demoníacos, aquellos que sumergen al planeta en las tinieblas del esclavismo. Una trama bastante loca pero muy entretenida y divertida. Podría considerarse una pequeña joya animada de los años 80.
Thundarr se enfrentaba a los magos, que eran capaces de manipular a los mutantes y a los demonios, con su espectacular espada solar (que imitaba a los sables Jedi) y la colaboración de dos compañeros, la Princesa Ariel, una hechicera descendiente de la antigua civilización humana, y Oookla, un mutante de la raza Mok.
Como curiosidad, resaltar la participación de una leyenda del cómic como Jack Kirby, el creador de gran parte de los personajes más importantes de Marvel Comics durante la década de 1960. Estuvo a cargo del diseño de la mayoría de los personajes, menos Thundarr, con lo cual sobran las palabras. La calidad de la serie hizo que cosechara muchos fans adultos, que disfrutaban con las historias bien desarrolladas y esa esencia de fantasía apocalíptica del bárbaro y su espada.
La serie se emitió en el año 1980, teniendo dos temporadas y 21 episodios.
La familia biónica (Bionic Six)
Esta serie aunque está producida por un estudio Japonés, no es considerada un anime exactamente, ya que su éxito se produjo en EEUU y como era habitual por aquella época, se adaptaban los dibujos animados al estilo occidental. En España se pudo ver en algunos canales autonómicos. La historia es un intento de réplica de otra serie bastante conocida, El Hombre De Los Seis Millones De Dólares.
La trama se sitúa en un futuro cercano al año 1999, (qué tiempos aquellos en los que el mundo se acababa en el año 2000), donde el profesor Amadeus Sharp ha logrado desarrollar una vanguardista tecnología biónica, capaz de mejorar las habilidades de un ser humano. El sujeto de prueba se llama Jack Bennet, que con los implantes biónicos comienza a actuar como agente especial del gobierno. Durante un trágico accidente su familia es contaminada por un mineral radioactivo, es entonces cuando Jack acude al doctor para que salve a su familia. Tras unas operaciones exitosas toda la familia se convierte en individuos biónicos.
Unos dibujos animados que reciclaban muchas ideas de la serie original y de las historias de la Patrulla X. Quizás su tono cándido, demasiado edulcorado, hacía que resultara demasiado infantil. Se podía considerar como una sitcom familiar entretenida, pero que no aportaba nada nuevo al panorama televisivo.
La serie se emitió en el año 1987, con una temporada y 65 episodios.
Las aventuras de los guardianes de la galaxia
No hay que confundir esta serie con la de los héroes de Marvel. La historia combinaba la ciencia ficción con los paisajes del Viejo Oeste, en un contexto que mezclaba el tono aventurero de la Space Opera con elementos fantásticos tradicionales de espadas y magia. Un batiburrillo de ideas y conceptos que estaban muy bien presentados. En su momento supuso una pequeña revolución en cuanto a las series de animación, sobre todo en la calidad de las imágenes, a la hora de redefinir lo que era una gran aventura espacial. Los dibujos animados contenían dosis equilibradas de humor, de Western, de ciencia ficción, sin olvidar lo más importante, que ofrecían horas de diversión.
Su trama nos cuenta cómo unos pacíficos extraterrestres, en agradecimiento después de recibir la ayuda de los terrícolas, les proporcionan los planos del primer hiper impulsor, lo que permite a la humanidad surcar las estrellas. Se fundó la Alianza planetaria, un cuerpo de exploradores osados para defender los ideales de justicia. Estaban dedicados a preservar la ley y el orden de las nuevas fronteras (¿Os suena Star Trek?)
Los dibujos animados destacaban por tener unos personajes bien perfilados, que resultaban creíbles, con unas tramas adelantadas a su tiempo y unos duelos con pistola que eran una maravilla. El diseño gráfico era novedoso, para los tiempos que corrían, ofreciendo unas escenas asombrosas en las que parecías estar navegando por el espacio. Una historia construida con pura adrenalina que te mantenía enganchado a la pantalla.
La serie se emitió en el año 1986, con una temporada y 65 episodios.
Los cazafantasmas
Otra serie animada basada en una película de éxito. Aunque hay un hecho curioso, se hicieron dos series animadas. Los derechos del nombre Cazafantasmas estaban en posesión de los estudios Filmation, quienes habían creado una serie en imagen real que es anterior a la película. El éxito del largometraje originó un pleito con Columbia Pictures, que habían producido su propia serie animada basada en el film de 1984. Por esta razón, y basados en los personajes de la película, Columbia tuvo que usar el nombre de Los Verdaderos Cazafantasmas para su serie de animación. Dicho esto comentaremos las dos series.
Primero hablaremos de los dibujos animados de Filmation. Aquí los protagonistas son los hijos de la serie Cazafantasmas (la de los años 70), que estaban acompañados por un gorila llamado Tracy. Su trama tenía un estilo de comedia que buscaba ser ligera y entretenida. Utilizando muchos elementos de fantasía y la presentación de villanos conocidos, como el Conde Drácula y el Jinete sin Cabeza. Su esquema argumental era repetitivo, abusando de las parodias de uno de sus personajes. Un detalle a tener en cuenta para quienes también veían He-Man y los Amos del Universo de Filmation, los sonidos y los efectos de las explosiones se aprovechaban para ambas series y acababan por sonar muy parecidos, algo que limitaba estos dibujos animados sobre fantasmas.
Segundo, la serie de Los Verdaderos Cazafantasmas si tenían a los personajes de la película homónima. Los dibujos animados tenían una trama trabajada, utilizando una rica y diversa variedad de mitología, folclore y cultura popular. No en vano durante sus dos primeros años, estaba a cargo de los guiones el gran J. Michael Straczynski (guionista que dio un aire nuevo a Spiderman y creador de la serie Babylon 5). Apostó por darle un tono oscuro a los dibujos animados, pero siendo extremadamente didácticos al ofrecernos enseñanzas sobre leyendas, claro, si te gustaban las historias de misterios.
Se cuidó el diseño de los personajes y la ambientación, logrando que todo lo irreal del mundo fantástico resultara real. Pero a partir de los dos años los dibujos animados viraron hacia una versión más infantil, que daba prioridad al fantasma Pegajoso, con lo que acabó siendo una pueril parodia repetitiva.
Como curiosidad, las diferentes frases que usaban los dos grupos de cazadores. Los Verdaderos Cazafantasmas usan la frase de la película: «Who you gonna call? Ghostbusters!». Mientras que los dibujos de Filmation dicen: «Let’s Go, Ghostbusters!».
La serie de Los Verdaderos Cazafantasmas se emitió en el año 1986, constando de siete temporadas y 140 episodios.
La serie de los cazafantasmas de Filmation se emitió en el año 1986, con una temporada y 65 episodios.
Silverhawks
Unos dibujos animados con un potencial enorme. Estos dignos sucesores de los Thundercats (de hecho ambas series fueron elaboradas por el equipo creativo de Arthur Rankin y Jules Bass), eran unos personajes híbridos cibernéticos, mitad humanos y mitad halcones. Manejaba con acierto la mezcolanza de aventura y ciencia ficción. Con unos escenarios espaciales espectaculares que cuidaban los paisajes y la ambientación, invitándote a adentrarte en ellos y dejar volar la imaginación. La serie apostaba por la aventura pura, con mucha acción, buenas animaciones, efectos especiales y una BSO sobresaliente.
La trama de la serie se desarrolla en el siglo XXIX. El Capitán Telescopio recluta a un grupo de humanos que se someten a una operación para ser mitad humanos y mitad metálicos. Este grupo se convierte en los Halcones Galácticos, que al pasar la mano por su cara pueden activar una máscara que les proporciona poderes, como desplegar alas y disparar láseres desde diferentes partes de su cuerpo. Todo para combatir al criminal más peligroso de la galaxia, Monstruón.
Quizás un pequeño defecto, es que el argumento no terminaba de profundizar en las historias y los personajes, por su apuesta por la acción, pero a cambio teníamos al mayor desfile de malvados de las series de dibujos animados. Así y todo, estamos ante una Space opera divertida, entretenida y espectacular, que era muy superior a muchas películas de la época que intentaban imitar a Star Wars. Además tenían el valor añadido de enseñarnos nociones de astronomía.
La serie se emitió en el año 1986, constando con una temporada y 65 episodios.
Dino-Riders
Otra serie con dinosaurios. Esta vez actuaban como secundarios que servían de monturas para los humanos. La historia nos cuenta como los Valorianos, una raza de humanos con poderes, se enfrentaban a los Rulons, unas criaturas humanoides, en un enfrentamiento que se desarrollaba durante una era prehistórica. Ambas tribus provenían del futuro, sin embargo terminaron transportados en el tiempo a la edad de los dinosaurios.
Dibujos animados con una trama clásica del bien contra el mal, con algunos diseños interesantes pero que no acaban de convencer. Una aventura ligera de láseres y monturas de dinosaurios que se dejaban ver. Curiosamente tenían una línea de juguetes de calidad. Destacar que los Rulons practicaban un lavado de cerebro a los dinosaurios, algo que aportaba un matiz malvado a los antagonistas. La serie contenía multitud de inexactitudes con los dinosaurios, mezclándolos al libre albedrío, con lo cual, su aspecto didáctico era más bien calamitoso.
La serie se emitió en el a1988, con una temporada y 14 episodios.
Robotech
Llegamos a una de esas series que cambiaron la historia de los dibujos animados para siempre. Con un universo propio que gira alrededor de series de televisión, juguetes, películas, libros y cómics. Lo incluyo en este listado, porque como he explicado en otros comentarios, el creador es Carl F. Macek un guionista, director y productor televisivo estadounidense que realizó numerosas adaptaciones de anime al idioma inglés durante las décadas de 1980 y 1990. Y fue esta serie la que originó el boomdel anime a nivel internacional.
Sí, está basado en tres historias Japonesas (una de ellas The Super Dimension Fortress Macross que también es un anime clásico), pero fue el equipo de Carl el que editó el contenido y los diálogos de estas tres series. Cambiaron nombres de personajes y de máquinas, para crear un argumento adaptado que tuvieran una conexión argumental lógica. Esta práctica ha generado tanto detractores como defensores, los defensores de Robotech y los valedores del original Macross, pero lo que no cabe duda, es que Robotech fue un auténtico bombazo.
En líneas generales, la saga se basa en la protocultura, que se traduce en avances científicos obtenidos por la humanidad a partir de los restos de una nave alienígena estrellada en el Pacífico Sur. Estos conocimientos traerán como consecuencia una serie de guerras, las famosas guerras Robotech, contra diferentes razas extraterrestres.
Los dibujos animados basados en robots, animes de mecha, subieron su cotización como la espuma gracias a esta serie. Sobre todo, porque dejaba atrás la infantilización de las series animadas para darle una dimensión profunda tanto a las tramas como a los personajes. Los detalles realistas de las batallas, unidas a la trama de una guerra que tenía un componente netamente melodramático, hicieron de esta serie un fenómeno de culto.
Robotech es una mezcla de acción, aventura, comedia, drama y romance, todo un ejercicio de emociones bien engranadas en una maquinaria perfecta, que ofrecía una conexión intensa con los personajes. Unos robots que lucían, en todo su esplendor, sus trasformaciones en la pantalla. Una aventura, con tiros y rayos láser, que superaba las líneas vulgares del entretenimiento para dar un auténtico espectáculo. A destacar su banda sonora, creada por el maestro Ulpio Minucci, una maravillosa obra de arte de las series de dibujos animados.
Robotech relata un universo fascinante, donde cada personaje tiene sus propias motivaciones. Un guion que reconstruye con acierto un nuevo y singular cosmos para la raza humana. Que le da un valor esencial a la música a lo largo de toda la saga, siendo la canalizadora entre las imágenes y las emociones. Sin duda, unos dibujos animados fundamentales para el crecimiento de la animación, con el atractivo de sus naves transformables y que contiene una bella historia de amor en medio de la desesperanza de la guerra.
La serie se emitió en el año 1985, constando de tres temporadas y 85 episodios.
Las Tortugas Ninja
Llegamos al final de esta lista de los años 80. Como comentaba anteriormente, con Transformers o He-Man, estos dibujos animados de las tortugas ninja, son para mí, los más icónicos que han dado los años 80. Una popularidad que ha tenido baches en todos estos años, pero que han sabido reinventarse a lo largo del tiempo para gozar hoy en día de una excelente salud. Las tortugas han tocado todos los géneros, dibujos animados, películas, cómics, merchandising, etc. Manteniendo un éxito de ventas que para sí querrían muchas marcas.
Una trama sencilla (en realidad, una parodia de los elementos populares de los cómics de superhéroes y en particular Daredevil), cuatro tortugas con nombres de pintores renacentistas: Leonardo, Raphael, Michelangelo y Donatello. Que aprendieron karate de un maestro que era una rata (Splinter). Se hicieron grandes gracias a un moco verde, y tenían a una periodista de compañera de viaje, April. Añade a la coctelera, un clan malvado dirigido por un villano carismático (Shredder), la palabra mutante adolescente, mucha aventura, comedia, trozos de pizza, y te saldrá una mítica serie para la historia.
Pero antes de la serie y el éxito, las Tortugas nacieron en un pequeño cómic dibujado en blanco y negro. Sus autores Kevin Eastman y Peter Laird publicaron de su propio bolsillo las primeras tiradas, convirtiéndose en una sensación entre los cómics independientes de la época. La fama de las tortugas les ha llevado a enfrentarse hasta el mismísimo Batman, a tener su propio videojuego arcade (muy popular), cereales no muy recomendables e incluso, su historia fue adaptada a un juego de rol cuyo título fue Teenage Mutant Ninja Turtles & Other Strangeness.
Pero volvamos a los dibujos animados que fue la que catapultó a estas tortugas simpáticas a la popularidad, convirtiéndose en una de las series animadas más emblemáticas de la historia de la televisión. Lo que lograba transmitir la serie, era que esas cuatro tortugas se convertían en nuestras mejores amigas, colegas con los que vivir aventuras emocionantes, que tenían amplios conocimientos de karate, seductoras armas ninja y un amor platónico en la figura de April. Siempre conseguían hacernos reír y divertirnos con sus locas aventuras, todo a pesar, de que algunas secuencias tenían fallos de dibujo o personajes descoloridos, o estaban repetidos en el mismo plano, incluso algunas veces cambiaban de aspecto o diseño de un episodio a otro.
Pero los fallos daban igual, las tortugas eran la locura máxima de toda una generación de niños, los héroes más entretenidos, juguetones y valientes que jamás se hayan visto. Con sus frases divertidas, sus instantes de acción delirantes, su capacidad de mutarse para transmitir su historia a nuevas generaciones…Que más se puede decir de este fenómeno excepto: ¡COWABUNGA!
La serie original se emitió en el año 1987, con diez temporadas y 195 episodios.
Hasta aquí esta lista de dibujos animados de los años 80, espero que la hayáis disfrutado. En la siguiente lista ya nos adentraremos en los años 90, hasta entonces, sed felices.
Consulta las listas anteriores de dibujos animados:
Lev Nikoláyevich Tolstói fue un escritor ruso nacido en 1828 en Yasnaya Polyana, una finca familiar al sur de Moscú, y murió en el año 1910 en Astápovo a la edad de 82 años. Es considerado uno de los grandes escritores de occidente y seguramente te suene por obras como Guerra y paz y Ana Karenina.
Su legado en la literatura aún perdura debido a su maestría con la literatura, su aportación al realismo literario; así como al análisis familiar, social, guerra y a la moral dentro de un contexto de esa Rusia del siglo XIX de contradicciones y desigualdades, donde la pobreza y la miseria del pueblo estaba en contraposición la rica vida de la nobleza, corrupta y ambiciosa.
Por otro lado, fue un pacifista y a pesar de que creció en una antigua familia noble, rechazó el materialismo y la opulencia de la aristocracia rusa. Fundó escuelas para educar a los campesinos y entre sus obras promovió la no violencia, el amor al prójimo y la resistencia pacífica, influyendo en figuras como Gandhi y Martin Luther King Jr. Tolstói recibió hasta tres nominaciones para el Premio Nobel de la Paz.
La muerte de Iván Ilich
En esta novela corta se narra la vida y muerte de Iván Ilich, un funcionario del tribunal de justicia de 45 años que cumple con su trabajo sin demasiadas complejidades más allá de mantener su estatus social.
El relato comienza las reacciones a su muerte (viendo el título no es ningún destripe) por parte de sus colegas de trabajo: «Señores – exclamó – ¡Iván Illich ha muerto!- ¿de verás?». Quienes además no están muy por la labor de tratar estos deberes sociales pero sí comentan sobre los beneficios que podría traer la muerte de su colega. «Aparte de las conjeturas sobre los posibles traslados y ascensos que podrían resultar del fallecimiento de Iván Ilich, el sencillo hecho de enterarse de la muerte de un allegado suscitaba en los presentes, como siempre ocurre, una sensación de complacencia, a saber: «el muerto es él; no soy yo«.
Conoceremos a su familia, incluyendo a Praskovya Fyiodorovn, la esposa de Iván Ilich, quien cuenta en privado a uno de los antiguos de amigos de Iván, cuanto sufrió este en los últimos días; y de paso si creía que podía sacar una mayor ventaja económica de su enviudes.
El muerto yacía, como siempre yacen los muertos, de manera especialmente grávida, con los miembros rígidos hundidos en los blandos cojines del ataúd y con la cabeza sumida para siempre en la almohada.
La causa de la herida que le llevará a la muerte no puede ser más simbólica: subiendo una escalera y en lo más alto de ella; simbolizando su estatus social actual, cae. Y a partir de aquí empezará su angustiosa camino hacia la muerte.
La novela nos cuenta sobre el temor hacia la muerte y la búsqueda del sentido de la vida, como temas universales que atormentan al ser humano contemporáneo. Creo que esta novela hará reflexionar y hará sentir una mayor empatía cuanto mayor sea la edad del lector o al menos cuando hayas quemado ciertas etapas de la vida.
¿Y si toda mi vida, mi vida consciente, ha sido de hecho lo que no debía de ser? se le ocurrió ahora que lo que antes le parecía de todo punto imposible, a saber, que no había vivido su vida como la debía haber vivido, podía en fin de cuentas ser verdad
Es una novela profunda y terrible por momentos. El descenso y camino de Iván hacía su inevitable muerte es incómodo y angustioso, como no podía ser de otro modo. Pero si algo quiero destacar es la escritura magistral de Tolstoi, llena de simbolismo, donde no sobra ni falta nada. No hay adornos excesivos, tramas innecesarias, ni grandilocuencia en esta novela. Tampoco podemos separar la vida del autor, que aunque tenía sus luces y sombras, a pesar de ser un aristócrata abrió escuelas para el campesinado e incluso dio clases. En esta novela hay momentos de rechazo y crítica hacia la clase alta. Si buscas una gran novela que te invite a reflexiona, pero breve, te la recomiendo sin dudar.
Se le ocurrió que sus tentativas casi imperceptibles de bregar contra la lo que la gente de alta posición social consideraba bueno hubieran podido ser genuinas y las otras falsas, y que su carrera oficial, junto con su estilo de vida, su familia, sus intereses sociales y oficiales…todo eso podía haber sido fraudulento.
Yermo Ediciones publica en España un volumen integral que contiene los tres álbumes de Shaolin, una obra publicada por Soleil en Francia ambientada en un mundo oriental fantástico con guion de Jean-François Di Giorgio y un dibujo espectacular de Looky.
El resumen de la editorial es el siguiente: Nube Blanca no es un aprendiz de shaolin como los demás, sino que tiene el poder de ver maldiciones. Con la ayuda de su don, debe velar por los objetos sagrados que se custodian en el monasterio, entre ellos la Cámara de Ámbar, que encierra en su interior una maldición que puede conducir el país al desastre… Jean-François Di Giorgio, que ha demostrado sobradamente su conocimiento del mundo oriental en series como Samurái y Senséi, da una nueva vuelta de tuerca al género a la que el arte de Looky aporta de un mayor toque de fantasía.
Esta obra nace del afán de su guionista de llevar un poco más allá sus historias ambientadas en el mundo oriental, añadiendo una capa de fantasía que resulta muy atractiva. No faltan los monjes guerreros, los grandes monstruos, las misiones imposibles, los conflictos políticos… Di Giorgio nos presenta un mundo complejo, rico y lleno de elementos interesantes que no hacen más que elevar el interés de la obra.
El problema es que en ese totum revolutum que acaba siendo la historia, el lector corre el riesgo de perderse en el exceso de elementos y tramas que salpican el relato. Al principio parece que vamos a leer la típica trama del joven elegido, ese Nube Blanca que tiene la clave para solucionar el cataclismo que se avecina. Pero rápidamente todo se complica al aparecer varias facciones en un conflicto que nunca es explicado de manera coherente. Todo acaba resumiéndose en el pobre Nube Blanca intentando llegar a un sitio para solucionar la guerra que ha estallado, aunque no tiene demasiada idea de lo que tiene que hacer, pero ni él ni nosotros los lectores.
Lo malo es que además la historia de desarrolla de manera un poco atropellada, como a saltos, unos saltos que tienen su máximo exponente con el paso de un álbum a otro, descolocando un poco al lector que tiene la sensación de haberse perdido algo.
Y es una verdadera pena que pase esto ya que como he dicho, el trasfondo de la historia es muy rico e interesante. A pesar de estos pequeños fallos, la historia se deja leer y es muy interesante. Pero tal vez hubiera hecho falta más espacio para poder desarrollarla correctamente, con una mejor presentación de personajes y escenarios, sin olvidarnos profundizar un poco más en la vertiente política para saber de donde surge el conflicto entre las facciones que pueblan este mundo de fantasía.
Pero donde brilla con luz propia Shaolin es en el apartado gráfico. El trabajo de Looky es sencillamente magnífico. Estamos ante un libro del que es imposible no caer rendido al abrir sus páginas y ver el enorme despliegue que hace el artista, con un dibujo espectacular que entra por los ojos. Es un cómic para disfrutar y tomarse su tiempo observando cada viñeta por el enorme nivel de detalle que tiene cada página. Las escenas de acción son geniales, con un nivel de dinamismo enorme. También brilla el diseño de personajes y criaturas, desde los monjes shaolin a los enormes monstruos que llegan de más allá de los mares, pasando por esa atractiva mercenaria que ayuda a nuestro protagonista y de la que es imposible no enamorarse. Todo ello sin olvidar los planos generales que nos ofrece Looky y que dan muestra del nivel de maestría del dibujante para diseñar grandes edificios, enormes llanuras llenas de soldados o simplemente bellos paisajes.
La edición de Yermo es perfecta para este tipo de obras ya que nos ofrece los tres álbumes de la obra en un solo volumen. La mejor manera de disfrutar este tipo de historias, con principio, nudo y desenlace, es un tirón, sin tener que esperar varios meses para poder leer su final. El volumen de Yermo viene encuadernado en tapa dura y tiene un total de 152 páginas sin más extras que las portadas originales de cada álbum que vienen insertadas justo en las separaciones entre capítulos. El precio de venta es de 35 euros.
En resumen, Shaolin es un entretenido cómic que ofrece una mirada fantástica que sienta de maravilla a la ambientación oriental que tantas veces ha tratado su guionista. Es cierto que la historia puede resultar confusa a veces y que la trama avanza a tirones, pero el trasfondo de la obra no puede ser más cautivador. Sin olvidar un dibujo espectacular como pocos, de esos que entran por los ojos y que hacen que te quedes atrapado por el enorme nivel de detalle de todas las páginas. Ya solo por eso, merece la pena un lugar en la biblioteca de cualquier aficionado a las artes marciales o la fantasía.
Entramos en la temporada final de Vikingos: Valhalla y analizamos los cuatro primeros episodios. La serie, creada por Jeb Stuart y emitida por Netflix, es spin-off de Vikingos y transcurre unos cien años después.
Hola otra vez. Qué bueno reencontrarnos, porque ello implica que hay nueva temporada de Vikingos: Valhalla luego de que este mismo redactor manifestara su preocupación de que la serie continuara a raíz de la avalancha de cancelaciones que afectaba a Netflix un año atrás. La mala noticia, sin embargo, es que la tercera es la última, lo cual significa que la plataforma se queda con las tres que había programado y anunciado originalmente en lugar de las seis originalmente pensadas por showrunner y productores. Esperemos que ello no devenga en apresuramiento.
Analizamos lo que nos han dejado los primeros cuatro episodios, es decir la mitad de la tercera temporada, que vienen llenos de conflictos, dudas, cuestionamientos y culpas, manteniendo siempre como personajes centrales a Freydis, Leif y Harald, cuyos destinos están cada vez más separados pero es de pensar que acabarán confluyendo.
Pasemos ya mismo a ver qué nos han dejado estos cuatro capítulos, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Siete Años Después
Retomamos a Freydis(Frida Gustavsson), que sigue en Jomsborg liderando a su gente y criando a su ya crecido hijo. Es una líder muy querida y cuando pregunta a los viajeros por noticias sobre Leif (Sam Corlett) o Harald(Leo Suter), le responden que se habla de que podrían andar por África, Grecia o incluso luchando para el emperador de Constantinopla, lo que ciertamente están haciendo.
Al lugar arriba un misterioso viajero llamado Stígr (Leander Vyvey), con destrezas en lucha y habilidades curativas que dice haber adquirido en la India. Freydis flirtea con él y no falta la clásica escena en que, tras luchar entre sí como parte de un juego, ella queda debajo mientras se devoran con ojos de deseo: lugar común si los hay. A la larga (y no tan larga), acaban entre sábanas…
Harald y Leif se hallan en Sicilia luchando por Constantinopla contra los sarracenos. El primero solo piensa en los tesoros a obtener y el segundo en los perdidos conocimientos griegos que podría hallar en la biblioteca de Siracusa: está claro que, después de su relación con Mariam, se siente especialmente atraído por la ciencia…
El emperador RomanoIII (Nikolai Kinski, hijo de Klaus) está disgustado con su general Maniakes (Florian Munteanu) por fracasar en tomar una fortaleza, pero Harald se ofrece a hacerlo por cuenta propia con su guardia de varegos, para esta altura casi custodia personal del mandatario. Con ayuda de los conocimientos de Leif, provocan una explosión bajo las murallas y abren una brecha, logrando así entrar y tomar la fortaleza para beneplácito del emperador y celo de su general.
Canuto (Bradley Freegard), por su parte, se ha dirigido a Roma junto a Emma (Laura Berlin) y Godwin (David Oakes). La idea es conseguir el apoyo papal para regir Inglaterra a cambio de la construcción de doscientas iglesias en reparación por los daños que su pueblo, en el pasado, ha provocado a los cristianos.
Pero le suben la cuenta a trescientas y Canuto se disgusta, más aún cuando el Papa ni siquiera le habla cara a cara sino por intermedio de un cardenal. Por mucho que Godwin intente interponer la diplomacia, termina estallando en exabrupto y no hay acuerdo. El consejero, no obstante, acabará yendo a ver en privado al cardenal para comprarlo con un soborno de trescientos sólidos.
Honor y Deshonor
A Kattegat, donde gobierna de momento Svein (Jakob Femerling Andersen), llega Lord Magnus (Set Sjöstrand), hijo del fallecido Olaf. El encuentro es amable, aunque con algunos comentarios mordaces por parte de Magnus, a quien sorprende que Freydis no haya matado a Svein tras hacerlo con Olaf. No obstante, logra convencerle de que se dirige hacia Jomsborg en misión de paz y no de venganza: quiere, según dice, recuperar para la cristiandad el cuerpo de su padre que, tratándose del primer vikingo canonizado por la Iglesia, no puede permanecer en territorio pagano.
Parte pues hacia Jomsborg con los buenos deseos de Svein, pero no de Aelfgifu (Pollyanna McIntosh), quien recuerda a su hijo que Magnus no parará hasta ser rey de Noruega ni aunque eso implique matarle. Mascullando al verle partir, le desea un vendaval, una tormenta y hasta un monstruo marino con tal de que no regrese.
En Jomsborg, una extraña enfermedad está afectando a todos, incluido el pequeño Harald. Stígr descubre que la misma es producida por hongos venenosos que alguien, deliberadamente, ha introducido en la harina traída de Kattegat.
Debiendo lidiar con quienes le consideran sospechoso del hecho, parte al bosque en busca de tubérculos curativos y los encuentra, todo ello mientras la salud del pequeño Harald empeora y ahora también la de su madre Freydis.
En Siracusa, el emir sale al encuentro del emperador, pero no acepta rendirse. Dice tener los suficientes alimentos para sobrevivir hasta que lleguen refuerzos, pero Leif le pone al tanto de que ha desviado el agua de los pozos y no aguantarán una semana.
El asunto, por propuesta del propio emir, se resuelve con un combate cuerpo a cuerpo entre campeones a la antigua usanza griega. Él se ofrece en representación de su pueblo mientras el emperador, una vez más para fastidio de Maniakes, designa a Harald. En caso de ganar el emir, deberán marcharse y dejar Siracusa en libertad, pero en caso de hacerlo Harald, la ciudad quedará bajo control de Constantinopla con la promesa de guardar clemencia y respeto hacia su población.
La batalla se libra a hacha y espada para terminar con el emir ensartado por Harald entre las costillas. A pesar de que Maniakes, movido por su odio religioso, quiere iniciar una masacre de sarracenos, el emperador se lo prohíbe anteponiendo la palabra empeñada.
Sin embargo y mientras Leif se encuentra obnubilado por hallar en la biblioteca el Libro de lo Desconocido y dentro del mismo un misterioso e indescifrable mapa, Maniakes lleva a cabo su propio plan y, tras ofrecer comida a los pobladores, cierra el patio y les somete a una lluvia de azufre seguida de fuego.
Para cuando llega Leif, se encuentra con el terrible espectáculo (sin que se entienda por qué el azufre no le afecta cuando una simple cancela le separa de la escena). Tanto él como Harald se indignan, pero Maniakes se justifica en que nada vale la palabra dada a un hombre muerto y que los sarracenos acabarán convirtiéndose en plaga si no se los elimina…
En Roma, Emma utiliza sus armas para llegar al Papa en busca de un nuevo acuerdo y defiende a Canuto argumentando que, a pesar de sus modales rústicos, ha demostrado ser un soberano leal a la fe cristiana. Además de ello, le pone al tanto del soborno recibido por su cardenal…
Canuto obtiene entonces una nueva audiencia en la cual corrige la impresión anterior al mostrarse más sosegado y sumiso, pero coloca la fresa del postre al entregar un presente en caja cerrada que, abierta por el Papa, revela en su interior… la cabeza del cardenal corrupto. A pesar del impacto, es una muestra de lealtad y el pontífice acaba apoyando a Canuto: escena Seven, pero con final feliz…
Perdidos
De regreso a Constantinopla, los vencedores son recibidos triunfalmente por las multitudes y el emperador presenta a Harald y Maniakes como artífices de la victoria, además de honrarles con el spatharokandidatos (madre mía), que no es una palabra inventada por Mary Poppins sino el máximo honor que el imperio bizantino otorga a los guerreros, convirtiéndoles prácticamente en segundos del emperador.
En medio de la ceremonia, Harald posa sus ojos en la bella emperatriz Zoe, que no es otra que Eleana (Sofya Lebedeva), la muchacha que él mismo, sin saber, contribuyera a llevar como presente al emperador y con la cual sostuviera una relación durante el viaje. Las miradas son obviamente mutuas…
Romano convoca a Harald a una bóveda secreta y los ojos de este se encandilan con los tesoros almacenados. En compensación por sus logros, le ofrece tomar de allí cuanto quiera en un tiempo limitado y por un instante los ojos de Harald vuelven a posarse en Zoe: momento perverso que se diluye cuando Romano la invita a salir para dejar a Harald escoger tranquilo.
Ella, sin embargo, aprovecha una distracción para acercarse y susurrarle al oído que no tiene por qué elegir ya que puede tomarlo todo, dicho lo cual le entrega una llave dorada que, como Harald puede después comprobar, abre una puerta que conduce a una playa oculta en la que ella se baña completamente desnuda: terminan obviamente revolcándose…
Regresando de Roma, Canuto y Emma pasan por el castillo de Bayeux, en Normandía, donde ella tiene oportunidad de reencontrarse con sus hijos. La recepción, sin embargo, no es la mejor, especialmente de parte de Edward (Cal O’Driscoll), resentido de que le haya abandonado para irse con Canuto: razón no le falta…
Emma, en privado, manifiesta a su esposo sentir culpa al respecto, pues si bien es cierto que enviarlos allí fue en su momento una solución para que no corrieran peligro, bien podría haberlos hecho volver a Inglaterra una vez que el mismo hubo pasado: razón no le falta…
Mientras tanto y en otro lugar del castillo, los tres hermanos (Edward, William y Alfred) hacen un pacto de sangre para recuperar lo que dicen suyo…
Godwin, por su parte, se dirige a Dinamarca para comunicar los resultados de la gestión en Roma. Se encuentra allí con su esposa Gytha (Henessi Schmidt), pero no con Forkbeard (SørenPilmark), quien se halla ausente y en cuyo lugar se encuentra su ya crecido nieto Harald Harefoot (Pyry Kähkönnen), exhibiendo su desnudez sin conflicto alguno cual Doctor Manhattan. Dice que está decidido a ser rey de Inglaterra y pretende que Godwin le ayude, aun cuando este le recuerde que hay varios antes en la línea sucesoria, lo que no parece ver como problema…
En Jomsborg, la enfemedad ha remitido gracias a Stígr. Freydis y el pequeño Harald están a salvo, pero más de la mitad de la comunidad ha muerto, lo cual les deja en débil posición.
En un sueño, Freydis ve al Vidente y tiene la visión de que deben trasladarse a otra tierra. Stígr le sugiere que lleve a los suyos a Groenlandia, pero ella replica que es una tierra sin siquiera árboles. Él aventura entonces que quizás la tierra que busca esté más allá del horizonte, lo cual, como en la serie madre Vikingos, nos lleva a pensar en América.
Freydis se considera culpable por lo ocurrido ya que, como elegida y Última Hija de Upsala, le ha fallado a su gente al momento de protegerla. Las dudas religiosas parecen asaltarle ante la sensación de que los dioses la han abandonado.
Casi como corolario a sus palabras, Magnus está allí. No con una flota, sino con unos pocos barcos, probablemente en la presunción de que encontraría diezmada y fácil de vencer a la población tras la estratagema de la harina, de la cual claramente estuvo detrás. Freydis dice que es momento de irse, pero la realidad es que parece tarde, no obstante lo cual da impresión de tener un plan…
El Final de Jomsborg
En Constantinopla, Harald es buscado tanto por Maniakes como por Zoe. Por razones distintas, claro: el primero busca un conflicto que, hábilmente, Harald elude; la segunda, entre cortinados, está teniendo con él encuentros sexuales que no solo le ponen en peligro sino también a sus hombres. Se está jugando con fuego…
Leif, lleno de culpas, ha quemado los pergaminos rescatados de la biblioteca. Dice haber creído que el conocimiento llevaría a algo mejor, pero ha terminado siendo responsable indirecto de la masacre contra los sarracenos. Solo salva un pergamino y es el extraño mapa lleno de rayas y sin norte ni sur. Considera que debe ir a Corfú, donde se halla el sabio cartógrafo que podría darle respuestas sobre la “tierra dorada” que alguna vez, navegando con su padre, vio fugazmente en el horizonte y tomó después por sueño o alucinación. Una vez más, todo lleva a América…
Despidiéndose de Harald, parte entonces hacia Corfú y en el camino conoce a Tamar, una monja que está construyendo una iglesia con sus feligreses, a los cuales él salva de un ataque. Cuando está a punto de matar a uno de los asaltantes, ella le detiene dejando en claro que practica el perdón cristiano aun en circunstancias extremas.
Leif ayuda con la construcción y Tamar le habla de Dios, a lo que él repone haber presenciado demasiadas atrocidades en nombre de la religión. Ella replica no estar hablando de religión sino de un ser supremo capaz de perdonar, a lo que Leif objeta que solo un dios tonto podría perdonarle a él.
Tamar dice también cargar con sus propias culpas por haber asfixiado a su bebé para evitar que llorase mientras permanecía oculta al ser asaltada su casa por saqueadores: una historia idéntica se cuenta en El Pianista (Roman Polanski, 2002). A lo que apunta es a que aprender a perdonar es también saberse perdonar a uno mismo, como ella ha hecho y él debería hacer. Finalmente, Leif se despide y sigue su camino: ¿volveremos a saber de Tamar?…
En Dinamarca, Godwin es considerado prácticamente un héroe por su papel durante un ataque de los vendos y parece sentirse cómodo en ese impensado y flamante rol. Mientras festejan, se produce el regreso de Forkbeard, que celebra la valentía de Godwin ante lo ocurrido, pero recrimina a Harefoot no haber previsto el ataque. Narra entonces la terrible historia personal que le llevó a ser rey cuando se vio obligado a matar a su propio padre por ineptitud, remarcando así a su nieto que ser rey no es lo mismo que estar en la línea de sucesión. Una sombra se dibuja en el rostro del joven…
Mientras tanto, en Normandía y en consonancia con el arco de Dinamarca, Canuto convoca a Edward para una charla aparte y el muchacho, obviamente, teme por su vida. Pero la intención del soberano no es matarle sino reprenderle por cómo trata a su madre. Y de modo análogo a lo manifestado por Forkbeard al regañar a Harefoot, le dice que “los tronos se heredan, pero un rey se hace”. Algún efecto de reconciliación consigue: los muchachos se ponen más amables con Emma y esta los lleva consigo en su viaje de regreso a Kattegat.
En Jomsborg, Magnus y los suyos encuentran el lugar abandonado y repleto de muertos. Solo hay una sobreviviente enferma, a la cual él obliga a guiarles al sitio en que se hallan los restos de su padre. Todo es una distracción: la “mujer enferma”, que huye hacia los bosques una vez en el lugar, termina siendo Freydis, mientras en Jomsborg algunos “muertos” reviven para dar cuenta de los pocos guardias que allí Magnus ha dejado.
Para cuando él se percata, ya es tarde. En un último intento desesperado, lanza a los suyos en persecución de los jomsvikingos, pero el barco de los perseguidores es emboscado por una lluvia de piedras que, desde lo alto, terminan destruyéndolo y acabando con casi todos sus tripulantes…
Balance de Mitad de Temporada
Corro el riesgo de ser reiterativo con análisis previos, pero sigue sin haber un Ragnar, un Björn, un Ivar, un Floki, un Athelstan o una Lagertha. Canuto, Leif y Emma son personajes interesantes en sus dudas, arrebatos y conflictos, pero ninguno de ellos con la intensidad o profundidad de aquellos de Vikingos.
De todas formas, no hay que buscar Vikingos aquí. Por mucho que esté relacionada y que haya referencias para hacernos acordar de la serie madre, esta tiene un tono diferente y hay que decir que, al menos en estos cuatro primeros episodios de temporada, la trama recupera mucho del ritmo que la anterior había perdido. Así como la primera ponía el eje en la acción y la segunda en la intriga política, esta, por lo menos hasta aquí, pareciera jugar al medio de ambas.
Es cierto que no hemos tenido batallas tan buenas como hemos visto, pero las que hubo estuvieron bien recreadas y los combates cuerpo a cuerpo bien coreografiados. El ritmo, a comparación de temporadas anteriores, es mucho más vertiginoso, lo cual por un lado es bueno pero a la vez hace temer un cierto apresuramiento en los tramos finales considerando que el plan original era de seis temporadas.
Y la intriga política, que tiene sus puntos álgidos en Constantinopla y Roma, adquiere destellos shakespereanos en donde se mezclan la tragedia y quizás, por lo que sugieren las palabras de Zoe, el asesinato.
De hecho, dos triángulos poderosos se han instalado: uno es entre Freydis, Stígr y Harald, pues la relación entre los dos primeros se ha vuelto estrecha (de modo muy rápido, hay que decir) y no hay forma de saber qué pueda ocurrir cuando el tercero se presente nuevamente en escena. El otro triángulo, entre Romano, Zoe y Harald, pinta todavía más oscuro, perverso y peligroso: la actitud de Zoe es en algún punto sospechosa y la de Harald insensata, pues no solo expone su cabeza y la de los suyos si el emperador se entera, sino que se está entregando en bandeja al celoso y vengativo Maniakes para que le exponga en caso de ser puesto al tanto…
Se perciben conflictos y puntos de inflexión en varios personajes. Leif sufre permanentes cambios y está claro que los afectos le influyen, pues así como en su momento Mariam le llevó a interesarse por la ciencia, ahora Taram le ha introducido dudas sobre la religión y el perdón.
La culpa, de hecho, parece ser una constante de esta temporada final. Emma la tiene por haber abandonado a sus hijos y marchado con Canuto; Freydis por haber fallado en proteger a su gente; Leif por haber, con su ciencia, contribuido involuntariamente a la masacre de Siracusa.
Es rara la evolución de Godwin, a quien, por lo menos hasta aquí, no vemos tan odioso como en temporadas anteriores y pareciera seguir una metamorfosis a lo Jaime Lannister en Juego de Tronos. Sin embargo y a pesar de lo que en su momento dijera, yo no me termino de creer que haya perdonado a Emma por la tortura y consecuente muerte de su amada, lo cual me provoca la sensación de que la venganza llegará en algún momento y que reaparecerá su costado taimado y maquiavélico.
Magnus se ha revelado bastante estúpido, como Svein ingenuo al confiar en él: debería escuchar más a su madre. Harefoot muestra mucha piel, pero pocas ideas. Digamos que los hijos de los reyes no vienen haciendo un gran papel hasta aquí y las charlas que Forkbeard y Canuto sostienen respectivamente con Harefoot y Edward apuntan claramente en tal sentido: una vez más me viene al recuerdo Juego de Tronos, por lo menos en las primeras temporadas, cuando Tywin Lannister intentaba en vano guiar a su torpe e impulsiva descendencia. En cuanto a Maniakes, parece una caricatura de tan pérfido y desalmado.
Se advierte además en esta temporada final un mayor empeño en vestuarios, decorados y fotografía, la cual es magnífica tanto en textura como en paleta de colores y me hace por momentos acordar a la de las dos primeras temporadas de The Last Kingdom. También hay claramente más carne en exposición, aunque la cosa es igualitaria y no como viene ocurriendo en los últimos tiempos en que se pueden mostrar cuerpos masculinos desnudos pero no femeninos.
Por último, ¿cuánto de esto ocurrió realmente? Pues tanto el arco de Jomsborg como el de Constantinopla tienen una base cierta aunque también, como es regla en esta y otras series históricas, muchas licencias. Es verdad que los jomsvikingos formaron una comunidad apartada a modo de santuario, pero Freydis nada tuvo que ver en ello ni consta que haya tenido un hijo con Harald. Pero bueno: si vamos al caso, tampoco Lagertha con Ragnar…
También es cierto que los varegos fueron una unidad de élite que funcionó como guardia personal del emperador de Bizancio, así como que Harald formó parte de la misma y tuvo destacado rol en las acciones de Sicilia, del mismo modo que Romano III gobernó el imperio junto a un general llamado Maniakes y una esposa llamada Zoe, pero esta era hija de Constantino VIII y al parecer contrajeron matrimonio antes de la llegada al trono.
En fin, habrá que ver qué nos depara la segunda mitad de temporada, que en breve estaremos aquí para analizar. Hasta entonces y sean felices…
Shanghái Inmortal es el extravagante debut literario de la sino-canadiense A.Y. Chao, que nos trae una maravillosa historia que mezcla el romance, la fantasía, el folclore asiático y la acción sobrenatural.
Situada en dos versiones muy distintas de una de las ciudades más icónicas de la época dorada del Jazz, y emocionante desde su principio cargado de acción hasta su tierno fin, este devora-páginas contempla temas como como la pertenencia, la identidad, la familia y, cómo no, el amor. Es el homenaje de la autora a la cultura china, filtrada por su experiencia como inmigrante, y resulta una magnífica carta de presentación para este rico universo que atrapa desde el primer instante.
Shanghái mortal y Shanghái inmortal
En la Shanghái de principios del siglo XX y su reflejo en el inframundo, la Shághái Inmortal, conviven espíritus, fantasmas, deidades y demonios de todo tipo perpetuando el eterno ciclo del Ying y el Yang. Dentro de esta vorágine de yaojing se encuentra nuestra protagonista: Lady Jing, medio vampira, medio espíritu-zorro Hulijing, y 100% una impertinente de aúpa con corazón de oro.
Cuando era pequeña, su madre la vendió a Yan Luo Wang, ‘Big Wang’, el Rey del Infierno. Como su tutelada, Lady Jing es encargada de escoltar en secreto al banquero mortal, Tony Lee, para que este pueda negociar la creación de un Banco Central del Infierno durante el consejo Mahjong, una disputa política que tiene la ciudad patas arriba y en la que participan las peores enemigas de Jing: la corte Hulijing, una organización liderada por su abuela que no solo la odia, sino que está empeñada en robar su derecho de nacimiento, una poderosa perla de dragón de valor incalculable.
Tú me completas
Con esta premisa nos sumergimos en un romance fantástico repleto de mitología y folclore Chino, que mezcla unas buenas dosis de acción y fantasía mitológica con ese ambiente tan especial del Shanghái de comienzos del siglo XX. Los altos edificios con art decó del Blund contrastan con los Rickshaw a pie de calle o los puestos callejeros de Xiaolongbao, mientras las deidades del cielo y los habitantes del infierno festejan durante la noche en el Paramount, el salón de baile de moda.
Dentro de este atractivo escenario se desarrollará la floreciente amistad entre nuestros protagonistas. Lady Jing y el señor Lee no podrían ser más distintos: mientras que ella es salvaje, puro caos y sin consideración por nada ni nadie, él es el perfecto retrato del ‘gentleman’ urbanita del principios del siglo pasado, educado, respetuoso y moralmente impecable. Será este choque de caracteres el que hará que estos dos personajes, profundamente dañados por sus pasados, desarrollen una bonita relación en la que el uno suple las carencias del otro. Como diría Jerry Maguire: “tú me completas”.
Un elenco con luces y sombras
Más allá de nuestros dos protagonistas, nos encontramos con un elenco funcional, destacando la mejor amiga de Jing: Lady Gi, y su prometido Ah Lang, así como Big Wang, Cabeza de Toro, Caballuno, el pescador Lo y demás yaojing que completan el cuadro de un Shangái del infierno que se postula como un escenario tenebroso pero lleno de aventuras fantásticas.
El eslabón más débil de la trama viene, tristemente, de la mano de sus villanos. La corte Hulijing, encarnada por Lady Soo y la abuela de Jing, no solo tienen un papel excesivamente escueto en la historia, sino que choca bastante ver a seres con cientos de años de experiencia comportándose como adolescentes enrabietados, algo que podemos perdonar a Jing por sus circunstancias, pero que roba a los antagonistas de cualquier atisbo de credibilidad, convirtiéndoles en poco más que villanos de opereta. Un pequeño desdoro que ni mucho menos empaña la calidad del relato, pero que esperemos cambie en próximas entregas de la saga.
Conclusiones finales
Shanghái Inmortal es una muy buena primera novela que nos presenta personajes interesantes y un rico universo. Su atractiva combinación de romance, acción, mitología y su ambientación en la época dorada del Jazz hará las delicias de los aficionados a la fantasía urbana, la cultura asiática, y por qué no decirlo, al manganime.
No se trata de una novela perfecta, ni mucho menos, pero suple sus carencias con un núcleo emotivo muy bien trabajado y una deliciosa evolución en sus protagonistas que hará que a más de uno se le haga un nudo en el estómago e incluso quizá derrame hasta alguna lagrimita con esta tierna historia de polos opuestos que se atraen, todo envuelto en una emocionante pátina sobrenatural.
Si lo que habéis leído os resulta interesante, dadle una oportunidad: el libro está dispnible de la mano de los amig@s de Minotauro Laberinto. Y si os gusta y queréis más historias de Lady Jing y el bueno del Señor Lee, no le quitéis ojo a la secuela en camino: Paris Celestial, que tendremos en nuestras manos en 2025.
El octavo y último capítulo de ‘The Acolyte’ de Disney+ no hace más que corroborar el mayor problema de casi todas las ficciones de la casa de Mickey Mouse: buenas ideas recubiertas de un mal planteamiento que desluce el producto final. Habrá spoilers en este análisis.
Sin miedo a equivocarme, creo que estamos ante el mejor episodio de toda la temporada, no porque sea la conclusión, sino por hacer las cosas medianamente bien. Tiene luces y sombras, pero se encuentra un nivel por encima del resto. Es un desenlace muy bien llevado, pero que se ve lastrado por siete capítulos que hacen que esto no salve una temporada muy floja y con momentos mal dirigidos y mal escritos. Pero vamos a empezar por lo bueno de este final.
El combate de Sol contra Qimir no ha decepcionado y ha sido espectacular y muy bien rodado, con momentos que me han recordado a mi amado videojuego ‘El Poder de la Fuerza’. Me quito el sombrero ante la coreografía y al César lo que es del César: mis dieces.
Otro punto muy positivo es la corrupción del cristal Kyber, el sangrado por la presencia del lado oscuro. Siempre me ha gustado esa parte del canon de Star Wars, ya que le da un misticismo increíble a este apasionante universo.
El final del personaje de Sol ha sido el que cabía esperar después de todo el camino y no ha sido sorpresivo quién ha acabado con su vida, aunque he de reconocer que me ha gustado cómo se ha llevado a cabo. Con su muerte se ha convertido en el chivo expiatorio y se han marcado un final muy similar al de ‘El regreso del Caballero Oscuro’ de Nolan.
Empezamos por lo que no me ha gustado de este episodio y de la temporada.
El afán por mantener el misterio y de que tengamos ganas de más ha conseguido que desconecte por estirar tanto el chicle. Las marcas en la espalda de Qimir eran muy similares a quemaduras por latigazos, algo que lo conectaba con Vernestra y que algunos esperábamos algo que arrojara luz en ese aspecto más allá de: fue mi aprendiz y se descarrió.
Han querido dejar tantas cosas para el futuro que esta temporada me ha parecido un preludio de lo que está por llegar, como pasó con Obi-Wan Kenobi: que acabó casi como debería haber empezado. El problema de ese planteamiento es que puede que no haya continuidad por las malas críticas cosechadas y no podamos ver todo lo que tuvieran pensado sus creadores.
¿Quién es ese personaje que ha aparecido en la cueva del planeta donde se encuentran Osha y Qimir?¿Darth Plagueis? Las teorías van a ser muchas hasta que sepamos la verdad (si alguna vez llega ese día) y eso va a ayudar a que alguna gente quiera más y pida más. Por mi parte, he tenido la sensación de que es un ‘cliffhanger’ del que no se ha plantado ninguna semilla y que me ha parecido un ‘Pues vale, un personaje nuevo del que no sabemos nada’.
Lo mismo me ocurre con el personaje interpretado por David Harewood, que aparece como amenaza para la orden jedi, un peligro que llevan desde el comienzo contándonos. Hay una máxima en la escritura creativa y es: no me lo cuentes, muéstramelo. Hubiese sido más efectiva la presencia de ese personaje en pequeñas dosis mientras Vernestra trata de ocultar lo que ocurre.
Amandla Stenberg continúa teniendo momentos en los que me convence y otros en los que noto que su actuación no está a la altura de lo que se espera de una protagonista. Quizás llevar dos papeles al unísono le ha pesado o quizás tenga que ver con la dirección de actores.
Conclusión
‘The Acolyte’ ha tropezado, aunque más dolorosamente, con el mismo problema de la mayoría de las ficciones de Star Wars y nos ha traído mucho relleno de poca calidad para rodear un final que sí merece la pena. No todo el mundo espera siete episodios para ver algo que sea medianamente atractivo, sobre todo en una temporada que consta de ocho.
Disney debe pisar el freno y recapacitar hacia dónde quiere que vaya este universo creado por George Lucas antes de que sea más tarde y queme una franquicia que tiene muchos incondicionales. Darle mayor prioridad a los guiones es el pilar indispensable para que todo funcione y que la narrativa tenga el ritmo que necesita para crear expectativas, enganchar a los espectadores y expandir Star Wars con productos de calidad.
‘The Acolyte’ tiene más sombras que luces y eso me duele, ya que esperaba esta ficción con mucho interés por la época en la que ambienta y la temática a priori más oscura. Veo potencial desperdiciado y quizás un par de capítulos más y reduciendo lo sucedido en el séptimo, hubieran conseguido que los fans reconectáramos con esa propuesta.
Demasiadas tramas se abren de forma abrupta en el último episodio que deberían haber sido planteadas anteriormente para insertarlas de manera orgánica.
No sé si tendremos continuidad en la pequeña pantalla u ocurrirá algo parecido a los Caballeros de Ren, que se nos explicó en los cómics lo que debió haberse visto en cines.
El San Diego Comic-Con está muy cerca y viendo páginas americanas como Comic Book Movie se preguntan cuales serán los anuncios que podría hacer Marvel Studios para los próximos años. Hablamos de todos ellos.
8. El nuevo título de Vengadores 5
Cuando Marvel Studios anunció por primera vez las próximas películas de los Vengadores (años atrás), se iban a estrenar el mismo año y ambas tenían título. Mientras que Vengadores: Secret Wars mantiene su título (por lo que sabemos), Vengadores: La Dinastía Kang se conoce ahora como Vengadores 5.
Esto sugiere que la idea es dejar de centrarse en Kang, una decisión que al parecer se tomó antes de los problemas legales de Jonathan Majors en Ant-Man y la Avispa: Quantumania decepcionó tanto crítica como comercialmente.
Un nuevo título de Vengadores 5 puede ofrecer una mejor idea de la dirección creativa de la película (Vengadores vs. X-Men quizás), al igual que la confirmación de quién escribirá y dirigirá cada uno de estos capítulos clave de la Saga del Multiverso.
7. Los futuros de Deadpool y Lobezno en el MCU
Marvel Studios ha anunciado planes para celebrar un segundo panel Hall H el jueves en San Diego Comic-con llamado «The Ultimate Deadpool & Wolverine Celebration Of Life».
Aunque su propósito principal será, casi con toda seguridad, dar bombo a Deadpool & Wolverine (Lobezno en España) antes de su fin de semana de estreno, tenemos que creer que Kevin Feige (que estará acompañado por Ryan Reynolds, Hugh Jackman y Shawn Levy) nos tendrá reservada una sorpresa.
6. Algunos tráilers muy esperados
Bueno, ¿qué queda realmente en este punto? En un movimiento inesperado, Marvel Studios ha publicado los tráileres de Capitán América: Brave New World y Agatha All Along en las últimas semanas, adelantos que normalmente esperaríamos que se estrenaran en el San Diego Comic-Con
Es demasiado pronto para mostrar algo de Los Cuatro Fantásticos más allá de la revelación de un traje, por lo que sólo quedan Daredevil: Born Again, Ironheart, Wonder Man y Thunderbolts como próximos proyectos de los que podríamos ver imágenes.
5. Planes para Spider-Man 4
Este es un tema peliagudo, pero ya va siendo hora de que sepamos qué es lo próximo de Spider-Man en el MCU. La cosa se complica con la participación de Sony Pictures: ¿permitirán que Marvel Studios promocione la película en el San Diego Comic-Con? Si el estudio tiene sentido común, entonces sí.
Revelar el título, noticias del director (y escritor, con suerte), junto con al menos algunos miembros del reparto confirmados sería suficiente. Tom Holland, Zendaya y quienquiera que interprete al villano de la película podrían ser suficientes, sobre todo si se trata de una revelación lo suficientemente grande como para que los fans del Hall H pierdan la cabeza ante la perspectiva de que Spider-Man se enfrente a ellos dentro de un par de años.
4. El reparto completo de Los Cuatro Fantásticos
Sabemos quién protagonizará Los Cuatro Fantásticos, pero fuera de la Primera Familia de Marvel, la identidad de sus personajes sigue siendo un misterio para nosotros.
Ralph Ineson ha confirmado quien es Galáctus, pero sólo tenemos rumores para decir que Julia Garner será una Silver Surfer femenina. También están Paul Walter Hauser, Natasha Lyonne, John Malkovich y otros actores de los que probablemente aún no tengamos noticias.
3. Los planes Disney+ de Marvel Studios
Desde que Bob Iger regresó a Disney, Marvel Studios no se ha visto obligada a producir una serie de televisión tras otra. Sin embargo, eso ha creado un cierto retraso, con Ironheart, por ejemplo, terminando su producción en noviembre de 2022.
Daredevil: Born Again llegará el próximo mes de marzo, pero nos gustaría que nos aclararan qué se incorporará (y aproximadamente cuándo). Tampoco estaría de más mostrar fe en el regreso del viejo Hornhead confirmando los planes para la largamente rumoreada segunda temporada, especialmente después de todos esos informes de revisión creativa.
Esta también es una oportunidad para destacar proyectos animados como Your Friendly Neighborhood Spider-Man, Marvel Zombies y What If…? temporada 3, aunque dejaríamos los tres para la D23 del mes que viene.
2. El nuevo gran villano del MCU
Aunque Kang seguía en libertad al final de Loki, no sería muy difícil descartarlo de algún modo y pasar de la escena post-créditos de la trilogía de Ant-Man. Podrían hacer que un nuevo villano destruyera todo el coliseo fuera de la pantalla.
Explicaciones aparte, Marvel Studios tiene que decirnos a quién se enfrentarán los Héroes Más Poderosos de la Tierra. Ya sean los X-Men originales, un nuevo actor que se ponga en la piel de Kang o un villano totalmente distinto como el Doctor Doom (Doctor Muerte). Es hora de que sepamos hacia dónde se dirige esta saga multiversal.
Kang aún puede redimirse, pero tras el despido de Jonathan Majors, ahora podría ser un buen momento para revelar quién demonios interpretará al viajero del tiempo.
1. Uncanny X-Men
Ya sea X-Men, Uncanny X-Men, o algo totalmente distinto, Marvel Studios debería cerrar su panel en el San Diego Comic-con anunciando este reinicio y potencialmente incluso «La Saga Mutante»
Sí, eso es mirar hacia el futuro, pero dejará a los fans en estado de éxtasis y debería confirmar que Marvel se está tomando en serio a este equipo de superhéroes. Tampoco estaría mal un poco de arte conceptual, similar a los primeros diseños de Guardianes de la Galaxia.
Dos años después de su impactante final, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La Casa del Dragón, precuela centrada en los Targaryen.
En Las cosas que nos hacen felices somos muy aficionados al mundo creado por George R. R. Martin, como se puede comprobar con todos nuestros artículos.
Tras la tormenta de fuego, solo queda humo y cenizas. Quedaba claro que después del impacto de la batalla de Reposo del Grajo debía haber un recuento de bajas y una nueva disposición de movimientos.
AVANZA LA HERIDA NARCISISTA DE DAEMON TARGARYEN
El tío mas chulo de todo Poniente sigue destruyéndose poco a poco en su particular castillo gigante. Hay que reconocer que la trama tiene su interés, pero ya se está haciendo un poco repetitiva entre tanta visión, conversaciones con distintos señores y con Alys Ríos.
Lo que le está ocurriendo a Daemon es lo que en psicología se conoce como una herida narcisista. De libro, vamos. Daemon viene a ser a las personas lo que Harrenhal a los castillos. Es decir, un edificio imponente que se cae a cachos en su interior. La chulería de Daemon es tan gigante como su complejo de inferioridad, una forma de esconder el no sentirse suficiente por su madre (a la que ni siquiera conoció) ni por su hermano, que no lo escogió como sucesor. Y ahí lo tenemos, insistiendo en que se le trate como rey, no como rey consorte, mientras alucina con su propia madre.
No se puede negar, eso sí, que Daemon es la mejor baza del bando de Rhaenyra y el mejor guerrero de Poniente en los tiempos de paz de Viserys. Desgraciadamente, su táctica con los Bracken y los Blackwood le sale rana al pensar que con un simple dragón iba a acabar con siglos de enemistad. Al fin y al cabo, ni siquiera el fuego dragón arde tanto como las pasiones humanas.
Al final, la psique de Daemon está cada vez más expuesta mientras su táctica de conseguir aliados en las Tierras de los Ríos fracasa estrepitosamente.
NADA COMO UN PSICÓPATA PARA GOBERNAR
Queda claro que, de momento, las Tierras de los Ríos es el elemento clave de esta guerra. Solo así se explica lo que aparece los nombres Tarly, Tully o Arryn.
Mientras tanto, en los Verdes tienen que lidiar con la casi pérdida de Aegon. La armadura de acero valyrio le salvó morir pero tiene más de medio cuerpo abrasado y parece despertar levemente al final del capítulo.
Alicent se ofrece para ser la nueva Regente amparada en su experiencia durante el reinado de Viserys y en imponer algo de cordura en una guerra que ya es de la violenta generación posterior.
Sin embargo, Alicent es mujer y el consejo entiende que una guerra de dragones tiene que ser liderada por su mejor jinete, por lo que Aemond consigue lo que quiere.
Y sí, puede que sea un pelín psicópata, pero con solo un consejo liderado da una sensación de liderazgo que promete ponérselo muy difícil a los Negros.
A RHAENYRA NO LA RESPETA NADIE
Mientras tanto, el Consejo de Rhaenyra muestra síntomas de crisis tras la muerte de Rhaenys. Los miembros del consejo no confían en ella y tampoco quieren exponerla.
Su propio hijo se marcha a negociar con los Frey sin avisarla, con el fin de conseguir los Gemelos para que los Stark puedan llegar a la Tierra de los Ríos con su ejército, el primero continental de los Negros.
Y encima, le ofrece el puesto de Mano a Corlys, viudo de Rhaenys, sin ni siquiera hablar con él, a través de su nieta Rhaela.
En un intento por acercar posturas con Daemon, manda a Ser Alfred, uno de los miembros del consejo más contrarios a Rhaenya, a contactar con él.
Y, gracias a Lucerys, se abre una posible trama. Los Negros viven aterrados por la amenaza de Aemond y Vhagar. Sin ejército continental ni alianzas, necesitan más dragones. Mejor dicho, más jinetes de dragón, por lo que se dedicarán a buscar a Targaryen bastardos que, en menor medida, también conecten con los dragones. Puede que ahí entre en juego aquel plebeyo bastardo que aparecía en uno de los capítulos anteriores.
Hay una actividad, a la que no se le da tanta importancia en nuestra educación actual, las series de dibujos animados. Sin duda, son una fuente que favorece la comprensión de la realidad, fomenta el aprendizaje de valores, promueve el desarrollo del lenguaje a través de palabras y expresiones no verbales, ayuda a ir descubriendo y definiendo nuestra personalidad, y lo más importante, desarrolla la fantasía, que es el paso necesario para estimular la creatividad.
La nostalgia está de moda, quizás sea porque los avances tan vertiginosos de nuestra sociedad tecnológica, no deja que reposemos y disfrutemos de las ventajas que ello implica. Pasa todo tan rápido, que algo de hace 10 años ya produce nostalgia. La nostalgia, es ese sentimiento en el que se mezclan el placer y el afecto al pensar en tiempos pasados que consideramos felices, una tendencia muy humana, que puede servirnos para valorar nuestro presente. La dosis de nostalgia siempre tienen que valorarse desde nuestro presente, porque de otra manera nos puede llevar a la tristeza, que puede tornarse en un camino peligroso.
En este caso, haremos un recorrido por los dibujos animados de nuestra infancia, en concreto de los 80 y 90. Una época, donde las series ofrecían todo un mundo de aprendizaje envueltos en aventuras fantásticas que te tenían enganchado al televisor.
Una aclaración, al ser un poco densa la lista, he divido el artículo en varias partes. Empezaremos con las series de los 80, después de los 90, un especial anime de esos años, para finalizar con dos productoras de grandes éxitos televisivos junto con la animación española. Espero que disfrutéis de estas nostálgicas y épicas listas, en las que he intentado poner todas las series que marcaron una época televisiva.
Dibujos animados de los 80. Primera parte.
Dragones y Mazmorras
He decidió empezar por esta serie, por su magnífica y pegadiza canción que todavía resuena con fuerza en la memoria. También porque como buen aficionado al fantástico, fue la puerta de entrada a otros mundos que desconocía que existieran. La historia nos cuenta las experiencias de un grupo de seis jóvenes amigos que son transportados al mundo de Dungeons & Dragons, donde vivirán un sinfín de aventuras mientras intentan encontrar el camino a casa. Dragones, un hechicero malvado, un guía simpático (el amo del Calabozo), ¡qué más se puede pedir para un niño pequeño!
La gran baza de la serie, es que hasta ese momento solo podías descubrir esas historias en los libros. Los dibujos animados fueron un auténtico bombazo, porque trasladaron a imágenes todo lo que habías leído sobre guerreros, magos, dragones y seres de leyenda, que ante tus ojos cobraban vida en la pantalla, siendo posible verlos hechos realidad. Una serie, que nos llevó a percibir el aroma del peligro, adaptándonos a un entorno nuevo, cruel y duro, donde aprenderíamos los valores del compañerismo, la valentía y la lealtad.
Como curiosidad, los dibujos animados están basados en el juego de rol Dungeons & Dragons. Empezó a emitirse en 1983 con una duración de tres temporadas, con un total de 27 episodios.
Érase una vez… La vida
Nunca antes había sido tan divertido aprender. Estos dibujos lograron sintetizar el aprendizaje con la diversión, una fuente didáctica repleta de humor y de colores vivos, que invitaba al conocimiento a entrar por la puerta de nuestras casas. La serie nos explicaba de forma magistral y amena, diferentes aspectos sobre anatomía humana o de como nos afectaban las enfermedades.
Para el recuerdo siempre quedará, que con la serie aprendimos cómo funciona el aparato circulatorio o como se oxigena la sangre. Naves espaciales, policías, virus peligrosos, toda un universo escondido en nuestro cuerpo. Los dibujos animados nos incitaba a investigar, para aprender más, después de cada capítulo. Comentar que “Érase una vez”, es una colección de series de animación francesas de 26 episodios cada una, con una duración de unos 25 minutos. Conteniendo temas como el cuerpo humano, los inventores, la ciencia o el espacio. Todos disfrutables y divulgativos.
Dibujos animados, de factura francesa, que se emitieron a partir de enero de 1987. Cuenta con 26 capítulos, 26 películas y 55 libros que triunfaron en ventas.
Beetlejuice
Unos dibujos animados irreverentes, basados en una películaextravagante, que se pueden definir en una palabra, diversión. Una de sus grandes virtudes, es que la trama era muy distinta de cualquier otro tipo de serie que hubiera en el panorama televisivo. Con un humor excéntrico y caricaturesco, que igual te daban ganas de reír o te asustaban.
Mezclando hábiles y divertidos juegos de palabras que rayaban la locura, o la genialidad, ustedes deciden. A destacar, una animación apreciable y unos escenarios que buscan la ambigüedad fantasmagórica. Quizás hoy en día, no sería una serie para que vieran los niños pequeños, así que suerte el que la pudo disfrutar en su momento.
La serie, creada por el gran Tim Burton, fue emitida en 1989 con cuatro temporadas y 89 episodios.
Inspector Gadget
Quien no deseaba tener los gadgets de este despistado inspector de policía. Todo un éxito que generó varias películas de las que es mejor no acordarse. La trama, nos contaba las misiones en las que se veía envuelto el famoso inspector, en su lucha para detener los planes de su archienemigo, el Dr. Claw, que era el líder de la malvada organización MAD. En su lucha contra el crimen, nuestro querido policía, que por cierto era un cíborg, contaba con la ayuda de su perro, que lo protegía en secreto disfrazándose, y de su sobrina Penny, que era quien terminaba resolviendo los casos.
Unos dibujos muy divertidos, con curiosos inventos que hacían las delicias de los niños. Como curiosidad, la serie podía considerarse una parodia de superagente 86, otra comedia sobre un policía atolondrado que era muy bufonesca, que estaba protagonizado por Don Adams, quien también fue la voz de Gadget en la versión original.
Inspector gadget fue emitida en 1983 con dos temporadas y 86 episodios.
He-Man y los Masters del Universo
Y con los muñecos llegó la locura. En los años 80 era normal crear series sobre los juguetes que sacaban al mercado, para que impactara en las ventas de los mismos. He-Man es una serie repleta de testosterona, en concordancia con las películas de acción de la época, pero que tenía un uso del color atractivo, unas batallas épicas y una buena definición de los personajes, creando a uno de los antagonistas más famosos de la historia, Skeletor (con permiso de Darth Vader y Drácula, claro). Durante mucho tiempo, Eternia se convirtió en el refugio de la imaginación de millones de niños, que soñaban con alzar la espada y decir: “Por el poder de Grayskull… ¡Yo tengo el poder!”.
Figuras de acción, cómics, dibujos animados, película (que tuvo cierto encanto en su época, pero ha envejecido fatal, y en la que tiene un papel importante, Mónica de Friends) todo un éxito de marketing que ha perdurado hasta nuestro días. Tan grande era la gallina de oro, que se inventaron una hermana gemela para atraer a las niñas, que originó otra serie She-Ra: Princess of Power. Aunque He-Man, nace de la profecía del elegido, era capaz de mostrarnos valores interesantes, como la amistad y la valentía, que sirven para afrontar las adversidades. El carisma de He-Man fue capaz de rivalizar con otra figura mítica del mundo de los guerreros, Conan…pero eso es ya otra historia.
Sí, era una serie llena de defectos, pero su rica iconografía de personajes desafiaba toda lógica para los niños que la disfrutaban. Fue estrenada en 1983 y está compuesta de dos temporadas con 130 episodios.
Osos amorosos
Otros juguetes que tuvieron serie, en esta ocasión, unos ositos tiernos con diferentes colores. Cada oso tenía asignado un símbolo en su pecho que servía para identificar los poderes que tenía. La trama consistía en que se dedicaban a resolver los problemas de la gente gracias a sus poderes, llámese sentimientos o deseos, que se manifestaban a través del emblema que estaba enfatizado por su color y por su tarea asignada. Por ejemplo, tenemos a Deseoso: Que es de color verde claro, representa los buenos deseos y la esperanza. En su barriga hay una estrella fugaz.
Unos dibujos animados llenos de sensibilidad, con historias que trataban temas como la bondad, el amor, la elección de amistades y el respeto por la naturaleza. La animación resaltaba por los colores y las tonalidades de los escenarios para que los osos brillaran con sus hazañas, y claro, para captar con su luminosidad los ojos de los niños, que quedaban cautivados con los rayos de luz que salían de su barriguita. Aunque tenían una trama cotidiana, ponía el énfasis en los buenos valores, gracias a unos personajes bondadosos y juguetones.
La serie emitida en el año 1985 y consta de cuatro temporadas y 60 episodios.
Turbo Teen
Quizás sean unos dibujos animados de esos que han quedado un poco en el olvido, pero no por ello, dejan de ser una auténtica curiosidad. La historia nos cuenta como un joven, por accidente, recibe una descarga mientras se encuentra en una base en la que hacen experimentos secretos. Para sorpresa de todos adquiere la habilidad de transformarse en un coche. A partir de entonces se dedica a luchar contra los delincuentes. La trama prometía y la transformación en coche estaba muy lograda, pero la serie fue corta.
Esta serie de dibujos animados intentaba ir a rebufo del éxito del coche fantástico, pero quizás la idea era demasiado exagerada como para que calara en los niños. También tuvo en contra que se estrenó al mismo tiempo que Transformers, robots que lograron hacer creíbles y fascinantes las transformaciones.
La serie solo tuvo una temporada de 13 capítulos en el año 1984.
The Transformers
Otros juguetes que ascendieron al Olimpo de los dibujos animados. Hasbro tenía la licencia de los juguetes y aunque encargó episodios a la poderosa TOEI, se puede considerar una creación de Hasbro, gracias a la colaboración de Marvel que confeccionaron toda la trama del universo Transformers, desarrollando la guerra entre los Autobots y Decepticons y dándoles entidad a todos los personajes y nombres derivados de ella.
Unos dibujos animados que impresionaron por su historia potente, su fascinante diseño de personajes, junto con una prodigiosa animación, para la época, de las transformaciones de los robots. La serie marcó a toda una generación de niños, siendo actualmente una franquicia reconocida en todo el mundo gracias a las películas que han acrecentado su popularidad. No podemos olvidarnos, que estos juguetes robots se han convertido en objeto de coleccionistas, destacando también, que originó un buen repertorio de cómics elaborados por Marvel. Puede que sean los dibujos animados más icónicos de los 80, junto con HE-Man, pero para este servidor hay uno, del que hablaré en la otra lista, que merece ese estatus.
La serie de dibujos animados original se estrenó en 1984, con 4 temporadas y 98 episodios.
Los diminutos
Estos pequeños seres nos hicieron disfrutar con sus aventuras en miniatura. Unos dibujos animados divertidos, dinámicos e inteligentes. Tenían una animación correcta, con unas tramas repletas de lecciones prácticas para la vida, como el abuso de drogas o los celos, que las hacían perfectas tanto para niños como para adultos.
La historia gira en torno a los diminutos, unos seres pequeños que viven alrededor de la casa de la familia Bigg. Se adentran en el mundo de los humanos a través de las rejillas de las casas o las tapas de alcantarillas. Los diminutos viven sus aventuras con Henry, el único humano que conoce su secreto. Pasan sus días escapando del villano, el Dr. Hunter, un profesor obsesionado con ellos que quiere demostrar su existencia a toda costa, aunque nunca se sale con la suya.
Los dibujos animados se emitieron en el año 1983, con 3 temporadas y 29 episodios.
C.O.P.S.
Una serie de policías del futuro, pero cuyos personajes imitaban a los héroes hormonados de las películas de acción de los años 80. Aunque no cabe duda, de que era seductor disfrutar de estos policías que se movían en un mundo que mezclaba la ciencia ficción y la acción. Los agentes de la ley daban caza a villanos y criminales en Ciudad Imperio, que estaba asediada por el crimen organizado.
Los dibujos animados no es que fueran una maravilla, de hecho hay cierta torpeza en la mecánica de la animación, pero su acción cargada de brutalidad ochentera hacia que olvidaras el poco desarrollo de los personajes, que eran unidimensionales, o buenos o muy malos. Aunque si destacaban por la intensidad de las peleas y la creatividad de los artilugios cibernéticos.
La serie se emitió en el año 1988 con una temporada de 66 episodios.
Jayce y Los Guerreros Rodantes
La ciencia ficción también tenía su espacio en las series de dibujos animados. Si mezclamospiratas espaciales, magos y extraterrestres similares a plantas, cualquier niño se asombraría ¿No? Pues es todo lo que ofrece esta serie, una oda a la imaginación que además se acompañaba de una meritoria banda sonora roquera. Como algunas series de los años 80, en España empezaron a verse con el nacimiento de las televisiones privadas o de canal + a principios de los 90.
Los dibujos animados trataban sobre un grupo de compañeros miembros de la Fuerza Luz, equipados con vehículos cargados de armas y dispositivos mecánicos. Estaban liderados por Jayce, un joven que busca a su padre científico. En su camino se enfrentará a Discord, que es capaz de liderar las Monstruo-plantas mutantes que se esparcen por todo el universo.
La serie se emitió en el año 1985, constando con una temporada y 65 episodios.
Denver, el último dinosaurio
Un dinosaurio subido a un monopatín era un autentico acierto, porque unía dos elementos capaces de cautivar a cualquier niño. Los dibujos animados nos mostraban las actividades juveniles de un grupo de chicos. Sus aventuras nos servían de lecciones, que los niños captaban a través del aprendizaje del dinosaurio protagonista. Esto daba lugar a tramas dinámicas, con las que los niños se podían identificar, y didácticas, que prestaban atención a valores como la amistad o la conservación del medio ambiente.
Pero lo importante, era Denver, ¿Quién no quiere tener a un dinosaurio de amigo que encima es capaz de cantar rock? La serie fue capaz de captar la esencia de los años 80 de una manera natural. Siendo unos dibujos animados sencillos su narración tiene muchas virtudes que la hace brillar, convirtiendo los capítulos en divertidos espectáculos.
Se emitió en el año 1988, teniendo dos temporadas y 50 episodios.
Los Dinosaucers
Otra animación de ciencia ficción para niños, protagonizado por un grupo de dinosaurios que estaban evolucionados y provenían del planeta Reptilón. Al llegar a la Tierra, entablan contacto con un grupo de adolescentes, a los que les otorgan unos anillos que les permiten intensificar temporalmente sus habilidades físicas. La colaboración de ambos grupos servirá para luchar contra los dinosaurios malignos, llamados Tyrannos, que venían con el propósito de conquistar el planeta.
Estos dibujos animados eran magnéticos gracias a la descripción de los dinosaurios, y es que estos lagartos gigantes siempre han sido populares. La serie potenciaba el lado cómico en detrimento de la acción, su escenografía era algo anodina, pero resultaba entretenida gracias a sus gags y al diseño de sus personajes, que te hacían esperar con ansias su transformación.
Se emitió en el año 1987, con una temporada de 65 capítulos.
Defensores de la tierra
Marvel Productions se apuntó un tanto con esta serie que juntaba a varios personajes famosos de los cómics. Entre ellos están Flash Gordon, The Phantom, Mandrake el mago…etc. Fundaron un grupo de héroes que se unieron para combatir los malvados planes de Ming el despiadado, que intenta conquistar la Tierra. Cada personaje por separado era bastante atractivo, pero verlos juntos era una autentica gozada.
Unos dibujos animados que generaban múltiples aventuras, con tramas interesantes, personajes carismáticos y escenas que proporcionaban instantes de felicidad. Sus imágenes lucían bien en pantalla, con fluidez en las peleas y en los movimientos de los personajes. Contienen historias bien elaboradas que trataban temas como la confrontación entre padres e hijos, la justicia o el sentido de la paz. Y sobre todo, que tenían a un villano a la altura de los eventos que nos relataban.
Noticia reciente, la editorial Mad Cave ha anunciado una nueva colección de Defenders of The Earth, con guiones de Dan DiDio y dibujo de Jim Calafiore. El cómic saldrá a la venta el 14 de agosto de este año.
La serie se emitió en el año 1986, contando con dos temporadas y 65 episodios.
La batalla de los planetas, “Comando G”
Este es un caso especial, proviene de un éxito Japonés llamado Gatchaman, pero como sucedía por aquella época se adaptaban para el público occidental. En concreto, quitandoescenas que tuvieran violencia explicita o diálogos mal sonantes para los niños, por esta cuestión he decidido ponerla en este apartado. No cabe duda, que el mayor éxito de la serie fue la inclusión de la conocida música del grupo parchís, convirtiéndose en una de las canciones más pegadizas que se recuerdan, de las sinfonías de apertura de las series de dibujos animados. Hay una guerra intergaláctica…«Comando G, Comando G. Siempre alerta está».
Su historia relata las aventuras de cinco valientes huérfanos con poderes especiales. Su misión es proteger a la Tierra de los constantes ataques alienígenas de la organización Spectra (igual que la de las películas de James Bond), ya que estos han agotado sus recursos naturales, por lo que pretenden invadir nuestro mundo y otros planetas de la federación intergaláctica. Esta serie hizo furor en España gracias a un espléndido diseño de los uniformes del grupo. Estaban inspirados en distintas aves que hacían que la imaginación volara. Los dibujos animados nos hacían vibrar con la nave espacial que los protagonistas tripulaban, llamada Ave Fénix, que se envolvía en fuego. Unas llamas que explosionaban en los ojos, llenos de ilusión, de miles de niños.
La serie se estrenó en España en 1980, con el título de La Batalla de los Planetas, pero solo se llegaron a emitir 59 de los 85 capítulos de la versión americana.
Y hasta aquí el primer repaso de los años 80, hasta la siguiente lista, sed felices.
Netflix estrenó a mitad de junio la serie indonesia Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar. Se trata de una antología formada por siete episodios que forman parte de un todo (lo entenderás si ves la serie), y que está catalogada por la plataforma de la N roja como terror, misterio y ciencia ficción.
Lo cierto es que si eres amante de esos géneros, te recomiendo que le eches un ojo ya que la serie resulta cuanto menos curiosa de ver. En sus episodios conoceremos historias dispares que consiguieron atrapar mi atención hasta el final, aunque no he visto la serie de tirón, ya que cada episodio es individual, además de que algunos de ellos son tan intensos que necesité hacer un descanso y cambiar a algo más suave para después seguir con ellos.
No se trata de una serie gore o con unos efectos especiales de esos que hacen que se te salga el corazón por la boca. Es más bien algo mucho más fácil y sencillo. Son historias tenebrosas que su creador, Joko Anwar, ha sabido contar manteniendo toda su intensidad, incluso en los primeros minutos de cada episodio.
Muchos de ellos tienen una trama cuyo desenlace el espectador ya conoce antes de que suceda, pero en esos episodios no es tan importante el final como la forma en que nos va contando la historia. Esa intensidad que va manejando a su antojo mientras te va llevando por historias que nos hablan de personas a través de estas historias fantásticas de terror sobrenatural y psicológico.
Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar. Una antología conectada.
Cada episodio, independiente pero interconectado, se centra en personas corrientes que se enfrentan a fenómenos misteriosos que les ponen en peligro a ellos y a sus seres queridos. Mientras intentan frustrar el mal que les rodea, estos extraños encuentros revelan verdades más profundas sobre el mundo.
La serie sigue a un hombre que ingresa a su anciana madre en una residencia maldita, a una pareja que adopta a un niño endemoniado que podría haber matado a su antiguo tutor, a una autora cuya vida empieza a reflejar la del personaje que está escribiendo, a un técnico que aprende hipnosis para llegar a fin de mes, y mucho más. Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar culmina con un episodio final que enlaza las historias.
«Quería crear algo con lo que la mayoría de los espectadores indonesios pudieran identificarse«, dice Anwar a Netflix. «Aunque se trata de ciencia ficción sobrenatural, se abordan algunos temas sociales y políticos«. «Esta serie explora el género sobrenatural de ciencia ficción«, continuó Anwar a Netflix. «Inspirado por mi curiosidad y fascinación por las historias de extraterrestres, profundicé en el intrigante concepto de alienígenas que podrían no estar lejos de nosotros«.
Mucho más que solo terror.
Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar se desarrolla entre 1985 y 2024, y los protagonistas de la gran mayoría de estas siete historias pertenecen a la clase social baja, lo que supone una manera de reivindicar determinados aspectos de este mundo que no es justo ni trata a todos por igual.
Por ejemplo, el cuarto episodio de Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar trata sobre la demolición de un pueblo de pescadores porque sus habitantes han sido considerados ilegales debido a un pequeño cambio (posiblemente inconstitucional) en la ley del país. Creo que algo muy parecido sucede ahora mismo en la India…
El quinto episodio trata sobre la falta de vivienda, la muerte de las salas de cine de pantalla única y la erosión del arte de los carteles de cine pintados a mano. Estos tres problemas son palpables en todo el mundo a medida que los ricos siguen construyendo más casas y los estudios siguen produciendo «contenido» con poca o ninguna consideración por aquellos que son o solían ser un aspecto integral de la sociedad.
El enfoque del primer episodio en el cuidado de las personas mayores, que se está volviendo aparentemente imposible debido a la inflación, será identificable para cualquier familia conjunta del sur de Asia. Y si nos vamos a Europa, existe una tendencia a deshacernos de nuestros mayores aislándolos en residencias cuando no lo necesitan, e incluso con una eutanasia que cada vez es más permisiva.
El segundo capítulo de Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar nos habla de supervivencia en su modo más cruel. Una familia que vive en la más absoluta pobreza será capaz de adoptar a un niño solamente porque todo aquel que lo adopta consigue riquezas en unos días. Su egoísmo es tan patente, que incluso sabiendo que todos han fallecido al séptimo día, no dudan en aprovecharse del infante pensando en que serán mejores que el resto y podrán esquivar la muerte.
Como ves, hay más que terror detrás de estas historias tan personales escritas por el guionista indonesio para Pesadillas y ensoñaciones de Yoko Anwar. Hay una especie de ‘señalar’ los defectos de este mundo actual donde las personas sufren en soledad sus propios miedos en los que no hay monstruos ni sangre, sino historias crueles que resultan mucho peores que las criaturas que esconde la noche.
Saludos y sed felices.
Tráiler de Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar.
Hay que reconocer que las películas sobre moteros suelen quedar muy bien plasmadas en la pantalla. Una forma de vida anárquica que ofrece esa libertad prometida por los dioses y ansiada por los hombres. Bikeriders logra trazar un viaje melancólico a través de los laberintos de la experiencia que asume la forma de carretera. Un camino que logra hacernos creer que hay dos cosas imprescindibles en la vida, una buena película y una moto alucinante con la que acudir a verla para liberarnos de las ataduras morales de la sociedad.
Hay dos formas de afrontar este tipo de películas, porun lado, ofrecer una experiencia que despierte la adrenalina, la emoción y las piruetas insólitas, y por otro, ofrecer un relato costumbrista de una forma de ver la vida mediante la captura de su espíritu en imágenes.
Bikeriders es de las segundas, donde el objeto de la fascinación no es la moto, ni las peleas, ni el poder, sino la seducción que genera un estilo, una filosofía, una forma de vivir, en el que se da importancia a los lazos entre relaciones. Unos vínculos que se establecen cuando un grupo de personas construyen el mismo relato, en este caso, el que se funda sobre la libertad de ver el horizonte sentado en una moto.
La historia nos cuenta el auge y caída del grupo de moteros conocidos como los Vandals. A través de las entrevistas que le realizan a Kathy, la mujer de uno de los personajes importantes de la banda llamado Benny. A través de sus palabras se va dibujando una historia salvaje e imprudente, repleta de una masculinidad desfasada donde el ruido de las motocicletas silencia cualquier cosa que no tenga que ver con el club, la mecánica o el asfalto. A lo largo de una década, vamos conociendo a estos personajes, su forma de pensar, de actuar, etc.
Seguimos a la tropa, desde sus comienzos como un club local de carreras hasta convertirse en una de las bandas más importantes de EEUU. Una organización que nace con sus reglas, basadas en la solidez de la lealtad, la camaradería y el respeto por su firme líder Johnny. Pero con las nuevas generaciones, el universo de lo que significa los Vandals se acaba desdibujando, transformándose en un club más siniestro. Es entonces, cuando los protagonistas se ven arrastrados a tomar decisiones sobre sus creencias y su lealtad hacia el club.
Bikeriders bien podría ser una película romántica, tanto en las relaciones que se establecen entre los personajes principales, como hacia las motos que poseen o por el compañerismo entre los miembros del club. Un barniz romántico que impregna la película y que desnuda la densidad de las relaciones humanas, tan falibles, intensas y desconcertantes como nuestras emociones frente al mundo. La trama se va moldeando en torno a los tres personajes principales, donde se establece una lucha de poder entre el jefe de la banda, Johnny (Tom Hardy) y Kathy la esposa (Jodie Comer) de Benny (Austin Butler), que compiten por el amor y la atención de este último.
Esto permite que la película despliegue sus elementos dramáticos alejándose de las escenas de acción y de la glorificación de la violencia. Sí, la violencia existe en ese mundo salvaje, pero lo hace de manera sutil, en breves estallidos violentos que le dan veracidad a lo que estamos viendo. Todo un acierto, porque Bikeriders logra que intuyamos más de lo que no vemos, la brutalidad que se esconde fuera de escena pero que se insinúa en la dureza verbal de sus personajes. El espectador percibe durante todo el metraje esa parte bárbara, propensa a la violencia, que sabemos que está implícita a la vida de esos hombres imperfectos, que buscan su propia manera indómita de sobrevivir.
Los personajes son rudos y secos, compartiendo similitudes con los vaqueros del viejo Oeste, sustituyendo los caballos por las motos. Una aspereza que ocasiona la búsqueda de una libertad que siempre se confronta con hostilidad. Porque esa independencia transita por un camino incomprendido de marginación, que genera su propio estatus indomable al estar siempre en la frontera que marca la ley.
Algo que transmite con su actuación hermética un contenido Tom Hardy, que logra que sus gestos rudos y su mirada intensa narren los sentimientos que fluctúan en torno al concepto de motero que intenta transmitir Bikeriders. Algo que también es capaz de expresar un magnético Austin Butler, sin necesidad de dar grandes discursos, porque vemos y descubrimos en sus ojos fríos, su soledad interior. Un actor capaz de mostrar mediante la tensión del rostro sus convicciones. Como la magnífica secuencia de apertura de la película, o el momento en que espera subido en su moto durante horas, por fuera de la casa de Kathy para conquistarla.
Bikeriders gira sobre temáticas como la amistad, la confianza, el cariño al club y a sus integrantes, a disfrutar de ponerse ciegos de alcohol en sus paradas, la dura sensación de perder a un compañero y sobre todo, la imposibilidad de mostrar emociones ante el desmoronamiento de la banda, de sus reglas y de la idea original del club, que no encaja con las nuevas generaciones. Una incapacidad para exponer emociones que reflejan muy bien en sus silencios, lo que no cuentan pero transmiten con la mirada, tanto Hardy como Austin Butler, en sus interacciones en pantalla, sobre todo, en la escena en la que Hardy le pide que sea el nuevo líder de la banda.
Esta incapacidad se contrapone con la intensidad del personaje de Jodie Comer, capaz de expresar sus pensamientos de manera directa y sincera, ya sea al periodista como a su marido. Dos mundos que chocan entre sí, que limitan la comunicación, dificultando las relaciones humanas. Como se demuestra en la escena en la que Johnny va a visitar a Kathy antes de una pelea y es incapaz de expresar lo que realmente piensa, que está perdiendo todo lo que le importa, la banda y al esposo de esta.
En definitiva, Bikeriders es una buena película narrada con nervio, envuelta en una melodía dramática que ahonda en la visión de los grupos de moteros. Con arrebatos de violencia, un ritmo pausado donde la cámara es capaz de captar el retrato del vértigo que produce el amor, las ansias de pertenecer a un grupo y los impulsos de la adrenalina que genera el riesgo. Todo condensado en un montaje para que el espectador intuya lo que ocurre fuera de escena, y sea capaz de sacar sus propias conclusiones. Una melancólica historia que se mueve por carreteras interminables, con una música pegadiza que agita el sonido de las motos mientras aprietan el acelerador para situarse al margen de la ley.
Bikeriders nos ofrece una instantánea cruda sobre una elección de vida, que tiene componentes míticos asociados a una aparente libertad. Que en su trasfondo, no es más que una jaula para los laberintos de la comunicación y la incapacidad expresiva, envenenada de masculinidad envuelta en salvaje violencia.
A continuación os dejamos el tráiler de Bikeriders. La ley del asfalto.
Según se dio a conocer ayer, Shannen Doherty, actriz ícono de la televisión de los noventa gracias a series de éxito como Beverly Hills 90210 (Sensación de Vivir, para España) o Charmed (Embrujadas), falleció a los 53 años tras una larga lucha contra el cáncer. También fue parte de La Casa en la Pradera, así como de los filmes Las Chicas solo quieren divertirse (1985) y Heathers (Escuela de Jóvenes Asesinos, 1988).
De ascendencia irlandesa y nativa americana, Shannen Doherty había nacido en Memphis, Tennessee, un 12 de abril de 1971, criándose en el seno de una familia bien sureña y de fe bautista. Su primera aparición en pantalla la tuvo a los diez años en un episodio de la serie El Padre Murphy para, al año siguiente, ponerle voz al personaje de Teresa en NIMH: El Mundo Secreto de la Señora Brisby (1982), filme animado del gran Don Bluth conocido en América Latina como La Ratoncita Valiente.
Ese mismo año consiguió un papel recurrente en La Casa de la Pradera (madre mía, ¿habrá alguien que no haya pasado de niño por esa serie?) intepretando entre 1982 y 1983 a Jenny Wilder (la sobrina de Laura Ingalls), papel que incluso repitió en dos películas televisivas derivadas. Según propias palabras de la actriz, fue esa serie la que moldeó su carrera y siempre se deshizo en elogios y agradecimientos hacia Michael Landon por enseñarle a “abrazarse a sí misma”.
Ello le sirvió de puntapié para estar en Heathers(Michael Lehmann, 1988), comedia de humor negro en cuyo elenco aparecían también Winona Ryder y Christian Slater. Aunque cosechó buenas críticas, el filme tampoco fue un éxito comercial, pero con el tiempo acabó convirtiéndose en título de culto y hasta tuvo una celebrada adaptación musical para teatro en 2010.
Su década sería sin duda la de los noventa, sobre todo a partir de su participación en Beverly Hills 90210 (Sensación de Vivir), serie juvenil creada por Darren Star en la cual interpretaba a Brenda Walsh, quien junto a su hermano Brandon (Jason Priestley) caían en un colegio bien “high class” en el cual les costaba en principio instalarse por tener un origen social algo más bajo, pero poco a poco iban sin embargo posicionándose y haciendo amistades.
La serie se emitió con éxito durante diez temporadas entre 1990 y 2000, teniendo incluso un spin-off igualmente exitoso (Melrose Place) e influyendo sobre mucho de lo que vendría después (Élite, sin ir más lejos), pero al principio, sin embargo, pasaba casi desapercibida por competir en mismo horario con Cheers. Al promediar la primera temporada, sin embargo, la Guerra del Golfo le dio una impensada ayuda, pues al estallar el conflicto en febrero de 1991 la mayoría de las cadenas suspendieron sus programaciones habituales para informar del mismo, salvo Fox que no tenía sección de noticias y ello dio a la serie una audiencia leal con ganas de despejar la mente.
Shannen, de todos modos, estuvo hasta la cuarta temporada y salió del programa en 1994. La razón fundamental, más allá de su fama de “chica rebelde”, fue que tuvo roces con la producción, pues ella, para no encasillarse, quería que su personaje fuera gradualmente desapareciendo de la serie, pero no era esa la idea del showrunner ni de los productores, que la consideraban esencial para el éxito y sostenimiento de la misma. A ello se sumaban frecuentes conflictos con su compañera de elencoJennie Garth que, paradójicamente, interpretaba en la serie a su mejor amiga Kelly.
Pero los noventa le tenían reservado otro éxito en puerta y ese sería Embrujadas (Hechiceras para América Latina), serie creada por Constance Burge y producida por Aaron Spelling que se emitiría con gran suceso en The WB durante ocho temporadas entre 1998 y 2006. En la misma, Shannen componía a Prue Halliwell, la mayor de tres hermanas brujas que, en su caso particular, poseía el don de la telekinesis e incluso desarrollaría más tarde, ya en la segunda temporada, el de la proyección astral.
Sin embargo y al igual que ocurriera con Beverly Hills 90210, Shannen no llegaría al final de la serie, de la cual formaría parte durante tres temporadas y saldría en 2001 por, una vez más, roces con la producción y con compañeras de elenco, en este caso Alyssa Milano.
Sus apariciones a partir de allí se volverían más esporádicas, pero tuvo un reality propio, así como un podcast de éxito e incluso volvió a interpretar a Brenda Walsh en 90210,(en España conocida como Sensación de Vivir: La Nueva Generación) secuela de la exitosa serie de los noventa que se emitió durante cinco temporadas (lo cual implicó hacer las paces con Jennie Garth), así como también en BH 90210, reboot de Fox que, emitido en 2019, no tuvo tanta suerte como sus series predecesoras y solo duró una temporada para terminar cancelado.
También, con motivo del fallecimiento de su antiguo compañero de elenco Luke Perry, quien en Beverly Hills 90210 compusiera a Dylan, participó en la serie Riverdale, específicamente del episodio In Memoriam, que justamente abre la cuarta temporada con el funeral de Fred Andrews, el personaje al que él allí interpretaba. En el mismo, Shannen compone a una mujer sin nombre que llora mientras habla en el cementerio con Archie y sus amigos, sonando sus palabras sinceras, espontáneas y claramente dedicadas a su colega y amigo más que al personaje.
Pero las últimas décadas la tuvieron especialmente luchando con problemas de salud. Ya en 1999 le fue diagnosticada la enfermedad gastrointestinal conocida como Crohn y, a partir de 2015, cáncer de mama. El mal, no obstante, remitió gracias a los tratamientos, pero regresó en 2020 y desde el año pasado le hizo metástasis extendiéndose a huesos y cerebro.
“Con gran pesar – anunció ayer su representante – confirmo el fallecimiento de la actriz Shannen Doherty. El sábado 13 de julio perdió la batalla del cáncer tras muchos años de lucha contra la enfermedad. La devota hija, hermana, tía y amiga estuvo rodeada de sus seres queridos, así como de su perro Bowie. La familia pide privacidad en este momento para que puedan llorar en paz”.
Hasta siempre Jenny, hasta siempre Brenda, hasta siempre Prure. Hasta siempre Shannen y gracias por todo…
Con esta premisa nos sumergimos en un romance fantástico repleto de mitología y folclore Chino, que mezcla unas buenas dosis de acción y fantasía mitológica con ese ambiente tan especial del Shanghái de comienzos del siglo XX. Los altos edificios con art decó del Blund contrastan con los Rickshaw a pie de calle o los puestos callejeros de Xiaolongbao, mientras las deidades del cielo y los habitantes del infierno festejan durante la noche en el Paramount, el salón de baile de moda.![Star Wars: The Acolyte. Temporada 1. Episodio 8 [FINAL DE TEMPORADA]](https://www.lascosasquenoshacenfelices.com/wp-content/uploads/2024/07/acolyte-copia-2-768x432.jpg "Star Wars: The Acolyte. Temporada 1. Episodio 8 [FINAL DE TEMPORADA]")
